Lo que pasa es que en Chile somos SUUUUUPER originales...

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WHERE THE HELL IS MATT?:

Matt es un tipo que ha pasado sus últimos diez años bailando por todo el mundo acompañado de una emotiva música. El baile es el mismo en todos lados, sólo cambia el fondo, que puede ir desde la más cosmopolita de las ciudades estadounidenses hasta la más humilde villa africana, desde la urbe más contaminada al paraje más hermoso. Así es Matt, rodeándose de tibetanos, africanos, animales, peces, etc. Y el fondo no es un efecto especial. Es real. Matt ha viajado por más de treinta países grabando estos bailes, para luego editarlos en videos donde lo vemos pasar por todo tipo de culturas, llegando a tener una hinchada muy fiel que sigue cada correría llevada a cabo y que se pueden conocer a través de su sitio web.

Su simple historia es ésta: Antiguamente, Matt era un ordenador de videojuegos. Trabajó para empresas de consolas de entretenimiento desarrollando trabajos para Super Mario Bros., Arcade, etc. Hasta que un día se aburrió, juntó plata y comenzó a viajar por el mundo. Una vez que comienza a viajar comienza a grabarse a sí mismo enviando las cintas a sus padres. De esta manera, sus padres se enteraban en qué lugar del mundo se encontraba y como se encontraba de salud. Lo del baile comenzó a surgir de a poco, como una humorada, llegando a grabar tantos videos que comenzó a editarlos de a poco, hasta subirlos a la red con todos los países que ha visitado. Claro que Matt hacía todo esto sin imaginarse jamás que sus videos comenzarian a ser descargados de internet y a ser vistos por todo el mundo. De hecho, en You Tube posee muchos seguidores e incluso han comenzado a salir videos parodiándolo y homenajeándolo. Poco a poco, el mundo comienza ha comenzado a rayar con este personaje. La popularidad ha aumentado tanto que incluso el gobierno gobierno de Estados Unidos (o Canadá, no me acuerdo) le ha entregado una especie de beca que cubre y financia los gastos totales de todos sus viajes ¡¡¡POR 30 PAISES!!!... O sea, este tipo ha comenzado a viajar gratis financiado por su propio gobierno. Luego llegan los patrocinadores, los sponsors... ¡¡¡Y AHORA EL TIPO SE GANA LA VIDA BAILANDO POR EL MUNDO!!!... Por Chile pasó pero sólo por isla de Pascua

Señores, con ustedes: MATT.

Aquí vemos a Matt subirse a un escenario en medio de un concierto de la banda Sia Of Zero 7, invitado por ellos mismos y aclamado por el público.



Matt versión Habbo.



Where The Hell is Ken?



Y finalmente Where The Hell is Matt´s Girlfriend.

TIM BURTON´S ALICE IN WONDERLAND

Estas son las primeras imágenes de la nueva película de Tim Burton a estrenarse el próximo año 2010, basada en la novela (malinterpretadamente considerada para niños) "Alice In Wonderland", o "Alicia en el País de las Maravillas" en castellano, escrita por el británico Charles Lutwidge Dogson en 1865 (a aquellos que levantan la ceja les explico que Lewis Carrol era el pseudonimo que Lutwidge usaba en sus novelas... Yo también lo haría si mi segundo apellido fuera Dogson... juaz!). Adaptada al cine innumerables veces (con Walt Disney incluido), esta vez Burton tiene el precedente de sus anteriores películas que de alguna manera podrían habilitarlo para hacer una versión lo más apegada a la novela, conservando aquella exquisita mezcla de surrealismo y fantasía. Todo el mundo sabe que Johnny Depp (Pánico y Locura en Las Vegas, Ed Wood, Piratas del Caribe, entre otras), a estas alturas íntimo amigo de Tim Burton tanto que incluso cada Navidad van juntos a comprar los regalos a sus hijos (de hecho es padrino de uno de los hijos de Burton), una vez más se puso bajo las órdenes de Tim, que Helena Bonham Carter (Fight Club, Big Fish, etc.), actual esposa de Burton, también se había subido al proyecto y que la debutante sería Anne Hathaway (Brokeback Mountain), pero lo que nadie sabía eran los aspectos más técnicos de la película, como la dirección de arte o de fotografía.

Hace unos días se difundieron las primeras imágenes de la película, que si bien aún no nos dice nada sobre aspectos de la dirección o de actuación, si arroja las primeras directrices sobre la dirección de arte y vestuario. Al parecer, Burton una vez más trabajará en sus personajes con esa tendencia a la que nos tiene acostumbrado en toda su filmografía. Ahora, la sorpresa radica en que al parecer no solo el vestuario y el maquillaje robará la atención de la película, si no que también el aspecto digital, puesto que en las imágenes podemos ver el cuerpo de los personajes alterados por ordenador, lo que nos habla de una película muy surrealista en cuanto el aspecto de los personajes. Habrá que esperar el resultado de todo en un par de meses, cuando se estrene esta versión de Burton que, dicho sea de paso, venía hace rato de capa caída con películas como "Planet At The Apes", "Big Fish", "Corpse Bride" y "Charlie and the Factory Chocolate". Recién se vino a reinvindicar un poco con "Sweeny Todd", un musical con muchos elementos que se podían rescatar. Creo que el problema de Burton es que se etiquetó a sí mismo y cada película es un homenaje a sus películas anteriores, utilizando los mismo códigos, los mismos recursos narrativos en incluso los mismos actores. De hecho en la imagen que puse arriba, antes del título, se puede observar un plano general donde de fondo hay unas especies de árboles con figuras que recuerdan aquellas escenas del Joven Manos de Tijeras cuando podaba los arbustos del barrio donde alojaba ... Pero bueno, esperemos que pasa con esta.

He aquí las imágenes.

Johnny Depp irreconocible con el maquillaje en el papel del Sombrerero Loco.

Helena Bonham Carter luciendo su nueva apariencia alterado por ordenador en el papel de la Reina Roja.

La Reina Blanca será interpretada por Anne Hathaway.

BATMAN: THE ANIMATED SERIES
el antes y el después...

Somos muchos los que pensamos que la serie ideada por Bruce Timm (un nombre curiosamente cercano a otros nombres importantes para el encapotado, como "Bruce" Wayne, "Tim" Drake o "Tim" Burton) es, quizás, la mejor serie animada de Batman creada hasta la fecha. Si bien se creó aprovechando el revuelo provocado por las películas de Burton, la serie termina tomando conceptos del cómic para luego desarrollarlos y evolucionarlos, llegando a crear su propio universo DC con la llegada de otras series como Superman o las distintas versiones de la Justice League.

Pero antes de que pasara todo esto, alguien tenía que aprobar presupuestos para que la cosa saliera rentable. Y antes de aprobar presupuestos, alguien tenía que hacer un piloto para que los ejecutivos se hicieran una idea de qué es lo que se iba a financiar.

Señor@s: Los dejo con el piloto que dió el vamos a todo el fenómeno que siguió después. El piloto original, del cual la forma cambiaría muchísimo a la que conocimos y con la que crecimos, pero el fondo es el mismo. De hecho, se cuenta la misma historia pero de otra forma. En el piloto vemos a Batman evadiendo balas, pero en la intro definitiva sólo lo vemos evadiendo puños para reforzar la idea de un ser sin superpoderes, con habilidades absolutamente humanas. Para qué hablar del detalle del primer plano en la cara.

Los invito a buscar las siete diferencias...

PILOTO ORIGINAL

OPENING DEFINITIVA:

MOYMOY PALABOY
(o la destrucción de toda cordura en nuestra humanidad):

"Moymoy Palaboy" es un dueto de Filipinas que comenzaron a grabarse con una webcam simulando canciones de lo que fuera. A partir de entonces, comenzaron a subir videos a Youtube y llegaron a tal nivel de masificación que acaban de firmar con la Sony para grabar un disco, salir de gira auspiciados por MTV y si fuera poco tienen su propio programa de TV donde hacen lo que saben hacer... gestos y morisquetas.
¿Preparados para cambiar sus vidas?











MAS INFO EN www.moymoypalaboyproductions.com

HIGH FIDELITY:

(porque los ñoños también tienen corazón)

Cuando un libro o una novela es adaptada al cine, siempre ocurre que no todo el mundo queda conforme con el trabajo final. Eso ocurre sobretodo con los lectores y seguidores que llevaron a aquel libro al top one de los best sellers. Pero algo pasa con la corriente snob de la literatura postmodernista que hace que sus adaptaciones cinematográficas siempre sean muy aplaudidas, incluso llegando a ser objetos de culto, como es el caso de “Fight Club”, “Trainspotting”, “Clockwork Orange” y la película que nos referiremos en esta ocasión: “High Fidelity”. Puede que esto se explique porque estas novelas están llenas de citas y referencias a la cultura pop, ya que los personajes siempre hablan sobre gustos musicales o cinematográficas, citan a intelectuales contemporáneos o bien tienen empleos “cool” que a casi todo el mundo le gustaría tener, elementos que muchas veces reflejan un poco los gustos de los autores de estas novelas, dejando en claro que el aporte a la construcción de los personajes pasa a un segundo plano.

Los temas que tratan son muy contemporáneos y rara vez expuesto en los medios de comunicación, a no ser que lo hagan como protagonistas de las crónicas policiales o en artículos con motivo de debate entre sociólogos y expertos (o sea, nada de interés popular), como es el caso de “Trainspotting” que tocaba el tema de la drogadicción en jóvenes escoceses que renegaban de la cultura inglesa (pero que aún así escuchaban David Bowie o Lou Reed. Contradicciones de la vida diaria), o en el caso de “Fight Club” que toca el tema de la violencia aparentemente motivada por una disconformidad con el sistema (cuando en realidad todo era motivado por la locura de su protagonista... creo que se me salió un spoiler. Lo siento por los que no vieron la peli). Además, son novelas que no poseen una estructura rígida, por lo mismo que comentaba recién (el contenido), por lo que los directores pueden llegar a tener una libertad casi infinita para llegar a realizar las adaptaciones al cine. De hecho, las películas citadas (más otras que andan dando vueltas por ahí) llegaron a marcar un antes y un después, incluso instalando tendencias en el lenguaje audiovisual tanto en el cine como en la televisión. Pasó en el caso de “Orange Clockwork” (o “Naranja Mecánica”, como prefieran algunos) donde Stanley Kubrick realizó una película sublime, incomprendida en su época, llegando a ser motivo de análisis en la actualidad. También pasó con la estructura en el desarrollo de “Fight Club” y con la estética brit pop de “Trainspotting” llegando a ser descaradamente copiada en una de las peores y más desapercibidas películas chilenas que haya pasado por un cine: la insufrible “Mala Leche”.

“High Fidelity” es una película dirigida por Stephen Frears y realizada en el 2000, pero ambientada a mediados de los noventa, cuando el vinilo estaba en retirada (pero sólo en la práctica masiva de escuchar música, porque en realidad siempre ha estado presente), el CD era un lujo y los cassettes eran el pan de cada día. En este contexto tenemos a Rob (John Cusack), dueño de una disqueria ubicada en el peor lugar de Chicago, donde muy poca gente transita y donde los ñoños de la música hacen un esfuerzo por llegar al lugar para encontrar las rarezas, los bootlegs o los sides-B que nunca encontrarán en disquerias multinacionales. Su novia de años, Laura (Iben Hjejle) lo abandona porque lo acusa de no sentar cabeza y de inmadurez. Es así como Rob entra en una etapa de luto amoroso, donde comienza a cuestionarse si realmente él es el problema en todas las relaciones que ha tenido, o bien han sido las circunstancias las que han marcado todas sus rupturas y decepciones. Y mientras Laura se va a vivir con un ex vecino llamado Ian (caracterizado por un excelente Tim Robbins, el mismo de “Rio Mistico”, donde comparte roles con un notable Sean Penn, y el mismo de “ Sueños de Fuga”, donde sale con un entonces recién aparecido Morgan Freeman), Rob se introduce en un viaje introspectivo consistente en ubicar a todas las ex novias que ha tenido para invitarlas a salir y poder lograr entender de esta manera si su problema lo ha ido arrastrando desde pequeño o bien sólo se ha dado en situaciones ajenas a su control. Un viaje bastante cuestionable, considerando que este tipo de cruzadas hacia el pasado no es más que el reflejo de alguna carencia afectiva provocado por alguna desilusión de antaño o actual, pero que refleja la dependencia de esta persona hacia el cariño, amor e incluso llegando al extremo de provocar en la pareja la misma dependencia de ésta persona hacia la otra, dando a entender que no importa la persona con la que estés, solo importa que alguien llene ese vacío en tu alma, por lo que quizás el amor hacia Laura se podría cuestionar perfectamente. En todo caso, en la película Rob está constantemente haciéndole entender a Laura que sin ella no puede vivir y que vuelva con él, por lo que seguramente sí podríamos darle una oportunidad a la posibilidad de que Rob realmente se siente enamorado.

