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RECUENTO ZOBAKO CÓMICS

2011-12-10T21:47:00.001-08:00

2009-05-18T22:06:00.000-07:00

BATMAN: THE ANIMATED SERIES
el antes y el después...

Somos muchos los que pensamos que la serie ideada por Bruce Timm (un nombre curiosamente cercano a otros nombres importantes para el encapotado, como "Bruce" Wayne, "Tim" Drake o "Tim" Burton) es, quizás, la mejor serie animada de Batman creada hasta la fecha. Si bien se creó aprovechando el revuelo provocado por las películas de Burton, la serie termina tomando conceptos del cómic para luego desarrollarlos y evolucionarlos, llegando a crear su propio universo DC con la llegada de otras series como Superman o las distintas versiones de la Justice League.

Pero antes de que pasara todo esto, alguien tenía que aprobar presupuestos para que la cosa saliera rentable. Y antes de aprobar presupuestos, alguien tenía que hacer un piloto para que los ejecutivos se hicieran una idea de qué es lo que se iba a financiar.

Señor@s: Los dejo con el piloto que dió el vamos a todo el fenómeno que siguió después. El piloto original, del cual la forma cambiaría muchísimo a la que conocimos y con la que crecimos, pero el fondo es el mismo. De hecho, se cuenta la misma historia pero de otra forma. En el piloto vemos a Batman evadiendo balas, pero en la intro definitiva sólo lo vemos evadiendo puños para reforzar la idea de un ser sin superpoderes, con habilidades absolutamente humanas. Para qué hablar del detalle del primer plano en la cara.

Los invito a buscar las siete diferencias...

PILOTO ORIGINAL

OPENING DEFINITIVA:

2009-05-12T12:47:00.000-07:00

MOYMOY PALABOY
(o la destrucción de toda cordura en nuestra humanidad):

"Moymoy Palaboy" es un dueto de Filipinas que comenzaron a grabarse con una webcam simulando canciones de lo que fuera. A partir de entonces, comenzaron a subir videos a Youtube y llegaron a tal nivel de masificación que acaban de firmar con la Sony para grabar un disco, salir de gira auspiciados por MTV y si fuera poco tienen su propio programa de TV donde hacen lo que saben hacer... gestos y morisquetas.
¿Preparados para cambiar sus vidas?

MAS INFO EN www.moymoypalaboyproductions.com

2009-04-21T09:31:00.000-07:00

HIGH FIDELITY:

(porque los ñoños también tienen corazón)

Cuando un libro o una novela es adaptada al cine, siempre ocurre que no todo el mundo queda conforme con el trabajo final. Eso ocurre sobretodo con los lectores y seguidores que llevaron a aquel libro al top one de los best sellers. Pero algo pasa con la corriente snob de la literatura postmodernista que hace que sus adaptaciones cinematográficas siempre sean muy aplaudidas, incluso llegando a ser objetos de culto, como es el caso de “Fight Club”, “Trainspotting”, “Clockwork Orange” y la película que nos referiremos en esta ocasión: “High Fidelity”. Puede que esto se explique porque estas novelas están llenas de citas y referencias a la cultura pop, ya que los personajes siempre hablan sobre gustos musicales o cinematográficas, citan a intelectuales contemporáneos o bien tienen empleos “cool” que a casi todo el mundo le gustaría tener, elementos que muchas veces reflejan un poco los gustos de los autores de estas novelas, dejando en claro que el aporte a la construcción de los personajes pasa a un segundo plano.

Los temas que tratan son muy contemporáneos y rara vez expuesto en los medios de comunicación, a no ser que lo hagan como protagonistas de las crónicas policiales o en artículos con motivo de debate entre sociólogos y expertos (o sea, nada de interés popular), como es el caso de “Trainspotting” que tocaba el tema de la drogadicción en jóvenes escoceses que renegaban de la cultura inglesa (pero que aún así escuchaban David Bowie o Lou Reed. Contradicciones de la vida diaria), o en el caso de “Fight Club” que toca el tema de la violencia aparentemente motivada por una disconformidad con el sistema (cuando en realidad todo era motivado por la locura de su protagonista... creo que se me salió un spoiler. Lo siento por los que no vieron la peli). Además, son novelas que no poseen una estructura rígida, por lo mismo que comentaba recién (el contenido), por lo que los directores pueden llegar a tener una libertad casi infinita para llegar a realizar las adaptaciones al cine. De hecho, las películas citadas (más otras que andan dando vueltas por ahí) llegaron a marcar un antes y un después, incluso instalando tendencias en el lenguaje audiovisual tanto en el cine como en la televisión. Pasó en el caso de “Orange Clockwork” (o “Naranja Mecánica”, como prefieran algunos) donde Stanley Kubrick realizó una película sublime, incomprendida en su época, llegando a ser motivo de análisis en la actualidad. También pasó con la estructura en el desarrollo de “Fight Club” y con la estética brit pop de “Trainspotting” llegando a ser descaradamente copiada en una de las peores y más desapercibidas películas chilenas que haya pasado por un cine: la insufrible “Mala Leche”.

“High Fidelity” es una película dirigida por Stephen Frears y realizada en el 2000, pero ambientada a mediados de los noventa, cuando el vinilo estaba en retirada (pero sólo en la práctica masiva de escuchar música, porque en realidad siempre ha estado presente), el CD era un lujo y los cassettes eran el pan de cada día. En este contexto tenemos a Rob (John Cusack), dueño de una disqueria ubicada en el peor lugar de Chicago, donde muy poca gente transita y donde los ñoños de la música hacen un esfuerzo por llegar al lugar para encontrar las rarezas, los bootlegs o los sides-B que nunca encontrarán en disquerias multinacionales. Su novia de años, Laura (Iben Hjejle) lo abandona porque lo acusa de no sentar cabeza y de inmadurez. Es así como Rob entra en una etapa de luto amoroso, donde comienza a cuestionarse si realmente él es el problema en todas las relaciones que ha tenido, o bien han sido las circunstancias las que han marcado todas sus rupturas y decepciones. Y mientras Laura se va a vivir con un ex vecino llamado Ian (caracterizado por un excelente Tim Robbins, el mismo de “Rio Mistico”, donde comparte roles con un notable Sean Penn, y el mismo de “ Sueños de Fuga”, donde sale con un entonces recién aparecido Morgan Freeman), Rob se introduce en un viaje introspectivo consistente en ubicar a todas las ex novias que ha tenido para invitarlas a salir y poder lograr entender de esta manera si su problema lo ha ido arrastrando desde pequeño o bien sólo se ha dado en situaciones ajenas a su control. Un viaje bastante cuestionable, considerando que este tipo de cruzadas hacia el pasado no es más que el reflejo de alguna carencia afectiva provocado por alguna desilusión de antaño o actual, pero que refleja la dependencia de esta persona hacia el cariño, amor e incluso llegando al extremo de provocar en la pareja la misma dependencia de ésta persona hacia la otra, dando a entender que no importa la persona con la que estés, solo importa que alguien llene ese vacío en tu alma, por lo que quizás el amor hacia Laura se podría cuestionar perfectamente. En todo caso, en la película Rob está constantemente haciéndole entender a Laura que sin ella no puede vivir y que vuelva con él, por lo que seguramente sí podríamos darle una oportunidad a la posibilidad de que Rob realmente se siente enamorado.

En su disqueria, Rob tiene contratado a dos tipos: Dick (Todd Lousio, el mismo que trataba que le entendieran su jazz en “Jerry McGuire”) y Barry (un hilarante Jack Black, el mismo de “Tenacious D”). Ambos son unos verdaderos ñoños de tomo y lomo que, a pesar de haber sido contratados sólo por tres días en la semana, van TODOS los días sólo porque no tienen vida y no tienen en que invertir su tiempo el resto de la semana. Los diálogos que tienen en la películas son sencillamente geniales, muy entretenidos, porque constantemente están hablando de música, de trivias y datos inútiles que a nadie le interesa, sólo para competir y demostrar quién es realmente el más ñoño de la tienda. Personalmente, considero que esta dupla sigue esa eterna tradición en el cine cuando los personajes secundarios se llevan todos los aplausos. Pasa en esta cinta, ya que esta dupla se roba la película y matiza el romanticismo presente en la historia de los protagonistas, aportando mucho humor (y del muy estúpido) y lo más importante, datos y trivias que sólo los ñoños podrían apreciar.