En su disqueria, Rob tiene contratado a dos tipos: Dick (Todd Lousio, el mismo que trataba que le entendieran su jazz en “Jerry McGuire”) y Barry (un hilarante Jack Black, el mismo de “Tenacious D”). Ambos son unos verdaderos ñoños de tomo y lomo que, a pesar de haber sido contratados sólo por tres días en la semana, van TODOS los días sólo porque no tienen vida y no tienen en que invertir su tiempo el resto de la semana. Los diálogos que tienen en la películas son sencillamente geniales, muy entretenidos, porque constantemente están hablando de música, de trivias y datos inútiles que a nadie le interesa, sólo para competir y demostrar quién es realmente el más ñoño de la tienda. Personalmente, considero que esta dupla sigue esa eterna tradición en el cine cuando los personajes secundarios se llevan todos los aplausos. Pasa en esta cinta, ya que esta dupla se roba la película y matiza el romanticismo presente en la historia de los protagonistas, aportando mucho humor (y del muy estúpido) y lo más importante, datos y trivias que sólo los ñoños podrían apreciar.

Un leitmotiv que constantemente vemos en esta película es la costumbre de Rob de crear un listado de las cinco mejores o peores cosas. De hecho, la película comienza cuando Rob recuerda sus cinco peores desilusiones amorosas, y así en el transcurso de la película vemos listados de los cinco mejores empleos, los cinco mejores discos para escuchar en un día Lunes, los cinco mejores clásicos, los cinco mejores temas número 1 que salen en los lados A de los discos, y así sucesivamente, lo que refleja una vez más el tema de la carencia y de cómo, en estos listados de los top 5, proyectan los empleos y la vida que quieren llevar y que no pueden tener como una forma de llenar los vacíos que tienen en sus vidas. De hecho, Rob llega a crear una disquera independiente llamada “Top 5 Records”.

“High Fidelity” es una película hecha en familia, ya que muchos de los actores se conocían desde hace años, e incluso hasta el día de hoy siguen compartiendo roles en series y películas. Joan Cusack (que hace el papel de Liz, la neutral amiga de Rob y Laura) salió en la cómica y también rockera “Scholl Of Rock”, compartiendo roles con Jack Black, quién a su vez tenía una banda con John Cusack cuando eran jóvenes, un John cuyo apellido es igual a la de Joan, casi haciéndonos suponer que algún lazo de familia deben tener entre ambos. También tenemos a Tim Robbins, quién también tenía un lazo con Jack Black, llegando incluso a hacer un cameo en “Tenacious D”, haciendo el papel del indigente cojo que le daba el mapa a Jack para que entrara al Museo del Rock a robar la uñeta del destino (o la “pick of destiny”).

En general la película es entretenida, lleno de trivias ñoñas y con una historia de amor (o de tortura, depende de como quieran llamarle) bastante amena pero a la vez trágica. Dicen las malas lenguas que se viene la segunda parte, ahora que todos estos actores están más famosos y facturan más lucas. Del uno al siete le pongo un 6,5. Y ahora a escuchar un buen vinilo...

BATMAN: YEAR ONE.

Personalmente, considero que la mitología actual que posee el Señor de la Noche, la de un personaje oscuro y reprimido, con una psicología compleja que busca librarse de sus culpas golpeando traficantes y psicopatas con una máscara con orejas de murciélago y con la cual se basaran Tim Burton y Christopher Nolan en sus adaptaciones cinematográficas, se apoya en cinco obras fundamentales: “Return Of The Dark Knight” de Frank Miller, “The Long Halloween” de Jeph Loeb y Tim Sale, “The Killing Joke” de Alan Moore y Brian Bolland, “The Arkham Asylum” de Grant Morrison, y “Batman: Year One”, de Frank Miller y David Mazzucchelli, esta última quizás la más importante de las cinco mencionadas, ya que en ella se explica el origen de Batman y las causas que lo motivan a salir de noche vestido como roedor con alas.

Corría el año 1987. El universo DC estaba sujeto a lo publicado dos años antes en “Crisis In The Infinite Earth”, una serie que destruyó la antigua continuidad para dar paso a otra nueva, donde a los personajes se les ambientaba en nuestros tiempos y donde se replanteaba el origen de todos ellos. Las series comenzaban de nuevo y los orígenes y las génesis se explicaban una vez más. Es en este contexto donde Frank Miller y David Mazzucchelli fueron escogidos no sólo para explicar el origen de Batman, sino que también para narrar los primeros encuentros entre el encapotado y el Teniente Gordon (aún no era Comisionado), el origen de Catwoman y las primeras apariciones de Bruce Wayne actuando como un excéntrico filántropo playboy para así desviar la atención y para que de esta manera nadie sospechara que en realidad él era Batman.

La historia se sitúa en una Gotham City oscura, fría y desesperanzadora. La policía está tan corrupta como los medios de comunicación y todo gira en torno al dinero: la mafia organiza fiestas donde es común ver asistiendo al alcalde de la ciudad, a altas autoridades y miembros de la policía. A esta ciudad llegan por separados dos personas distintas pero con un mismo fín: Bruce Wayne regresa de sus viajes a través del mundo aprendiendo técnicas para combatir el mal, y James Gordon, un teniente que es asignado a la policía de Gotham City justamente para combatir también el mal. Claro que uno lo hará a cara descubierta (en el caso de Gordon) y otro lo intentará con métodos pocos convencionales para que no le identifiquen (en el caso de Wayne). El camino de ambos comienza a cruzarse cuando Gordon, al darse cuenta de lo corrupta que están las raíces de la ciudad, no cede ante las presiones de sus superiores de aceptar coimas o de tapar las corrupciones de sus compañeros. A raíz de esto comienza a ser amenazado por sus propios compañeros policías en conjunto con la mafia. Los mismos tipos que comienzan a ser acechados por un extraño vigilante nocturno disfrazado de murciélago: Batman. Ambos se dan cuenta que tienen un enemigo y una causa en común que es la de limpiar a Gotham City de la corrupción, y por lo mismo comienzan una alianza que perdurará por siempre.

El guión es de Frank Miller y se nota, porque a ratos la historia se transforma en un thriller policial digno de los géneros del cine de la década del ´40, con persecuciones en automóviles, diálogos en primera persona y una violencia elegante y sofisticada pero a la vez muy sangrienta y masoquista, concepto que además Miller aplicaría más tarde en su obra “Sin City” y con la cual tendría tanto éxito que llegaría a hacer una película sobre ella. Los dibujos de Mazzucchelli son excelentes debido a que los rasgos de los personajes son muy reales y además porque no exagera los atributos de los superhéroes: A Batman no lo dibuja con grandes músculos y con una tecnología espectacular. Lo hace más bien un poco debilucho, sin tanto músculo para darnos a entender que el traje de Batman es de tela, lejos de lo que desarrollaría más tarde. Es decir, nos muestra a personas reales situadas en un contexto que pretende ser real, con personas que parecen ser normales y en una ciudad fría y triste que también aporta con lo suyo al pretender mostrar una experiencia lo más apegada a la realidad posible. Los colores de Richmond Lewis no se quedan atrás: Lo que manda son los tonos grises, fríos, como si pretendiera situarnos en una historia de otoño o invierno. La sangre nunca la colorea de color rojo, sino que utiliza tonos más oscuros, las armas también como si estuvieran oxidadas, la ciudad la colorea de tal manera que se ve una ciudad decadente y triste, lista para desaparecer y para nacer de nuevo. En resumen, un trabajo impecable que hace que te atrases en cada viñeta que lees para poder apreciar los dibujos y los colores en su máxima expresión.

En “Batman: Year One” se explica porqué Bruce Wayne escoge la imagen de un murciélago para construir su mitología, se explica el origen de Catwoman y la causa de su odio hacia Batman y también se explica la relación entre James Gordon y su esposa. La importancia de esta historia radica en que a partir de ésta se comenzarían a escribir todas las historias a futuro. De hecho, muchos códigos y conceptos de esta historia serían tomadas prestadas por Christopher Nolan para aplicarlas en “Batman Begins”, una película que, en lo personal, considero que es la adaptación cinematográfica más fiel al hombre murciélago ya que muestra a un Batman más apegado al cómic, mientras que el Batman de Tim Burton era más bien una adaptación a esas eternas historias de hadas madrinas a las que nos tiene acostumbrado Burton. A ese Batman lo podríamos reemplazar perfectamente por un Joven Manos de Tijeras o por un Jack Skellington. Es por esto que, para aquellos que recién comienzan en el mundo de los cómics y que aún no leen nada sobre Batman, “Year One” es un excelente libro para comenzar a conocer al encapotado nocturno.

ZOMBIE STRIPPERS.

(Lo que Tarantino y Rodriguez no aplicaron en "Crepusculo al Amanecer").

Zombie Strippers reúne los ingredientes que toda película de mal gusto desea tener. Sangre a chorros por montón; zombies devorando cerebros, tripas y todo tipo de órganos humanos (incluyendo organos sexuales); mujeres desnudas acechando torpes hombres cabareteros y actores muy malos que sólo se ganan su sueldo por ser iconos del cine de culto o de autor como es el caso de dos personas muy conocidas que aparecen en esta película como un gancho para atraer espectadores: Robert Englund (actor que encarnó al ya clásico Freddy Krueger en todas las películas de la saga “A nightmare on Elm Street”) y Jenna Jameson (actriz “entre comillas” a quién conocemos en otra faceta: la de protagonizar películas porno o XXX, elevada al status de diva por el circuito en el que se mueve).

A pesar de contener elementos que toda película de cine B le gustaría poseer, le cuesta pasar la línea del mal gusto como sí lo hacen las películas de Lloyd Kaufman o las de John Waters (si la extrapolamos a otro género). Sin embargo, se las arregla de buena manera para salir airosa con una trama muy cercana a la comedia negra, donde el personaje Ian Essko (personificado por Englund) se parodia muchas veces imitando gestos o textos que muchas veces caracterizó con su personaje de Freddy Krueger. De igual forma Jenna Jameson también se parodia a través de su personaje donde quizás no la vemos en poses sexuales explícitas, pero sí la vemos bailando con el caño desnuda, lo que nos recuerda porque es tan conocida dentro de la industria porno.

La trama es bastante simple: un club nocturno administrado por Essko (Englund) recibe la accidentada visita de un soldado que arrancaba de un brote de zombies. Basta con que este soldado muerda a una de las bailarinas para que el virus que transforma a las personas en zombies comience a expanderse en este local, contagiando a las bailarinas quiénes ofrecen una extraña mezcla de sensualidad zombie al pretender bailar el caño con sus cuerpos cayéndose a pedazos o caminando torpemente como característica de todo muerto viviente.