Un leitmotiv que constantemente vemos en esta película es la costumbre de Rob de crear un listado de las cinco mejores o peores cosas. De hecho, la película comienza cuando Rob recuerda sus cinco peores desilusiones amorosas, y así en el transcurso de la película vemos listados de los cinco mejores empleos, los cinco mejores discos para escuchar en un día Lunes, los cinco mejores clásicos, los cinco mejores temas número 1 que salen en los lados A de los discos, y así sucesivamente, lo que refleja una vez más el tema de la carencia y de cómo, en estos listados de los top 5, proyectan los empleos y la vida que quieren llevar y que no pueden tener como una forma de llenar los vacíos que tienen en sus vidas. De hecho, Rob llega a crear una disquera independiente llamada “Top 5 Records”.

“High Fidelity” es una película hecha en familia, ya que muchos de los actores se conocían desde hace años, e incluso hasta el día de hoy siguen compartiendo roles en series y películas. Joan Cusack (que hace el papel de Liz, la neutral amiga de Rob y Laura) salió en la cómica y también rockera “Scholl Of Rock”, compartiendo roles con Jack Black, quién a su vez tenía una banda con John Cusack cuando eran jóvenes, un John cuyo apellido es igual a la de Joan, casi haciéndonos suponer que algún lazo de familia deben tener entre ambos. También tenemos a Tim Robbins, quién también tenía un lazo con Jack Black, llegando incluso a hacer un cameo en “Tenacious D”, haciendo el papel del indigente cojo que le daba el mapa a Jack para que entrara al Museo del Rock a robar la uñeta del destino (o la “pick of destiny”).

En general la película es entretenida, lleno de trivias ñoñas y con una historia de amor (o de tortura, depende de como quieran llamarle) bastante amena pero a la vez trágica. Dicen las malas lenguas que se viene la segunda parte, ahora que todos estos actores están más famosos y facturan más lucas. Del uno al siete le pongo un 6,5. Y ahora a escuchar un buen vinilo...

2009-03-09T11:18:00.000-07:00

BATMAN: YEAR ONE.

Personalmente, considero que la mitología actual que posee el Señor de la Noche, la de un personaje oscuro y reprimido, con una psicología compleja que busca librarse de sus culpas golpeando traficantes y psicopatas con una máscara con orejas de murciélago y con la cual se basaran Tim Burton y Christopher Nolan en sus adaptaciones cinematográficas, se apoya en cinco obras fundamentales: “Return Of The Dark Knight” de Frank Miller, “The Long Halloween” de Jeph Loeb y Tim Sale, “The Killing Joke” de Alan Moore y Brian Bolland, “The Arkham Asylum” de Grant Morrison, y “Batman: Year One”, de Frank Miller y David Mazzucchelli, esta última quizás la más importante de las cinco mencionadas, ya que en ella se explica el origen de Batman y las causas que lo motivan a salir de noche vestido como roedor con alas.

Corría el año 1987. El universo DC estaba sujeto a lo publicado dos años antes en “Crisis In The Infinite Earth”, una serie que destruyó la antigua continuidad para dar paso a otra nueva, donde a los personajes se les ambientaba en nuestros tiempos y donde se replanteaba el origen de todos ellos. Las series comenzaban de nuevo y los orígenes y las génesis se explicaban una vez más. Es en este contexto donde Frank Miller y David Mazzucchelli fueron escogidos no sólo para explicar el origen de Batman, sino que también para narrar los primeros encuentros entre el encapotado y el Teniente Gordon (aún no era Comisionado), el origen de Catwoman y las primeras apariciones de Bruce Wayne actuando como un excéntrico filántropo playboy para así desviar la atención y para que de esta manera nadie sospechara que en realidad él era Batman.

La historia se sitúa en una Gotham City oscura, fría y desesperanzadora. La policía está tan corrupta como los medios de comunicación y todo gira en torno al dinero: la mafia organiza fiestas donde es común ver asistiendo al alcalde de la ciudad, a altas autoridades y miembros de la policía. A esta ciudad llegan por separados dos personas distintas pero con un mismo fín: Bruce Wayne regresa de sus viajes a través del mundo aprendiendo técnicas para combatir el mal, y James Gordon, un teniente que es asignado a la policía de Gotham City justamente para combatir también el mal. Claro que uno lo hará a cara descubierta (en el caso de Gordon) y otro lo intentará con métodos pocos convencionales para que no le identifiquen (en el caso de Wayne). El camino de ambos comienza a cruzarse cuando Gordon, al darse cuenta de lo corrupta que están las raíces de la ciudad, no cede ante las presiones de sus superiores de aceptar coimas o de tapar las corrupciones de sus compañeros. A raíz de esto comienza a ser amenazado por sus propios compañeros policías en conjunto con la mafia. Los mismos tipos que comienzan a ser acechados por un extraño vigilante nocturno disfrazado de murciélago: Batman. Ambos se dan cuenta que tienen un enemigo y una causa en común que es la de limpiar a Gotham City de la corrupción, y por lo mismo comienzan una alianza que perdurará por siempre.

El guión es de Frank Miller y se nota, porque a ratos la historia se transforma en un thriller policial digno de los géneros del cine de la década del ´40, con persecuciones en automóviles, diálogos en primera persona y una violencia elegante y sofisticada pero a la vez muy sangrienta y masoquista, concepto que además Miller aplicaría más tarde en su obra “Sin City” y con la cual tendría tanto éxito que llegaría a hacer una película sobre ella. Los dibujos de Mazzucchelli son excelentes debido a que los rasgos de los personajes son muy reales y además porque no exagera los atributos de los superhéroes: A Batman no lo dibuja con grandes músculos y con una tecnología espectacular. Lo hace más bien un poco debilucho, sin tanto músculo para darnos a entender que el traje de Batman es de tela, lejos de lo que desarrollaría más tarde. Es decir, nos muestra a personas reales situadas en un contexto que pretende ser real, con personas que parecen ser normales y en una ciudad fría y triste que también aporta con lo suyo al pretender mostrar una experiencia lo más apegada a la realidad posible. Los colores de Richmond Lewis no se quedan atrás: Lo que manda son los tonos grises, fríos, como si pretendiera situarnos en una historia de otoño o invierno. La sangre nunca la colorea de color rojo, sino que utiliza tonos más oscuros, las armas también como si estuvieran oxidadas, la ciudad la colorea de tal manera que se ve una ciudad decadente y triste, lista para desaparecer y para nacer de nuevo. En resumen, un trabajo impecable que hace que te atrases en cada viñeta que lees para poder apreciar los dibujos y los colores en su máxima expresión.

En “Batman: Year One” se explica porqué Bruce Wayne escoge la imagen de un murciélago para construir su mitología, se explica el origen de Catwoman y la causa de su odio hacia Batman y también se explica la relación entre James Gordon y su esposa. La importancia de esta historia radica en que a partir de ésta se comenzarían a escribir todas las historias a futuro. De hecho, muchos códigos y conceptos de esta historia serían tomadas prestadas por Christopher Nolan para aplicarlas en “Batman Begins”, una película que, en lo personal, considero que es la adaptación cinematográfica más fiel al hombre murciélago ya que muestra a un Batman más apegado al cómic, mientras que el Batman de Tim Burton era más bien una adaptación a esas eternas historias de hadas madrinas a las que nos tiene acostumbrado Burton. A ese Batman lo podríamos reemplazar perfectamente por un Joven Manos de Tijeras o por un Jack Skellington. Es por esto que, para aquellos que recién comienzan en el mundo de los cómics y que aún no leen nada sobre Batman, “Year One” es un excelente libro para comenzar a conocer al encapotado nocturno.

2009-02-21T08:24:00.000-08:00

ZOMBIE STRIPPERS.

(Lo que Tarantino y Rodriguez no aplicaron en "Crepusculo al Amanecer").

Zombie Strippers reúne los ingredientes que toda película de mal gusto desea tener. Sangre a chorros por montón; zombies devorando cerebros, tripas y todo tipo de órganos humanos (incluyendo organos sexuales); mujeres desnudas acechando torpes hombres cabareteros y actores muy malos que sólo se ganan su sueldo por ser iconos del cine de culto o de autor como es el caso de dos personas muy conocidas que aparecen en esta película como un gancho para atraer espectadores: Robert Englund (actor que encarnó al ya clásico Freddy Krueger en todas las películas de la saga “A nightmare on Elm Street”) y Jenna Jameson (actriz “entre comillas” a quién conocemos en otra faceta: la de protagonizar películas porno o XXX, elevada al status de diva por el circuito en el que se mueve).