En el fondo, "Zombie Strippers" es la pelicula B de "Crepusculo al Amanecer", de Tarantino y Rodriguez. En esta ocasión, la cantina la cambiaron por un cabaret, los vampiros lo cambiaron por zombies y a Salma Hayek la cambiaron por Jenna Jameson.

THERE WILL BE BLOOD:

Ambientada entre los años 1890 y 1927, “There Will Be Blood” relata la historia de un multimillonario, de nombre David Playview, dueño de muchos pozos petrolíferos y fundador de una de las empresas de petróleo que más dinero ha amasado en la historia. Claro que su fortuna no apareció de la noche a la mañana. A fines del siglo XIX, la vida de este tipo era muy pobre y sacrificada, por lo tanto, muy lejos de la vida llena de lujos que le esperaría años más tarde. Por lo general se traslada de pueblo en pueblo con un par de palas y picas para hacer hoyos donde fuera, siempre con la esperanza de encontrar algún pozo que arrojara petróleo. Pero este tipo que se ve tan pobre, además de su espíritu emprendedor, tiene una cualidad que lo llevará lejos: La ambición. Y una ambición sin límites que lo llevará a cometer actos que no necesariamente colindan con la moral y las buenas costumbres.

Un hombre muy habilidoso en los negocios que lo llevaría a crear su propia empresa de extracción de petróleo y que le comenzaría a crear un nombre dentro del establishment de la época. Un día, a su oficina, llega un joven de nombre Paul, y luego de exigir una cita con Daniel Playview, le pide dinero a cambio de una información muy relevante para el promisorio empresario: En el sitio donde se ubicaba la casa de la familia de Paul había petróleo. Pero mucho petróleo. Seguramente movido por venganza producto de alguna rencilla familiar, Paul decide contar el secreto de su familia y luego de esto desaparece de la faz de la Tierra. Más tarde se sabría que con ese dinero, Paul invertiría en su propia empresa petrolífera y amasaría una fortuna nada despreciable. El asunto es que Daniel le paga el dinero por la información y se presenta en el fundo. Ahí conoce al hermano gemelo de Paul, Eli Sunday (no confundir con la Eli “rico buena onda”), un predicador fundador de una de las tantas Iglesia medias sectarias que hay en Estados Unidos, y de alguna manera, también con una leve ambición de poder, al igual que David, ya que el ser predicador mueve a una masa más o menos importante de fieles y creyentes que le rinde pleitesías y que acata todo lo que dice.

La relación que se da entre David y Eli es una relación muy farsante al comienzo que luego se torna en un odio explícito y sin control. Al principio ambos se ofrecen elogios y se saludan muy amenamente, pero en el fondo ninguno le compra la pescada al otro. David, a estas alturas un viejo empresario de experiencia, un viejo zorro al que no le pasan gato por liebre, ve en Eli un predicador falso, un chanta, un mentiroso que engaña a la gente con una falsa religión y que se disfraza de un joven amable, educado y de buenas intenciones. Lamentablemente, David se tiene que relacionar con Eli porque él es la máxima autoridad del pueblo y si David quiere instalar un pozo petrolífero ahí, tiene que contar con la venia del pueblo y para eso es importante la influencia de Eli en ellos. Por otro lado, para Eli, que de alguna manera conoce de la ambición al querer él mismo acaparar toda la atención de su pueblo y por ende tener un cierto grado de poder e influencia en sus fieles, tampoco le vienen con cuentos y sabe que David viene a explotar el pueblo para hacerse rico y sumir al pueblo en la miseria. Por eso David no puede ocultar sus intenciones con Eli, aunque lo intente, porque Eli se da cuenta que la ambición de David no está tan lejos de la de él. Por lo tanto, Eli piensa que David es un desalmado, un calculador y explotador. Sin embargo, Eli también debe relacionarse con David, porque él tiene el dinero, y como condición para extraer petróleo del pueblo, David le prometió a Eli construir un nuevo templo para su Iglesia, para seguir de esta manera convenciendo a sus feligreses que él es un enviado de Dios.

La relación entre ambos es sólo una de las tantas historias que se tejen a través de la película. A esto se suma la relación de David con su hijo (que no lo es tanto), con un dudoso hermano que viene a pedirle ayuda, con los empresarios que le ofrecen comprarle terrenos, etc. El leitmotiv de todas es la frialdad y la ambición con la que se mueve David Playview. Un tipo malo malo como la nata que en todo momento trata de tener el control sobre su persona y evitar demostrar su personalidad de manera explícita frente a sus enemigos. Es más, a veces es capaz de abrir su corazón frente a sus potenciales enemigos para luego eliminarlos como si nada. Un tipo muy calculador que te deja la piel de gallina, pero a la vez trabajador y esforzado. Es la cara del modelo económico que imperó en Estados Unidos en esa época, donde realmente en aquellos años se podía literalmente de la tierra de las oportunidades, puesto que cualquier tipo podría venir sin tener donde caer muerto, y con un poco de suerte y trabajo, se podía hacer rico de la noche a la mañana encontrando petróleo u oro, como pasaba en California. Es la verdadera naturaleza del ser humano, capaz de hacer y cometer cualquier acto con tal de proteger lo suyo y de compartir con los demás.

Daniel Day-Lewis, el actor que encarna a David Playview terminó ganando un Oscar por este papel, lo que reivindica a la Academia (pero un poquito no más) después de tanto pastelazo que se mandaron años anteriores. También se llevó un Oscar por Mejor Fotografía a cargo de Robert Elswitt, en ese sentido nada que decir, la fotografía es insuperable. Paul Dano, el actor que hizo el papel de los gemelos Sunday, Paul y Eli, me parece que también estuvo nominado, pero creo que no ganó. Ambos actores, Daniel y Paul, hacen una dupleta espectacular, provocando algo que no sentía hacía muchísimo tiempo: Incluir una película dentro de mi lista personal de las 10 mejores de toda la Historia. Y la música, que a ratos era muy, pero muy psicótica, estuvo a cargo de Johnny Greenwood. Sí señores, a los pocos que levantaron la ceja, les digo: El mismo flaco que tocaba guitarra en Radiohead. El mismo que no le gustaba Creep y que le metió la distorsión entre medio cuando cantaba Tom Yorke como una manera de boicotear el tema para no ponerlo en el disco ni hacerlo single. La misma distorsión que en vez de cumplir con su tarea terminaría por aportar al tema y también terminaría por ser la parte más característica de la canción, terminando por ser uno de los mejores y más reconocidos temas de Radiohead, terminando por abrirles las puertas al mercado estadounidense.

“There Will Be Blood” está basada en una novela escrita por Upton Sinclair y publicada en la década del veinte llamada “Oil”, por lo que no sé realmente si esta historia está basada en una historia real. Seguramente está inspirada en algunos eventos ocurridos a diversas personas que andaban en lo mismo, pero concentrados en un personaje ficticio, lo que no quiere decir que no hayan ocurrido realmente. La dirige Paul Thomas Anderson, el mismo director de Magnolia y Punch Drunk Love, una película que da cátedra de cómo tienen que ser las cintas románticas, o sea, aparte de mamonas, también deben tener un grado de genialidad y majestuosidad que no las haga ser parte del montón. Fan empedernido de Kubrick, se nota un poco la influencia de éste en sus películas, sobre todo en ésta, puesto que hay tomas y planos que son casi calcados al trabajo de Kubrick. ¿Homenaje o copia?. Usted decide. Lo concreto es que al finalizar la película, cuando David está en su cancha personal de bowling, los planos y los colores distribuidos en el lugar me recuerdan la recepción del hotel que sale en la película “The Shining”, de Stanley Kubrick. Las películas de Anderson, además, poseen un grado de ambigüedad que permite lanzar sobre ellas una serie de análisis semióticos que finalmente terminan por decir ¡qué diablos quiso decir este tipo!--- Oh, esperen… ¡Igual que las películas de Stanley Kubrick!... jajaj… Por ejemplo: Leí por ahí que al terminar “There Will Be Blood” (no les voy a decir cómo termina pero el que ya la vio seguramente me va a entender) hay una escena en que interactúan David y Eli. David ya es un tipo millonario lleno de lujos y con muchos años encima. Sin embargo, Eli aparece tal cual como al inicio de la película, sin ningún año encima. Muchos dicen el director trató de decir que en realidad Eli nunca apareció en su casa, sino que todo el diálogo que tuvieron y todos los hechos pasaron en la cabeza de David, y no necesariamente fueron reales. Es decir, justo cuando todos pensábamos que David estaba loco y que lo dábamos por perdido, llega Eli y tienen esa conversación que nos hace dar cuenta que en realidad David nunca antes había estado tan cuerdo y tan en sus casillas como en ese momento. Sin embargo, de ser verdad lo que leí sobre esto y si realmente el director quiso hacer suceder esta conversación en la mente de David y no en la realidad, finalmente esa idea que nos hicimos de que David estaba más vivo que zombie con ritalín se va a las pailas, lo que finalmente nos saca la venda de los ojos y decir: ¡Anderson… eres un puto que juega con nuestros sentimientos!.... MAESTRO!!!...

Del uno al siete…. UN MILLÓN!

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“EMERALD TWILIGHT”

Sucio y olvidado en una tienda de libros usados (a veces la gente que atiende no tiene idea de lo que tienen bajo su propio techo) encontré este tomo llamado “Emerald Twilight”, o también conocido en español como “Crepúsculo Esmeralda”. Protagonizado por el Green Lantern Hal Jordan, este tomo es importante para entender el cambio radical que tuvo este personaje en la década del noventa. Para las personas que no saben quién es Green Lantern (que no creo que sean muchos), les cuento que es un personaje que ha tenido muchas versiones. La primera de ellas fue la de 1940, y era un tipo llamado Alan Scott que combatía el crimen común y corriente. Pero en 1959, tomaron al personaje y le dieron un enfoque más intergaláctico. Ya no se trataba de un Green Lantern, si no que de miles de Green Lanterns dispersos en todos los confines del Universo como una especie de policía intergaláctica que se preocupaba de velar por la seguridad de todos los planetas. El representante de nuestro planeta se llamaba Hal Jordan, el mismo Green Lantern que veíamos en esos patéticos (bueno, ya… hay que entender que eran monitos para niños) capítulos de la serie animada “Super Amigos”, de la Hanna – Barbera. También terminaron por ganarse el aprecio de los lectores otros Green Lantern como Kilowog (que por un tiempo vivió y estudió el modelo comunista de la Unión Soviética), Guy Gardner (un tipo de muchos puños pero poco cerebro, eterno receptor de los combos de Batman en la Liga de la Justicia de Keith Giffen y J. M. Dematteis), John Stewart (Un Green Lantern de raza negra creado por el asunto ése de la convivencia sana entre razas y blablabla… Era el que salía en la última serie animada de la Liga de la Justicia que daban en el Cartoon Network) y Kyle Rayner (quién fue Green Lantern cuando los Guardianes desaparecieron), entre otros.

Pero en este caso, nos interesa hablar del Green Lantern llamado Hal Jordan, quizás el personaje más conocido y emblemático del citado ejército. Eterno segundón, junto con Aquaman, al momento de ceder protagonismos en la DC (ya que siempre son Superman y Batman los que se llevan los créditos), pero eterno protagonista entre los Linternas Verdes. En los años sesenta compartió una serie mensual con Green Arrow (otros de los duros de la DC), que llamó la atención de la crítica al ser el primer cómic en tocar temáticas sensibles para la época, como las drogas, el pacifismo, el racismo y otras más. Siempre correcto, siempre caballero y dispuesto a ofrecer siempre una sonrisa amiga, este personaje (favorito de las mamás a la hora de comprarles “historietas” lindas a sus hijos) cambiaría rotundamente en 1994. Este cambia sucedería en la serie “Emerald Twilight”, publicada en los números Green Lantern nº 48 (Enero de 1994), Green Lantern nº 49 (Febrero de 1994) y Green Lantern nº 50 (Marzo de 1994).

Los acontecimientos ocurridos en “Emerald Twilight” tienen relación con los sucedidos en “The Reign Of The Supermen”, a la vez relacionados con “Dead Of Superman”. Luego de que Superman fuera asesinado por Doomsday (luego se sabría que no fue tan así), llegaron cuatro tipos diciendo ser Superman resucitado: Steel, Superboy, Cyborg y Erradicador. Los cuatro comenzaron a tomar la justicia por sus manos, siendo Cyborg el que llegó más allá, llegando a aliarse con Mongul y destruyendo Coast City para construir su reino personal. Resulta que Coast City era la ciudad natal del Green Lantern Hal Jordan, ciudad donde vivían todos sus amigos, familiares y conocidos. Lugar donde descansaban los restos de su padre y donde vivió muchas cosas importantes de su niñez y de su infancia. Cuando apareció un quinto Superman (el que terminaría siendo el real), muchos de los que decían ser el verdadero, como Steel y Superboy, terminarían por unírsele, y junto con Green Lantern, parten a detener a Cyborg.

En el número “Superman: Man of Steel” nº 26 (Octubre de 1993), vemos al Green Lantern, Hal Jordan, llegar desde el espacio a su ciudad natal Coast City. Sin embargo, se da cuenta que su ciudad ya no se encuentra, y que sobre ella se ubica la ciudad construida por Cyborg. Al entrar a la ciudad comprende todo lo sucedido y comienza una lucha contra Mongul, lucha donde por primera vez se puede interpretar lo que pasaría más adelante. Luego de vencer a Mongul, se une a Supergirl, Superboy y Steel en la lucha con el Superman original para recuperar su sitial, contra Cyborg. Luego de vencer a Cyborg y de que Superman retomara su sitial perdido, comienza el luto. Hal Jordan comienza a cuestionarse el porqué no pudo salvar a su ciudad y comienza a considerar la posibilidad de reconstruir Coast City con su anillo, cosa que está prohibido por los Guardianes, debido a que un Green Lantern no debe usar el poder de un anillo para su propio beneficio.

Aquí es donde comienza “Emerald Twilight”, en el momento en que Hal Jordan, abatido y derrotado psicológicamente, comienza a utilizar el anillo para reconstruir ciertos parajes de Coast City, y a revivir personas que compartieron su vida, como su fallecido padre, o como Jennifer, su primer amor. Comienza a vivir en un mundo construido por él, cuando es violentamente interrumpido por la proyección de un Guardián que le comunica que va a ser castigado por lo ocurrido y que debe entregar su anillo, puesto que lo usó para su beneficio. Hal Jordan se pone en rebeldía y por primera vez se da cuenta que los Guardianes son seres egoístas porque no piensan en los Green Lanterns como personas, si no que como cosas que tienen que estar a disposición de ellos, y en vista de aquello, y debido a que los Guardianes en ningún momento mostraron algún signo de sentimiento por lo sucedido, Hal Jordan reniega de ellos y comienza un viaje hacia OA para tomar la carga de todos los Green Lanterns, y de ser necesario, acabar con los Guardianes.

En el camino se topa con muchos de sus amigos quiénes le advierten que deben detenerlo, sin embargo, Hal Jordan los derrota a todos, incluso llegando a matar a Kilowog, la persona que lo entrenó para ser un Green Lantern. Finalmente llega a OA, y después de derrotar a los Guardianes, toma toda la energía de los Green Lanterns, transformándose de esta manera en Parallax, un ente malévolo que toma el cuerpo de Hal Jordan. Esto traería consecuencias que más tarde se explicarían en “Zero Hour”. De esta manera los Green Lanterns desaparecen y Hal Jordan se transforma en un villano. Sin embargo, en todo este mambo, un anillo es enviado por Ganthet, el último Guardián sobreviviente, a la Tierra, donde es encontrado por Kyle Rayner, un diseñador gráfico (…) que se transformaría en el último de los Green Lantern. Sin saber utilizar este anillo, Rayner pasaría a ocupar el puesto perdido por Jordan, llegando a codearse con los seres más poderosos del Universo DC.

“Emerald Twilight” fue escrita por Ron Marz (quién lleva adelante una historia bastante entretenida, y a ratos, angustiosa) y dibujada por Bill Willingham, Fred Haynes y Darryl Banks, quiénes en general tienen bastante buena mano para el dibujo y no desentonan para nada con lo hecho anteriormente por otros dibujantes en “The Reign Of Supermen”. Sin embargo, no irradian la mística de otros como Jim Aparo, Jon Bogdanove o Jerry Ordway. Este tomo fue publicado por la Editorial Vid, para algunos una muy mala editorial en materia de cómics, para otros una editorial reguleque no más (en ningún caso, excelente), lo concreto es que en esa época (estamos hablando de 1994) era la única manera de poder adquirir cómics actualizados, considerando que Internet aún no existía, la Editorial Perfil había desaparecido sin aviso y la Editorial Zinco mandaba números de manera irregular desde España.

Del uno al siete le pongo un 6.5, promedio del 6.0 por la historia y del 7.0 por la importancia y trascendencia de este tomo.

CAVALERA CONSPIRACY:

Y continúa la teleserie Cavalera. Esta vez los hermanos Igor y Max hacen las pases, vuelven a ser buenos hermanos y arman una banda llamada Cavalera Conspiracy (que originalmente se iba a llamar Inflikted, pero que por problemas legales deciden no utilizar aquel nombre). Personalmente considero que no es el mejor de los nombres para una banda que tiene por integrantes a dos de los más influyentes e importantes músicos del rock pesado. Casi diría que es un poco infantil. Pero bueno, lo que importa aquí es la música y creo que, a la larga, el nombre va a dar lo mismo y se va a posicionar como una banda bastante power.

Imagen de Sepultura cuando eran terrible pollitos.

Para aquellos que no sepan de la teleserie Cavalera, les cuento: Estos hermanitos, cuando tenían 16 o 17 años, y sin saber tocar ningún instrumento, forman junto a Andreas Kisser y Paulo Jr., una banda de thrash-death metal llamada Sepultura, donde la temática de las letras y la estética eran completamente satánicas. Luego, a medida que iban creciendo, les comenzó a ir bastante bien, debido a que en Europa y Estados Unidos llamaba la atención que una banda brasileña hiciera metal (recordemos que en esos lados todo lo que sea latino es exótico y bien consumido, y más aún si su manager era soviético… jaja). Cuando se radican en Estados Unidos, comienzan a hacer sus discos más importantes, entre los que se encuentra “Chaos A. D.”, un disco donde las letras no hablan de satanismo si no de guerras y plagas que azotan a la humanidad, un disco que además que redefiniría el sonido del metal (presagio de lo que más adelante llegaría con Fear Factory y Korn). Luego llegaría su disco más comercial, “Roots”, donde las letras ya pasan a ser distintas y donde se rescatan los sonidos más primitivos, de raíces indígenas.

Etapa en la que Sepultura estaba en la cúspide. Llegan a tocar a lugares antes inalcanzables, como la unión Soviética.

Naibomb era el proyecto alternativo que tenían los hermanos Cavalera, mientras tocaban con Sepultura, junto con Dino Cazares y otras "estrellas" del metal. Un presagio de lo que más tarde llegaría con Cavalera Conspiracy.

Aquí comienzan los problemas porque Max, y su señora Gloria, manager de entonces, comienzan a tomar decisiones que el resto de la banda condena. Max y Gloria son de la idea de estar siempre creando sonidos nuevos y de aliarse con gente como Chino Moreno (Deftones), Jonathan Davis (Korn) y Fred Durst (Limp Bizkit), ya que consideran que el metal, a esas alturas, está muerto. El resto de la banda es más de la idea de seguir componiendo temas de la vieja escuela, temas con lo que se hicieron conocidos. Esto trae roces en las relaciones y comienzan a distanciarse, sobretodo Max y su hermano Igor, ya que cada uno se encuentra en bandos contrarios. Todo colapsa cuando en un festival en Estocolmo, Max Cavalera se entera de la muerte de su hijastro en una de las favelas en Brasil, minutos antes de salir al escenario. Esto lo afecta y decide no salir a tocar, sin embargo el resto de la banda no está de acuerdo con esta decisión y deciden salir a tocar con o sin Max. Esto fue la gota que rebalsa el vaso y Max decide renunciar a la banda, junto con su señora Gloria, noticia que remece el ambiente metalero.

Etapa del disco "Arise". Los roces comienzan a llegar en la etapa entre los discos "Chaos A. d" y "Roots".

Los años siguientes son de creación para todos. Sepultura, sin Max y con un lamentable vocalista de raza negra (definitivamente dedíquense a componer hip-hop), saca al mercado una serie de discos que lo único que demuestran es la caída, cada vez más en picada, de la banda. Sin Max, los fans comienzan a desilusionarse y comienzan a abandonar a la banda, mientras que el resto de los integrantes trata de hacer lo mejor por sacar buenos discos. Sin embargo, la crítica y los fans los destrozan al catalogarlos de no ser ni siquiera la sombra de lo que alguna vez representó Sepultura. De hecho, a finales del 2005 no renuevan contrato con su sello, y por primera vez desde que eran jóvenes, deciden recomenzar desde abajo, tocando en lugares pequeños como pubs, dejando de lado los otroras monumentales estadios, escenarios que llenaban fácilmente con treinta mil personas. Mientras tanto, Max (ya sin nadie que pueda limitarlo) hace todo lo que no pudo hacer en Sepultura. Crea la banda Soulfly, donde los temas son una mezcla de todos los sonidos imaginables, desde hip-hop y R&B hasta el death metal y el grincore. Toca en festivales como el OzzFest o el Ring MTV. Las letras comienzan a tener temáticas religiosas y espirituales, creando un gran signo de interrogación en las personas que escuchaban a Sepultura y que acostumbraban verlo como un tipo satánico. Max explica su espiritualidad diciendo que no está contra Cristo ni contra los profetas, sino que contra las religiones, y compara a Jesús con Bob Marley y otros estandartes de la música, diciendo que Cristo era un verdadero punk de la época, siendo que iba contra todas las reglas. En el tiempo que pasó esto, nunca hubo un acercamiento entre los antiguos integrantes de Sepultura.

Etapa del "Chaos A. D.", el disco que les abriría las puertas del mainstream.

Así fue como, mientras Max construía su éxito con esfuerzo y trabajo, y Sepultura caía cada vez más bajo en el pozo de la mediocridad con discos cada vez más malos, Igor (hermano de Max y baterista de Sepultura) choquea con una noticia: Decide renunciar y alejarse de Sepultura por diferencias irreconciliables con la banda, motivo similar por el que se fue Max. Al parecer la sangre pudo más e Igor explica que su salida es porque ya no encuentra motivante tocar en una banda donde los integrantes lo hacen para ganar plata derechamente y no para dejar una huella en el mundo de la música. Esto molesta al resto de los integrantes, que ni siquiera le piden que recapacite sobre su decisión. Así es como, sin que nadie supiera, Igor comienza a contactarse secretamente con su hermano Max. Se reúnen y conversan sobre lo sucedido hace una década atrás, de lo que pudieron haber experimentado y de las experiencias que vivió cada uno por separado.

Una de las primeras imágenes de Soulfy. Aquí vemos la primera formación de la banda. Max Cavalera ya había renunciado a Sepultura, con quiénes, hasta el día de hoy y exceptuando a su hermano Igor, jamás ha vuelto a tener contacto.