A pesar de contener elementos que toda película de cine B le gustaría poseer, le cuesta pasar la línea del mal gusto como sí lo hacen las películas de Lloyd Kaufman o las de John Waters (si la extrapolamos a otro género). Sin embargo, se las arregla de buena manera para salir airosa con una trama muy cercana a la comedia negra, donde el personaje Ian Essko (personificado por Englund) se parodia muchas veces imitando gestos o textos que muchas veces caracterizó con su personaje de Freddy Krueger. De igual forma Jenna Jameson también se parodia a través de su personaje donde quizás no la vemos en poses sexuales explícitas, pero sí la vemos bailando con el caño desnuda, lo que nos recuerda porque es tan conocida dentro de la industria porno.

La trama es bastante simple: un club nocturno administrado por Essko (Englund) recibe la accidentada visita de un soldado que arrancaba de un brote de zombies. Basta con que este soldado muerda a una de las bailarinas para que el virus que transforma a las personas en zombies comience a expanderse en este local, contagiando a las bailarinas quiénes ofrecen una extraña mezcla de sensualidad zombie al pretender bailar el caño con sus cuerpos cayéndose a pedazos o caminando torpemente como característica de todo muerto viviente.

En el fondo, "Zombie Strippers" es la pelicula B de "Crepusculo al Amanecer", de Tarantino y Rodriguez. En esta ocasión, la cantina la cambiaron por un cabaret, los vampiros lo cambiaron por zombies y a Salma Hayek la cambiaron por Jenna Jameson.

2008-05-25T13:08:00.000-07:00

THERE WILL BE BLOOD:

Ambientada entre los años 1890 y 1927, “There Will Be Blood” relata la historia de un multimillonario, de nombre David Playview, dueño de muchos pozos petrolíferos y fundador de una de las empresas de petróleo que más dinero ha amasado en la historia. Claro que su fortuna no apareció de la noche a la mañana. A fines del siglo XIX, la vida de este tipo era muy pobre y sacrificada, por lo tanto, muy lejos de la vida llena de lujos que le esperaría años más tarde. Por lo general se traslada de pueblo en pueblo con un par de palas y picas para hacer hoyos donde fuera, siempre con la esperanza de encontrar algún pozo que arrojara petróleo. Pero este tipo que se ve tan pobre, además de su espíritu emprendedor, tiene una cualidad que lo llevará lejos: La ambición. Y una ambición sin límites que lo llevará a cometer actos que no necesariamente colindan con la moral y las buenas costumbres.

Un hombre muy habilidoso en los negocios que lo llevaría a crear su propia empresa de extracción de petróleo y que le comenzaría a crear un nombre dentro del establishment de la época. Un día, a su oficina, llega un joven de nombre Paul, y luego de exigir una cita con Daniel Playview, le pide dinero a cambio de una información muy relevante para el promisorio empresario: En el sitio donde se ubicaba la casa de la familia de Paul había petróleo. Pero mucho petróleo. Seguramente movido por venganza producto de alguna rencilla familiar, Paul decide contar el secreto de su familia y luego de esto desaparece de la faz de la Tierra. Más tarde se sabría que con ese dinero, Paul invertiría en su propia empresa petrolífera y amasaría una fortuna nada despreciable. El asunto es que Daniel le paga el dinero por la información y se presenta en el fundo. Ahí conoce al hermano gemelo de Paul, Eli Sunday (no confundir con la Eli “rico buena onda”), un predicador fundador de una de las tantas Iglesia medias sectarias que hay en Estados Unidos, y de alguna manera, también con una leve ambición de poder, al igual que David, ya que el ser predicador mueve a una masa más o menos importante de fieles y creyentes que le rinde pleitesías y que acata todo lo que dice.

La relación que se da entre David y Eli es una relación muy farsante al comienzo que luego se torna en un odio explícito y sin control. Al principio ambos se ofrecen elogios y se saludan muy amenamente, pero en el fondo ninguno le compra la pescada al otro. David, a estas alturas un viejo empresario de experiencia, un viejo zorro al que no le pasan gato por liebre, ve en Eli un predicador falso, un chanta, un mentiroso que engaña a la gente con una falsa religión y que se disfraza de un joven amable, educado y de buenas intenciones. Lamentablemente, David se tiene que relacionar con Eli porque él es la máxima autoridad del pueblo y si David quiere instalar un pozo petrolífero ahí, tiene que contar con la venia del pueblo y para eso es importante la influencia de Eli en ellos. Por otro lado, para Eli, que de alguna manera conoce de la ambición al querer él mismo acaparar toda la atención de su pueblo y por ende tener un cierto grado de poder e influencia en sus fieles, tampoco le vienen con cuentos y sabe que David viene a explotar el pueblo para hacerse rico y sumir al pueblo en la miseria. Por eso David no puede ocultar sus intenciones con Eli, aunque lo intente, porque Eli se da cuenta que la ambición de David no está tan lejos de la de él. Por lo tanto, Eli piensa que David es un desalmado, un calculador y explotador. Sin embargo, Eli también debe relacionarse con David, porque él tiene el dinero, y como condición para extraer petróleo del pueblo, David le prometió a Eli construir un nuevo templo para su Iglesia, para seguir de esta manera convenciendo a sus feligreses que él es un enviado de Dios.