De esta manera, no pasa ni un mes y ambos deciden volver a tocar juntos, armar una banda y rememorar los viejos tiempos. Max deja botada las grabaciones del sexto disco de Soulfly para comenzar a componer rápidamente los temas para la nueva banda. La noticia comienza como un rumor, y cuando finalmente los hermanos confirman estar juntos para tocar nuevamente, las expectativas comienzan a elevarse a niveles altísimos. Todo el mundo espera (e imaginan) como será el nuevo sonido de los Cavalera. ¿Será como el Sepultura de los ochenta, aquel duro y satánico?... ¿Será como el Sepultura de los noventa, aquel industrial y más comercial?... ¿Será como una mezcla entre el Sepultura sin Max y Soulfly, o sea, con un sonido más aggrometal con pequeñas pinceladas Hardcore?.... Bueno, el disco salió, lo compré, lo escuché y recién ahora podré comentar sobre el asunto en cuestión.

Formación de Sepultura sin Max, con la cual Sepultura comenzó a declinar.

Mientras que esta formación de Soulfly comenzó a empinar.

El primer disco de Cavalera Conspiracy (del mismo nombre) es una bomba. Comienza acelerado y de ahí no para hasta que termina el disco. El sonido parece ser más básico que todo lo creado anteriormente por ambos. Yo creo que se debe a la rapidez con la que crearon los temas y los grabaron. Además que se nota que Max e Igor lo están pasando bien, así que para qué apurar las cosas y crear temas tan existencialistas que buscan un lugar en la historia de la música. Obviamente, cada tema tiene un punteo (y los medios punteos… o sea, quedai vuelto loco), pero pareciera que los temas son menos elaborados. Esto convierte a Cavalera Conspiracy en una banda de sonido más Hardcore metal que metal más puro, ya que los temas son pesaditos, pero no saturados, como sí lo son por ejemplo los de Morbid Angel o Six Feet Under. El sonido recuerda un poco el “Arise” y las letras son cercanas al “Chaos A. D.”, porque habla de las guerras en Medio Oriente (clara alusión a la invasión de Estados Unidos a Irak), habla del pensamiento de los soldados a la hora de matar, habla sobre la necesidad de la violencia, habla de drogas, caos, descontrol y todas esas “cosas bonitas” a las que siempre nos tenía acostumbrado Max. Pasar de letras espirituales en Soulfly, a letras más pesimistas y apocalípticas en Cavalera Conspiracy, hace que me recuerde el Max de la época del “Arise” y “Chaos A. D.”, a pesar de que algo de eso había en “Dark Ages”, el último disco que Max alcanzó a hacer con Soulfly.

Una de las últimas formaciones de Soulfly, período en el cual Sepultura no renueva contrato con su sello y cae cada vez más bajo.

En la banda Max Cavalera sigue haciendo lo que sabe hacer. Su voz ya es característica y reconocible ya sea en Sepultura, Nailbomb, Soulfly o donde sea. A la guitarra le saca sonidos similares a una alarma, pero siempre en distintos tonos. Lo hizo en Sepultura y también en Soulfly. Y en este disco también lo hace, sobretodo en el tema Sanctuary. Y ese sonido de alarma que le saca a la guitarra siempre denota caos, desorden, como que algo se ha salido de control (como “Chaos A. D.”). Y esta percepción de alarma va acompañada de letras desalentadoras y desesperanzadoras. Sus letras llaman a no creer en la sociedad, en el sistema, en los emos (en clara alusión a la moda que todos conocemos), en los enemigos, etc. Y la persona que se autodenominaba profeta en los discos de Soulfly (a veces terrorista, pero sólo al principio), ahora se denomina como el salvador de la humanidad, al decir en una letra que es la cura al fuego del Apocalipsis. Este Max le gusta sentirse poderoso al parecer.

Formación actual de Sepultura, sin Igor quién ya había renunciado a la banda para luego reconciliarse con su hermano y formar Cavalera Conspiracy.

Igor Cavalera vendría a ser el otro pilar de la banda. Me tinca, no se porqué, que el cincuenta por ciento de los temas debió haber pasado por el visto bueno de Igor. Creo que en más de alguna ocasión Max llegó con un tema y le dijo a Igor: “Hagamos esto”, e Igor le dijo: “Weon, esto no es Soulfly, hagámoslo a mi modo”. Porque se nota demasiado la influencia de Igor en algunos temas. Esto está bien, porque claro, la banda es de ambos, y también es un detalle entretenido, porque ahora Max no puede armar y deshacer como lo hacía en Soulfly. Hay temas del disco donde claramente Igor era el que mandaba en los tiempos, porque hay momentos en que la batería es amo y señor de algunos tracks. Y cómo se nota que la batería era una de los puntos bajos de Soulfly, sin desmerecer a Joe Nuñez que igual es seco, pero que se nota que es de conservatorio, en cambio Igor, que aprendió a tocar solo, tiene otro aire. Es un monstruo, y en este disco recupera la mística que tenía en la antigua Sepultura, mística que los transformó en uno de los mejores bateros, o mejor dicho, en uno de los bateros más chacales de todos los tiempos.

Primer disco de Cavalera Conspiracy... filete, filete.

El resto de los integrantes tampoco destiñen en la banda. Marc Rizzo (quién viene de acompañar a Max de Soulfly) hace lo suyo con las guitarra rítmicas y con los punteos, similares a los que se hacían en Sepultura, lo que me hace pensar que en el fondo los compone Max. Joe Duplantier acompaña en el bajo, pero la verdad la verdad, siendo bien sinceros, el bajo importa un carajo al lado de dos monstruos como lo son Max e Igor, y la guitarra principal de Rizzo, quién también tiene su historia. No olvidemos que por largo tiempo acompañó a Dave Mustaine en sus andanzas de Megadeth, y que luego, al retirarse y dedicarse sólo a la producción de discos y al descubrimiento de bandas, sólo volvió a tomar la guitarra para grabar y tocar en vivo sólo porque Max Cavalera se lo pidió en persona. Su primera aparición fue en el “Prophecy” de Soulfly, y de ahí no lo abandonó más.

Primeras imágenes de los hermanos Cavalera reconciliados.

La gráfica del disco la encuentro bastante buena, muy acorde a la banda. Trae imágenes y elementos que recuerdan el abuso de los soldados estadounidenses a prisioneros irakies en el prisión de Abu Ghraib. Si bien la temática de la gráfica no es muy agradable o muy bonita en sí, sí lo es estéticamente si es que el tema no lo tomamos muy en serio. El logo de la banda, si bien me costaba digerirlo en un principio, finalmente me terminó por convencer, lo que a la vez me hizo dar cuenta de que está de moda voltear una tipografía al momento de crear un isotipo. Cecilia Bolocco hizo lo mismo con su línea de ropa. Un ejemplo bastante estúpido que me permití hacer porque el blog es mío y hago lo que quiero en él… jajajaja…

Formación de Cavalera Conspiracy que graba el disco y que actualmente se encuentra de gira.

Hierba mala nunca muere... y esto está recién comenzando.

En resumen, Cavalera Conspiracy es una banda Hardcore metal que recuerda mucho al Sepultura del “Arise” y del “Chaos A. D.”. Si bien, tampoco le llega a los talones, también es verdad que están recién comenzando. Y sinceramente, después de este primer disco, ¿Alguien realmente va a querer que se vuelva a reunir Sepultura cuando la mente y el corazón que la hacía funcionar se encuentran juntos en Cavalera Conspiracy?. A mí, por lo menos, me importa un carajo que se reúna Sepultarro. Si ya era feliz con Soulfly, ahora al menos puedo decir que puedo morir tranquilo con Cavalera Conspiracy. Del uno al siete, al disco le pongo un seis. Y me quedo feliz pensando que esto está recién comenzando.

THE SPIRIT:

Hace poco comenzaron a difundirse por la “internerd”, imágenes de las grabaciones de la película “The Spirit”, basada en el cómic del mismo nombre, producida por Frank Miller, el mismo productor de “Sin City” y “300” (basadas en cómics de su autoría), además de ser guionista y dibujante en novelas gráficas como “The Return Of The Dark Night”, “Ronin”, y tantas otras que para qué citarlas si ya todos sabemos qué ha hecho y qué no. Y como seguramente la palabra “The Spirit” va a estar en boca de todos de aquí a un año más, quiero adelantarme a toda la fiebre que se aproxima y hablar un poco sobre este personaje, muy importante en la historia del noveno arte. Además que quiero adelantarme a todos esos periodistas o estudiosos que trabajan en diarios o medios especializados haciendo la misma weá que hago en este blog, a diferencia que a ellos les pagan por escribir artículos basados justamente en escritos como éste y en tantos otros blogs amigos.

Citaba en el párrafo anterior que la película de “The Spirit” está siendo producida por Frank Miller, un tipo muy respetado en Estados Unidos por sus trabajos como guionista y dibujante. Su estilo de dibujo se ha caracterizado en el último tiempo por ser muy oscuro y por jugar con los contrastes del blanco y negro de manera excepcional. Muchos lo han celebrado y más de algún premio especializado se ha llevado gracias a esto. Pero antes de Miller, hubo otra persona. Su mentor, su maestro, su gurú. Y no solo de Miller, si no que de muchos otros dioses del cómic como John Byrne, Todd McFarlane, etc. La persona a la que me refiero es Will Eisner, creador absoluto de su obra maestra: “The Spirit”.

Si Superman fue el personaje que inventó el género de los superhéroes y Batman aportó con la complejidad psicopática de sus enemigos, “The Spirit” fue el que le dio el espíritu al cómic. Para que se hagan una idea de lo importante que es este personaje en la historia del cómic, Will Eisner inspiró a muchas generaciones a que tomaran un papel ya fuera para dibujar o para escribir, llegando a ser catalogado el Orson Well de los cómics. Eisner fue un genio, un maestro, un tipo sin ningún tipo de comparación y referencia. Un creador y artista de tomo y lomo. En resumen: UN DIOS DE LOS DIOSES. Los cómics que él creó en “The Spirit” se caracterizaron por recursos nunca antes aplicados en el cómic, como por ejemplo la utilización de ángulos muy extraños, la aplicación y contrastes de la luz en viñetas de manera sublime, creación de viñetas sin cuadros e incluso, sin diálogos, algo impensado para la época, en un medio que se caracterizaba sólo por la utilización de planos medios y dibujos estáticos. Estamos hablando de 1940, año en que fue creado este personaje. Si bien los capítulos eran de pocas páginas (que se hacen muy pocas al leerlas), sus historias muchas veces eran contadas como si se tratara de un poema o de una hermosa canción.

La historia de “The Spirit” es la siguiente: Danny Colt era un policía muy responsable y muy dedicado a su trabajo. Por esas cosas del destino, y luego de una persecución para arrestar al Dr. Cobra (quién quería destruir Central City con una letal poción), la muerte le alcanza y se lo lleva, permitiendo que el cuerpo de policía de Central City tenga que dejar de contar con uno de sus policías en sus filas. Sin embargo, esta poción le permite Colt vencer a la muerte, resucitando como quién fuera Jesús en el tercer día. Vuelve de la muerte para luchar contra el crimen. Pero lamentablemente no puede seguir usando su nombre, porque claro, Danny Colt está oficialmente muerto. Entonces decide ponerse un antifaz (para que nadie sepa que es Danny Colt, porque se supone que está muerto) y un elegante traje de dos piezas para luchar contra el crimen como “The Spirit”, un espíritu sin nombre y sin pasado. Este detalle es muy importante porque, a diferencias de otros personajes de la época como Flash o Batman, The Spirit no tiene doble identidad. Es Spirit todo el rato, porque su alter ego está muerto.

A su lado tiene a un incansable compañero de aventuras: Ebony. Un niño (en realidad nunca supe si era un niño o un adulto inmaduro) de raza negra que cumplía con todos los requisitos que debía tener un negro de la época: Lenguaje chistoso, medio tropical, servicial y humorístico. Una caricaturización del afro americano, heredado de una larga tradición esclavista y racista que existe aún en estos tiempos en Estados Unidos, sobretodo en el sur. Ambos luchaban contra el crimen y ayudaban de paso al Comisario de la policía, el Comisario Dolan (algo así como el Comisario Gordon, pero más chistoso). Un jefe de policía que muchas veces creía imposible llevar a cabo un plan, siendo que finalmente era The Spirit quién lo ejecutaba por él, queriendo llevarse siempre los créditos. La hija del comisario Dolan, Ellen Dolan, era su amada novia. Muchas veces The Spirit luchaba para rescatarla de algún villano de turno o para salvarla de algún enamorado. Ellen es una mujer muy celosa, ya que Spirit siempre era tentado por muchas mujeres. Esto provocaba que ella inventara muchas veces que era raptada o que era merodeada por algún galán, justamente para provocar celos en The Spirit y para que luchara por su amor. Estos cuatro personajes son la base del cómic. De aquí se van desglosando muchos más, aportando cada uno con su cuota de humor a este cómic que comenzó en 1940 y que terminó en la década del cincuenta.

Will Eisner (quién nació en 1917) aparte de trabajar en The Spirit, también trabajó en diversas novelas gráficas como “Contrato Con Dios” (1978), “El Soñador” (1986) y “Viaje al Corazón de la Tormenta” (1991), entre otras, que lo catapultaron al estrellato comiquero. También fue profesor de arte y trabajó para el Ejército de Estados Unidos, haciendo historias didácticas sobre el uso de las armas y su mantención, además de historias de entretención para que los soldados se distrajeran en el frente de batalla. Fue muy amigo de Bob Kane, uno de los creadores de Batman, con quién además fue compañero de Universidad. Sin embargo, a pesar de que algunos digan que “The Spirit” vendría a ser el primo lejano de Batman (dado justamente por la cercanía entre ambos y por su estética oscura), claramente Will Eisner era mejor dibujante que Kane y le daba a sus personajes una profundidad que en Batman recién se llegaría a ver muchas décadas más tarde. De hecho, tan importante es Will Eisner para el cómic, que en Estados Unidos todos los años se reparte un premio para los más sobresalientes del noveno arte (algo así como el Oscar de los cómics) premio que lleva su nombre y que alguna vez alcanzó a entregar en persona, antes de su fallecimiento el 3 de Enero de 2005.

MIRAGEMAN.
(o la esperanza del cine chileno):

Mirageman es un ejemplo del cambio generacional que vive nuestra sociedad. Su director, Ernesto Díaz, no debe tener más de 26 o 27 años. Esto demuestra que la generación que actualmente tiene entre 23 a 28 años, somos los llamados a controlar la sociedad de aquí a 6 o 7 años más. Nosotros, los que comenzamos recién a insertarnos en una realidad nacional, los que estamos recién comenzando a sembrar para cosechar a futuro. Los que hicimos de nuestros hobbies nuestra profesión, los que hicimos del lenguaje del cómic y del cine un lenguaje que nos da de comer, los que estamos metidos de alguna manera en el mundo de las empresas, del diseño y la publicidad. La sociedad, tarde o temprano, terminará descansando en nuestras manos y en nuestras decisiones. Tendremos la responsabilidad de influir en ella y de manejarla a nuestro antojo. Somos los llamados a cambiar la sociedad o a renovarla de alguna manera. Es natural, tarde o temprano las cosas terminarán por caer por su propio peso. Somos los hijos de los que vivieron en dictadura. Somos los que entendemos que la discusión del SI o del NO, la verdad, no nos interesa. Los que creamos el Wii, los Facebooks, los “Canal Copanos”, los insides de Cristal y Escudo Somos los que entendemos que el cine chileno, siendo reflexivo y de discurso como lo ha sido hasta ahora, es una lata. Que pretendiendo ser “cine arte” para parecer intelectual, o “poblacional” para mostrar nuestra realidad no va a llegar a ningún lado. Somos los que entendemos que para que el cine chileno surja, debe ser comercial. Que debe apostar por productos que incentive a la gente a ir al cine a distraerse y no a asustarse con la mala calidad del cine nacional. Somos los que producimos para el cine los “Promedio Rojo”, los “Sangre Eterna”, los “31 Minutos” y… los “Mirageman”.

Ernesto Díaz, el director de “Mirageman” (y salido del DuocUC… bendito seas, yeah, sure) entiende que para ganar lucas en el cine chileno hay que ofrecer un producto atractivo, no tan grave y entretenido. Mirageman cumple con esos tres requisitos. Es una película que a ratos te hace reír a carcajadas, pero en otras te deja muy serio y reflexivo. Y es así porque Díaz aprendió la lección con “Kiltro”, una película que le fue mal en taquilla y crítica justamente porque se tomó su papel muy en serio. En cambio Mirageman es más relajada, lo que hace que el espectador se relaje y termine por digerir todo lo que ofrece el film.

“Mirageman” fue creado por su director, Ernesto Díaz, y por su protagonista, Marko Zaror. Ambos se conocieron en Los Ángeles, Estados Unidos, cuando Díaz fue a probar suerte dirigiendo cortometrajes y fue recibido en la casa que arrendaba Zaror, quién también se encontraba probando suerte en esas tierras trabajando como doble en películas de acción llegando incluso a ser el doble de The Rock (esto fue confirmado por CQC cuando en un capítulo le llevaron la foto de Zaror a The Rock en el estreno de una de sus estrepitosas películas y éste lo reconoció de inmediato e incluso le mandó saludos por cámara). Pero como a ambos no le fue muy bien decidieron volver a Chile y practicar lo aprendido en USA. Lo primero fue justamente el mencionado “Kiltro”. Película de artes marciales que no fue muy entendida en Chile y que por lo mismo le fue más o menos no más. De hecho, recién hoy están entrando lucas pero por conceptos de ventas de DVDs en Japón y USA. Y como buenos perseverantes que son, no se quedaron ahí y decidieron crear a este personaje criollo llamado Mirageman, con el que creo que le pegaron el palo al gato porque de esta franquicia puede salir una serie, cómic, juguetes, etc.

Según yo, esta película se divide en dos partes. La primera parte es la entretenida, la simpática. Donde Mirageman quiere hacerse un nombre pero los medios de comunicación lo agarran pal palanqueo. Por lo tanto, el lenguaje audiovisual es absurdo y muy chistoso. Lleno de conceptos sacados de las seriales de superhéroes de los años 60 y 70´s como Batman o Wonder Woman. De hecho, el traje de Mirageman, y específicamente la máscara, es un homenaje a la serie de Spiderman de los años setenta. Y la chaqueta verde olivo es un homenaje a Travis Brickle, el taxista protagonista de “Taxi Driver”. De ahí el link de pelear por la justicia (Spiderman) y limpiar las calles de pedófilos (Taxi Driver). Pero la segunda parte es todo lo contrario. Es más oscura, densa e introspectiva. Aquí Mirageman aplica métodos muy extremos para que lo tomen en cuenta. Y vaya que lo logra. Podemos decir que en este tramo entran conceptos del cómic de finales del 80 y principios del 90. Aquí pasamos de un chistoso Spiderman al Return Of The Dark Night de Frank Miller o al Spawn de Todd MacFarlane.

La historia cuenta que Maco (Marko Zaror), mientras trotaba por la calle, es testigo de un asalto a una casa. Luego de reducir a los asaltantes y de salvar a una mujer de ser violada, decide concentrar toda su energía en tratar de ayudar a la gente y a combatir la delincuencia. Para esto se fabrica un traje y sale a golpear a cualquiera que hable flaite y que ande cogoteando por Paseo Ahumada. O sea, se transforma en Mirageman. Resulta que la mujer a quién salvó de ser violada es periodista. Carol Valdivieso es su nombre (Maria Elena Sweet), una mujer que es capaz de hacer cualquier cosa por tener rating y quién finalmente termina por transformarse en la verdadera villana de la película (buena idea, un golpe para todos aquellos que empezaban a pensar que esta periodista vendría a ser algo así como Lois Lane). Esto se suma al hecho de que Maco tiene un hermano menor que sufre problemas mentales por un trauma vivido hace tiempo atrás. En fin, digamos que estos hermanos tienen un pasado oscuro que mejor dejo que lo averigüen ustedes cuando vean la película. El asunto es que este hermano menor es muy importante para la motivación de Mirageman.

Lo que me gustó de la historia es que Maco no esboza más de tres palabras en toda la película. Es decir, el tipo no habla. Es mudo. Se dedica sólo a pegar patadas. Y eso está bien. O sea, el tipo no actúa, seamos sinceros. Pero se luce haciendo lo que sabe hacer: coreografías y secuencias de artes marciales bastantes entretenidas y atractivas al ojo del espectador. Y lo increíble es que, a pesar de no hablar, este tipo igual te cautiva, porque como no habla, y más encima le pasan cosas malas todo el rato, tú como que dices: Puta el weon funao y más encima mas bueno que el yogurt. Jaja… Le pasan cosas de puro bueno que es no más. Y es increíble porque me imagino que si llegara a hablar, terminaría por matar toda la inocencia que irradia el personaje.


Tema aparte se merece Pseudo-Robin, un tipo que lo único que quiere es ser partner de Mirageman. El típico personaje secundario que al final termina por robarse la película.

Si tuviera que ponerle una nota del 1 al 7, yo le pongo un 7. O sea, no es una película que venga a cambiar los cánones del cine, pero considerando el mediocre nivel del cine chileno, yo creo (y espero) que Mirageman sea la base del futuro cine chileno, aquel que ofrezca muchas alternativas para todos los gustos y perfiles que componen nuestro país y que no se cierre en el típico cine de denuncia, cine arte o el cine ordinario que lo único que muestra son teta y poto. Y hay quiénes no queremos ver eso en pantalla. Hay quiénes esperamos ver cosas más creativas y originales. Cosas como Mirageman.

LAND OF DEAD

Muchos sabemos la importancia que ha tenido George Romero en el cine. De no haber sido por su deforme creatividad y por las bases que sentó en el cine de terror, el mainstream jamás hubiera tomado conceptos del género zombie. Si hemos visto y/o escuchado hablar de películas como Resident Evil o 28 Hours Later, ha sido exclusivamente porque hace 40 años atrás, el Sr. Romero se le ocurrió hacer una película llamada “Night Of Living Dead”, una Biblia para todos los cinéfilos y amantes del cine zombie y todas sus derivaciones (gore, suspense, snuff, etc.). Desde entonces, el Sr. Romero siempre ha coqueteado con el cine hollywoodense. Si bien nunca se ha declarado abiertamente contra el mainstream, siempre ha tratado de conservar en sus películas algunos detalles que las hacen ver indie o alternativas al resto. Esto habla de que a pesar de que sus películas sean distribuidas por Sony Pictures u otra empresa, de alguna manera, meter actores desconocidos habla de que aún quiere conservar una parte de su esencia underground que lo hizo de culto desde 1968.

Y a pesar de todos los años que han pasado y de todos los reconocimientos que se la ha hecho a Romero, este caballero (anciano casi a estas alturas), y al contrario de lo que uno piensa que puede hacer una eminencia como él, como por ejemplo retirarse y vivir de su fama, ha hecho todo lo contrario. Ha seguido dirigiendo y produciendo películas de género zombie. Es más, él ES el género zombie. El día que él muera, el género zombie se muere junto con él, porque no se ha dedicado sólo a seguir haciendo películas con más de lo mismo. Todo lo contrario. Ha propuesto qué es lo que va a pasar con los zombies a futuro. Ha teorizado sobre la evolución del zombie como género y como especie. Y esto sólo ha servido para que Romero marque la pauta sobre el cine de terror. Con esto queda demostrado que Romero está a años luz del resto y que su creatividad es, lejos, la más influyente e importante del cine de terror.