La relación entre ambos es sólo una de las tantas historias que se tejen a través de la película. A esto se suma la relación de David con su hijo (que no lo es tanto), con un dudoso hermano que viene a pedirle ayuda, con los empresarios que le ofrecen comprarle terrenos, etc. El leitmotiv de todas es la frialdad y la ambición con la que se mueve David Playview. Un tipo malo malo como la nata que en todo momento trata de tener el control sobre su persona y evitar demostrar su personalidad de manera explícita frente a sus enemigos. Es más, a veces es capaz de abrir su corazón frente a sus potenciales enemigos para luego eliminarlos como si nada. Un tipo muy calculador que te deja la piel de gallina, pero a la vez trabajador y esforzado. Es la cara del modelo económico que imperó en Estados Unidos en esa época, donde realmente en aquellos años se podía literalmente de la tierra de las oportunidades, puesto que cualquier tipo podría venir sin tener donde caer muerto, y con un poco de suerte y trabajo, se podía hacer rico de la noche a la mañana encontrando petróleo u oro, como pasaba en California. Es la verdadera naturaleza del ser humano, capaz de hacer y cometer cualquier acto con tal de proteger lo suyo y de compartir con los demás.

Daniel Day-Lewis, el actor que encarna a David Playview terminó ganando un Oscar por este papel, lo que reivindica a la Academia (pero un poquito no más) después de tanto pastelazo que se mandaron años anteriores. También se llevó un Oscar por Mejor Fotografía a cargo de Robert Elswitt, en ese sentido nada que decir, la fotografía es insuperable. Paul Dano, el actor que hizo el papel de los gemelos Sunday, Paul y Eli, me parece que también estuvo nominado, pero creo que no ganó. Ambos actores, Daniel y Paul, hacen una dupleta espectacular, provocando algo que no sentía hacía muchísimo tiempo: Incluir una película dentro de mi lista personal de las 10 mejores de toda la Historia. Y la música, que a ratos era muy, pero muy psicótica, estuvo a cargo de Johnny Greenwood. Sí señores, a los pocos que levantaron la ceja, les digo: El mismo flaco que tocaba guitarra en Radiohead. El mismo que no le gustaba Creep y que le metió la distorsión entre medio cuando cantaba Tom Yorke como una manera de boicotear el tema para no ponerlo en el disco ni hacerlo single. La misma distorsión que en vez de cumplir con su tarea terminaría por aportar al tema y también terminaría por ser la parte más característica de la canción, terminando por ser uno de los mejores y más reconocidos temas de Radiohead, terminando por abrirles las puertas al mercado estadounidense.