Un ejemplo de esto último se refleja en una de sus últimas películas llamada “Land Of Dead” (aprovechando que en Estados Unidos se va a estrenar pronto “Diary Of Dead”). El contexto en que se estrenó esta película es muy particular. El año fue el 2005. Curiosamente (y entre comillas), ese fue un año zombie. Muchas películas se estrenaron relacionadas con este género y de manera muy comercial nunca antes vista. Por primera vez, en un cine se podía ver en cartelera un zombie comiendo palomitas a la vez. Y así como las multitiendas se ponen de acuerdo para lanzar las temporadas de ropa, entiéndase Primavera/Verano – Otoño/Invierno, las compañías de cine también se pusieron de acuerdo para lanzar al mercado películas de zombies, para ver si así imponían la moda y aprovechaban de ganarse un par de lucas con el merchandising que las rodeaba.

Una de las películas que se estrenó ese año, recuerdo que fue “Dawn Of The Dead”, una excelente película (que recuerdo que la exhibí en un ciclo de cine zombie que realicé y donde la gente gritaba con las luces apagadas…. Uf!... manjar para los ojos) que curiosamente era un remake de una película de George Romero. Ahí veíamos a los zombies en un mall, haciendo un paralelo entre su torpe forma de actuar y nosotros. O sea, nosotros somos ellos cuando vamos al mall. Somos unos zombies mirando liquidaciones y comprando comida rápida. Creo que al año siguiente se estrena “Shawn Of The Dead”, otra película británica excelentee, parodiando al género zombie, y no creo que me equivoque si digo que el año anterior o ese mismo se estrenó alguna de Resident Evil.

El asunto es que, entre tanta película zombie que se estrenó ese año, como era posible que no apareciera el Papá, pue. Ese año, el Sr. Romero estrena una película que dio un paso más adelante que todas las otras que se estrenaron , donde queda demostrado que el género zombie no avanza si Romero no estrena una nueva película. Romero estrena su película “Land Of The Dead”, donde nos muestra que su vejez le da más sabiduría, debido al pedazo de película que se manda. Y está bien, hay muchos que no la han visto completa porque la encuentran lenta y fome. Pero vamos… los que apreciamos a Romero les decimos: No esperen tanta acción y sangre en sus películas. Para eso vean cine gore. Lo importante en Romero es el valor intelectual que entrega. Sus películas son lentas pero seguras. No para un consumidor de pop corn, si no que aptas para personas que siempre guardan un libro o un cómic bajo la almohada. Personas más analíticas… Más introvertidas.

“Land Of The Dead” está ambientada muchos años después de sus otras películas. En ella vemos que los humanos han perdido la esperanza de ganar su guerra contra los zombies. El virus se ha expandido tanto, que se podría decir que en el mundo hay más zombies que humanos normales. Y es por esto que los humanos han tenido que atrincherarse. Viven en colonias resguardadas por soldados quienes vigilan que los zombies no se acerquen a esas colonias. Y dentro de estas colonias existen desigualdades enormes entre ricos y pobres. La clase más adinerada viven en los núcleos de estas colonias, en enormes edificios obviamente más seguros por vivir en el centro, alejados de todo mal. Sin embargo, la clase baja vive en los alrededores, buscando comida en la basura o cazando zombies para cambiarlos por armas y alcohol. De alguna manera, esta película es una abierta crítica al gobierno de Estados Unidos y a su política exterior que llevaba en esos años. Porque tenemos a estas colonias (el mundo libre) y a los zombies (terroristas como irakies y afganos). Uno de los dueños de estas colonias es Kaufman (o sea, George Bush, incluso viste siempre de terno y tiene el pelo blanco peinado hacia el lado) interpretado por Dennis Hopper. Este tipo, por su situación económica y por sus influencias, decide todo lo que pasa en esa colonia (era que no, Don Bush). Riley, el protagonista (que en este caso sería el estadounidense promedio que clama por que no se pierda el genuino espíritu estadounidense), es un tipo tranquilo que de pronto se ve envuelto en una situación que lo pone contra Kaufman, el cabrón que manda en toda la colonia. Este tipo lo manda a la cárcel, pero luego le propone sacarlo si le ayuda a encontrar a un tipo que le robó un prototipo de arma muy avanzada. Él sale en su búsqueda acompañado por Slick (interpretada por una exquisita Asia Argento, hija de adivinen quién po… aplíquense cinéfilos). En todo este entuerto reencuentran con los zombies (o sea, terroristas de Medio Oriente), quiénes, al estar tanto tiempo viviendo solos (o muriendo, no sé como será para ellos) comienzan a desarrollar un tipo de inteligencia bastante básica, pero que les sirve para comenzar a defenderse.

En otras palabras, los zombies evolucionan y se ponen inteligentes. Comienzan a crear estrategias de ataque contra los humanos y comienzan a desarrollar tipos de armas y a aprovechar elementos caseros como herramientas para matar humanos (oh!... Bin Laden, evolucionaste de la piedra a un avion con un millón de litros de gasolina). De esta manera, al matar humanos utilizando herramientas, su condición innata y natural de morder humanos deja de tener sentido, por lo que se vuelven más sofisticados. Comienzan a pensar y esto es lo más importante: ¡¡Entienden que alguna vez vivieron y tuvieron vidas tal como los humanos que ahora mismo atacan!!...

Esta película es importante para el género zombie, no por la calidad actoral (que es nulo) o por el impacto mediático (que no lo tuvo, dicho sea de paso). Es importante porque Romero se desmarca del resto y propone la idea de que los zombies evolucionan. Y claro, si es tan natural. Aunque el ser zombie está fuera de las leyes de la naturaleza. Y esto es lo que más se rescata. Que con esta película, Romero diga: “A ver… momentito. Están haciendo muchas películas de zombies pero que son todas iguales. Ya, tomen, ahí tienen algo para que piensen y copien en un par de años más”. Y así fue po. El año pasado se estrenó Residen Evil 3, donde salen unos pájaros zombies que evolucionan y piensan, haciendo estrategias de ataque igual que en Land Of Dead.

En general la película me gusta bastante. Pero en realidad porque sé que la hizo George Romero y porque cacho más menos de que tratan sus otras películas. Pero para una persona que no sabe mucho de esto, lo más seguro es que se aburra y no la vea, porque esta película es bastante lenta y hay que digerirla un poco.

Del uno al siete, le pongo un 6.0, esperando a ver qué pasa con “Diary Of Dead” que se estrena este año.

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CLOVERFIELD

Cine B a una escala nunca antes vista.

“Cloverfield” es una película redondita porque no promete mucho en su marketeo. Esto es un gran plus, porque de esta manera, la gente no se arma ningún tipo de expectativa al momento de ver la cinta, lo que trae como consecuencia que las personas no sepan con lo que se van a encontrar, por lo que la sorpresa puede ser mayúscula. “Cloverfield” es una película realizada en formato documental, que a todo esto puede llegar a ser fácilmente el documental con más recursos en la historia del cine. Es una mezcla perfecta entre “The Blair Witch Project” y “Godzilla”. Con “The Blair Witch Project” se parecen por los códigos y por la forma de narración. Ambas simulan ser películas caseras grabadas en primera persona, cuyos protagonistas son víctimas de las circunstancias, que terminan en una situación que jamás esperaron encontrarse. Con ”Godzilla” se parecen por la trama. En ambas podemos ver a New York siendo atacada por un monstruo gigante, que a la vez se trata de neutralizar con un feroz y nunca antes visto ataque del glorioso Ejercito estadounidense (Dios los bendiga por ser tan buenos hombres).

Lo mejor de esta película es que, a pesar de los efectos especiales y de la historia muy fantástica, los protagonistas no importan. Los actores no importan, el monstruo gigante no importa, las explicaciones no importan, en fin. Nada importa, porque por primera vez siento que las actuaciones y la historia poseen un valor mucho mayor que los efectos especiales o que las explicaciones de porqué esto o esto otro que en nada van a mitigar el suspenso. La película hubiese sido distinta si los protagonistas hubiesen sido Will Smith o Angelina Jolie. Y eso se agradece. Que los protagonistas sean personas comunes y corrientes, envueltas en una situación que termina por inquietarte. Al principio la película es bastante común, nada de lo que se muestra te sorprende. Pero después de la hora, la angustia comienza a abrazarte y al final te rindes y dices: OK… Estoy comenzando a sentir lo que sienten los protagonistas y estoy dispuesto a entregarme emocionalmente para cagarme de miedo y tener un paro cardíaco igual que los protagonistas.

Lo entretenido de la cinta es que simula ser documental, pero un documental con muchísimos recursos, ya que los efectos especiales utilizados aquí no son nada de despreciables. En este sentido encuentro que “Cloverfield” tiene un enorme y nada de despreciable parecido con “28 Weeks Later”, ya que en ambas vemos una ciudad en estado de sitio, controlada por el Ejército estadounidense, y en ambas vemos un plan por hacer desaparecer la ciudad completa, como una manera de sacrificar muchas vidas pero asegurándose que de esta manera pueden acabar con el mal mayor. La diferencia entre ambas es que en “28 Weeks Later” te preparan desde el principio para lo que va a pasar más adelante. En cambio en “Cloverfield” no te preparan para nada. Te encuentras con todo de golpe.

Para finalizar, este tipo de películas demuestra que la herida del 11 de Septiembre aún no sana para los gringos. Y el mainstream lo sabe y lo aprovecha. Y al igual que en “La Guerra De Los Mundos” de Steven Spielberg, en “Cloverfield” podemos muchos, pero muchísimos códigos y símbolos muy familiares que nos recuerdan la caída de las Torres Gemelas, como por ejemplo el polvo de cuando caen los edificios, la destrucción de símbolos de New York como el Empire State o la Estatua de la Libertad y los comentarios de la gente que al principio piensan que son víctimas de un atentado terrorista.

Porque no sabía con lo que me iba a encontrar, porque siento que la historia es más importante que los efectos especiales y porque siento que mi visita al cine fue más entretenida que en otras oportunidades (como cierto musical de un director medio dark que no quiero citar o cierta película animada de una familia de piel amarilla que tampoco quiero citar), a esta película le pongo un 6.7. Eso quiere decir, dinero bien gastado.

LA MÁS CRUEL DE LAS BROMAS...

HEATH LEDGER
(1979 - 2008)



YA ESTÁS EN NUESTROS ÑOÑOS CORAZONES....

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EL "ALIENS V/S. PREDATOR" QUE QUERIAMOS VER REALMENTE.




Se viene Aliens vs Predator 2... A ver si los productores toman esto como referencia....

EL CAZADOR DE AVENTURAS:

Cuando me preguntan cuál de los cómics trasandinos que he leído me ha gustado más, siempre contesto sin pensarlo dos veces: El Cazador de Aventuras (o también conocido como “El Caza”). Con esta respuesta no quiero decir que “El Caza” sea el mejor cómic argentino de la historia, no. Simplemente quiero decir que es uno de los que más me ha gustado. Obviamente ha habido cómics argentinos mucho más importantes y mucho mejores que “El Caza”. Por ejemplo, “Gilgamesh”, el hombre inmortal. O “Nippur de Lagash”, el solitario aventurero de otras tierras. O “Mi Novia Y Yo”, una excelente comedia, donde se muestra la relación entre un tipo, su novia y su suegro. Y para qué hablar de Mafalda, Patoruzito, etc, etc, etc.

Pero sin negar la importancia y la herencia de todos estos cómics, a mí me gusta “El Caza”, porque precisamente no entra en ninguna de estas categorías. “El Caza” es hijo de nuestra sociedad post-modernista. Es hijo de lo que nos muestran los medios de comunicación todos los días. Es hijo de los colapsos políticos y económicos de Argentina. Es hijo de la violencia, hijo de la ironía, de la irreverencia, del racismo, la xenofobia. Es hijo de la sociedad que heredamos de nuestros padres. Es hijo de todo lo malo que nos rodea. Y a pesar de que toda esta descripción que suena tan fuerte e impactante, el humor sin límites del Caza transforma todos estos conceptos en algo muy chistoso y muy empatico. De pronto te ríes del racismo que presenta el cómic. Te ríes de la desgracia ajena. Y aunque sabes que eso está mal, al final terminas por aceptarlo y te ríes junto al Caza de todo lo incorrecto.

Pero antes que El Caza representara todo lo malo y vil de la sociedad, en sus inicios el personaje poco y nada tenía que ver con El Caza que conocemos hoy. De hecho, el cómic se divide en cuatro etapas, donde podemos apreciar el desarrollo que va teniendo el cómic desde sus inicios hasta las últimas publicaciones que alcanzaron a ver la luz.

ETAPA 1 (1990 – 1991): En 1990, El Cazador ve la luz por primera vez. Creado por Jorge Pereira, quién se encargaba del guión y de los dibujos, El Cazador que nos presentan no tiene nada que ver con el que conocemos hoy. En un principio, el alter ego del Caza era Robert Howard, un científico de la NASA que después de una tragedia en la que muere su familia, se transforma en un superhéroe que lucha contra el mal. Su traje era similar al del Capitán América: tenía una estrella en la frente y el tipo de narración de los cómics tenía una clara influencia al cómic estadounidense que se hacía en esa época. Claramente Frank Miller y su obra “The Dark Night Returns” era una de las influencias más reconocibles en el cómic. Su primera aparición fue en un fanzine llamado “Arkham”, y luego comenzó a editarse en otras publicaciones como “Reo” y “Cómic Magazine”. Finalmente, el creador decide que era la oportunidad de sacar a la venta un cómic totalmente dedicado al personaje.

ETAPA 2 (1992 – 1994): Publicado por Ediciones La Urraca, en este período el Cazador comienza a tener los primeros cambios. La estrella que tenía en su frente desaparece, dando paso a una cruz invertida, un claro símbolo del satanismo. Comienza a verse que el personaje se adorna con medallas con forma de la Cruz de Hierro, símbolo máximo con el que condecoraban a los héroes de guerra nazis en la Segunda Guerra Mundial. Además, el cambio más fuerte es que el personaje ya no es Robert Howard, si no que de la noche a la mañana el personaje es argentino, lleno de modismos y acentos de ese país, sin que se explicara nada al respecto. Comienzan a introducirse los primeros conceptos que lo hacen conocido, como por ejemplo referencias al rock (de pronto las paredes se ven rayados con graffitis alusivos a bandas de rock de la época), referencias al cine B (comienzan a aparecer zombies en algunos números), referencias a la TV argentina (sale el Caza pegándole a personajes que tienen extraña similitud con Tinelli) y referencias al sexo, fútbol y al racismo (salen muros rayados con la esvástica nazi). Poco a poco el personaje comienza a ponerse irreverente, grosero y estúpido. Los cómics aún se mantienen en blanco y negro y la periodicidad es bien inestable. Esto no juega tanto en contra, porque los creadores se ríen de ellos mismos y siempre ponen bromas al respecto. Jorge comienza a hacerse acompañar de otros artistas como Ariel Olivetti, Claudio Ramírez y Mauro Cascioli. Finalmente la serie termina en 1994, pero al contrario de lo que uno podría pensar, la serie no concluye aquí.

ETAPA 3 (1995 – 1999): Y aquí comienza mi etapa favorita del Caza. Llega al máximo desarrollo (o decadencia, depende de cómo se le quiera mirar). En esta etapa el Cazador toca fondo, donde cada número se supera a sí mismo y donde nunca se podría llegar a pensar que el cómic llegara a tal nivel de decadencia. Lo más espectacular es la calidad del cómic, ya que comienza a editarse en papel couché y pintado digitalmente. Mientras la DC y la Marvel trataban de hacer lo mismo en Estados Unidos para contrarrestar a la avalancha que tenían como competencia llamada Image, en la misma época, en Argentina, existía un cómic que en calidad de edición estaba par a par con la Image, en incluso mejor. La edición era de lujo, y esto era un mérito para un cómic medianamente conocido, mientras que en Estados Unidos dos grandes como la DC y la Marvel se quebraban la cabeza tratando de aprender de la tecnología de aquélla época. En esta etapa, el Cazador sigue con su cruz invertida, pero ya no tiene ninguna causa por la cual luchar. El persona se va tornando en cada número más estúpido, llegando a un punto en que el personaje no piensa, sólo reacciona. Todo lo hace a través de golpes y claramente se ve que el personaje no piensa para nada. En esta etapa todo está patas pa´rriba, porque todo se mezcla. Ahora las bromas son sin piedad y nadie se salva: Políticos, superhéroes, futbolistas, en fin, todo el mundo es víctima de la irreverencia del cómic. A Maradona se le muestra como un drogadicto cuyas hijas, que no superan los 6 años, salen tomando ron y jalando coca. A Walt Disney se le muestra como un zombie que revive de su criogenización para matar y comer niños. A Menem lo muestran como un inútil completo. De hecho, varios números fueron censurados en su época, llegando a tal punto que a veces los propios editores decidían ponerles una bolsita que decía censurado y advertía que el cómic era para mayores de 18 años. Los dibujos dejan de ser realistas y cada vez son más caricaturizados. El personaje en cada número se va volviendo más torpe y con esto van aumentando las ventas del cómic, llegando a personas que no eran usuales lectores de cómics. Al final de la serie, El Caza ya no se trata de nada, simplemente se trata de reírse de la TV y la farándula trasandina. Y de aquí sale la pregunta típica: Las ventas aumentaron cuando el cómic se volvió estúpido. Esto quiere decir que ¿La gente rescata lo decadente del cómic? ¿O sea que no existe una apreciación o valorización real del Noveno Arte en las personas?. Finalmente la serie se desgasta y deja de editarse en 1999.

ETAPA 4 (2000 – 2001): La etapa más pobre del Caza. Volvió prometiendo novedades, pero la renovación no se nota por ningún lado. Es más de lo mismo y el personaje va cayendo más al fondo. Ahora comienzan a salir nuevos personajes presionados por la contingencia del momento: Bin Laden y Bush se repiten el plato en muchas páginas. La serie es derechamente FOME y se llega a la conclusión de que lo mejor del personaje ya pasó. Además la devaluación argentina hizo muy difícil la publicación del cómic. La serie se termina de editar sin pena ni gloria, para que finalmente los lectores nos quedemos con la mejor imagen del Caza, aquél la de un tipo irreverente y estúpido, pero a la vez con un discurso y una crítica inteligente a la sociedad argentina, y en general a la sociedad actual.

Que el Caza descanse en paz.

JAY & THE SILENT BOB STRIKE BACK:

Kevin Smith es un tipo que podría perfectamente entrar en la categoría de ñoño siguiendo la estirpe compuesta por otros de la misma rama como el español Alex De La Iglesia o el chileno Nicolás López. Es un tipo de ideas frescas pero a la vez frikies que de vez en cuando se hace conocido por su trabajo en el cine y en los cómics. De hecho, es un invitado recurrente a las numerosas convenciones de cómics o de cualquier cosa que se desarrolle en Estados Unidos y siempre es un tipo que tiene la última palabra en el circuito del noveno arte. El tipo es tan respetado y conocido en el ambiente de la komida chatarra que numerosas veces ha hecho cameos en películas pochocleras (como en la última película animada de las Tortugas Ninjas, donde hace una breve aparición en un café) o ha protagonizado documentales, como aquél donde sale entrevistando a Stan Lee como por una hora y media, donde ambos salen conversando de la Marvel y de sus personajes.

En el cine, Kevin Smith ha dirigido, escrito y producido películas de tinte seudo-ñoño debido a sus temáticas. Una de sus creaciones es una pareja de amigos que se conocen de muy pequeños llamados Jay y Silent Bob. De hecho, Kevin Smith actúa como Bob, un tipo de muy bajo perfil que no habla nada pero que sin embargo lo dice todo a través de sus gestos, respaldando en todo lo que dice su garabatero amigo Jay, un tipo delgado y alto que vende marihuana y que se dedica a traficar lo que sea. Ambos protagonizan una serie de películas que a la vez están relacionadas entre sí y que juntas componen un universo de personajes compuesto por vendedores de minimarket, dibujantes de cómics, lesbianas, drogadictos, traficantes, etc. En este caso me referiré a una de las películas que componen este bizarro pero simpático universo llamado “Jay & The Silent Bob Strike Back”.

La historia es básicamente la siguiente: Jay y Bob (los protagonistas) tiene un amigo en común que se dedica a escribir y dibujar cómics llamado Holden (personaje caracterizado en muchas películas por Ben Affleck, lo que le da una coherencia respetable a todas las cintas). Este tipo crea un cómic llamado “Bluntman & Chronic” inspirado justamente en Jay & Bob y que edita de manera independiente, junto con otro tipo llamado Banky, que es el hazmerreír de todo el mundo, porque es el entintador de estos cómics, y digo que es el hazmerreír porque todo el mundo lo molesta porque prácticamente su función es calcar los trazos de Holden, o sea, no tiene ninguna influencia creativa ni ningún control sobre los personajes, en otras palabras, le besa el culo a Holden… jajajaa. (esta relación se ve reflejada en la película “Persiguiendo a Amy”, otra película ambientada en el mismo universo pero protagonizada esta vez justamente por esta dupla que son Holden & Bunky).

La cosa es que un día, Jay & Bob se enteran, a través de Bunky, que el cómic Bluntman & Chronic, el mismo cómic inspirado en ellos, fue comprado por la Miramax (y la citan textual, lo que yo creo que es una especie de chiste interno que no entiendo) y que será filmada y comercializada en todo el mundo. Esto irrita a Jay & Bob, porque ambos quieren parte de las ganancias, mal que mal ellos inspiraron el cómic. Curiosamente, Bunky les dice que la persona que vendió los derechos del cómic fue Holden, el dibujante y guionista (y que curiosamente, sospeché desde el principio que lo dijo sólo para joder a Holden, ya que le gusta hacerle la vida imposible, como queda demostrado en “persiguiendo a Amy”), por lo que la pareja lo visita para aclarar lo que sucede. Sin embargo, Holden les dice que el verdadero gestor de todo es Bunky (era que no), por lo que al no tener una respuesta clara, Jay & Bob deciden viajar hasta Hollywood para exigir parte de su dinero de la película.

De esta manera comienzan un viaje… no, una ODISEA para llegar a Hollywood, ya que en el camino pasan muchas cosas hilarantes como por ejemplo, se ve un intento de sexo oral a una monja o Scobby Doo con Shagy fumando marihuana, o parodias y citas frkies a otras películas como Star Wars, El Fugitivo, El Planeta de los Simios, ET, Batman, etc, etc. En este viaje hacen cameos una cantidad nada de despreciable de actores, considerando que es una película de culto, como por ejemplo Ben Affleck (que sale haciendo doble papel, uno como su personaje Holden y más adelante sale interpretándose a sí mismo como Ben Affleck), Matt Damon, Will Ferrel (The Anchorman), Carrie Fisher (Princesa Leia en Star Wars), Mark Hamill (Luke Skywalker, también de Star Wars), Chris Rock (Letal Weapon 4), Sean William Scott (Dukes Of Hazzard), Jason Biggs (American Pie), James Van Der Beek (Dawson´s Creeks), e incluso salen directores haciendo cameos como por ejemplo Wes Craven (un director de películas de terror) y Gus Van Sant (el principal exponente de que la generación Y sea alcohólica, violenta y sin rumbo).

La película es muy entretenida, hace reír, pero sólo es recomendable para ñoños, por que está inundada de datos frikies que no todo el mundo entendería, además que los personajes son el tipo de amigos con los que sales los fines de semanas pero que jamás dejaría que tus padres conocieran porque si no se espantan y les da un soponcio… jajajaa, ya que son muy estúpidos y subidos de tono. En general está muy bien dirigida, es ágil y no aburre para nada. De hecho, es tan ágil que a veces llega a marear.

Del uno al siete le pongo un siete… Pero sólo recomendable para aquellos que hacen de la cultura pop su estilo de vida.

LA NOTICIA ÑOÑA DEL DÍA:

¿Quién me explica esto?.