“There Will Be Blood” está basada en una novela escrita por Upton Sinclair y publicada en la década del veinte llamada “Oil”, por lo que no sé realmente si esta historia está basada en una historia real. Seguramente está inspirada en algunos eventos ocurridos a diversas personas que andaban en lo mismo, pero concentrados en un personaje ficticio, lo que no quiere decir que no hayan ocurrido realmente. La dirige Paul Thomas Anderson, el mismo director de Magnolia y Punch Drunk Love, una película que da cátedra de cómo tienen que ser las cintas románticas, o sea, aparte de mamonas, también deben tener un grado de genialidad y majestuosidad que no las haga ser parte del montón. Fan empedernido de Kubrick, se nota un poco la influencia de éste en sus películas, sobre todo en ésta, puesto que hay tomas y planos que son casi calcados al trabajo de Kubrick. ¿Homenaje o copia?. Usted decide. Lo concreto es que al finalizar la película, cuando David está en su cancha personal de bowling, los planos y los colores distribuidos en el lugar me recuerdan la recepción del hotel que sale en la película “The Shining”, de Stanley Kubrick. Las películas de Anderson, además, poseen un grado de ambigüedad que permite lanzar sobre ellas una serie de análisis semióticos que finalmente terminan por decir ¡qué diablos quiso decir este tipo!--- Oh, esperen… ¡Igual que las películas de Stanley Kubrick!... jajaj… Por ejemplo: Leí por ahí que al terminar “There Will Be Blood” (no les voy a decir cómo termina pero el que ya la vio seguramente me va a entender) hay una escena en que interactúan David y Eli. David ya es un tipo millonario lleno de lujos y con muchos años encima. Sin embargo, Eli aparece tal cual como al inicio de la película, sin ningún año encima. Muchos dicen el director trató de decir que en realidad Eli nunca apareció en su casa, sino que todo el diálogo que tuvieron y todos los hechos pasaron en la cabeza de David, y no necesariamente fueron reales. Es decir, justo cuando todos pensábamos que David estaba loco y que lo dábamos por perdido, llega Eli y tienen esa conversación que nos hace dar cuenta que en realidad David nunca antes había estado tan cuerdo y tan en sus casillas como en ese momento. Sin embargo, de ser verdad lo que leí sobre esto y si realmente el director quiso hacer suceder esta conversación en la mente de David y no en la realidad, finalmente esa idea que nos hicimos de que David estaba más vivo que zombie con ritalín se va a las pailas, lo que finalmente nos saca la venda de los ojos y decir: ¡Anderson… eres un puto que juega con nuestros sentimientos!.... MAESTRO!!!...

Del uno al siete…. UN MILLÓN!

2008-05-13T10:09:00.000-07:00

“EMERALD TWILIGHT”

Sucio y olvidado en una tienda de libros usados (a veces la gente que atiende no tiene idea de lo que tienen bajo su propio techo) encontré este tomo llamado “Emerald Twilight”, o también conocido en español como “Crepúsculo Esmeralda”. Protagonizado por el Green Lantern Hal Jordan, este tomo es importante para entender el cambio radical que tuvo este personaje en la década del noventa. Para las personas que no saben quién es Green Lantern (que no creo que sean muchos), les cuento que es un personaje que ha tenido muchas versiones. La primera de ellas fue la de 1940, y era un tipo llamado Alan Scott que combatía el crimen común y corriente. Pero en 1959, tomaron al personaje y le dieron un enfoque más intergaláctico. Ya no se trataba de un Green Lantern, si no que de miles de Green Lanterns dispersos en todos los confines del Universo como una especie de policía intergaláctica que se preocupaba de velar por la seguridad de todos los planetas. El representante de nuestro planeta se llamaba Hal Jordan, el mismo Green Lantern que veíamos en esos patéticos (bueno, ya… hay que entender que eran monitos para niños) capítulos de la serie animada “Super Amigos”, de la Hanna – Barbera. También terminaron por ganarse el aprecio de los lectores otros Green Lantern como Kilowog (que por un tiempo vivió y estudió el modelo comunista de la Unión Soviética), Guy Gardner (un tipo de muchos puños pero poco cerebro, eterno receptor de los combos de Batman en la Liga de la Justicia de Keith Giffen y J. M. Dematteis), John Stewart (Un Green Lantern de raza negra creado por el asunto ése de la convivencia sana entre razas y blablabla… Era el que salía en la última serie animada de la Liga de la Justicia que daban en el Cartoon Network) y Kyle Rayner (quién fue Green Lantern cuando los Guardianes desaparecieron), entre otros.

Pero en este caso, nos interesa hablar del Green Lantern llamado Hal Jordan, quizás el personaje más conocido y emblemático del citado ejército. Eterno segundón, junto con Aquaman, al momento de ceder protagonismos en la DC (ya que siempre son Superman y Batman los que se llevan los créditos), pero eterno protagonista entre los Linternas Verdes. En los años sesenta compartió una serie mensual con Green Arrow (otros de los duros de la DC), que llamó la atención de la crítica al ser el primer cómic en tocar temáticas sensibles para la época, como las drogas, el pacifismo, el racismo y otras más. Siempre correcto, siempre caballero y dispuesto a ofrecer siempre una sonrisa amiga, este personaje (favorito de las mamás a la hora de comprarles “historietas” lindas a sus hijos) cambiaría rotundamente en 1994. Este cambia sucedería en la serie “Emerald Twilight”, publicada en los números Green Lantern nº 48 (Enero de 1994), Green Lantern nº 49 (Febrero de 1994) y Green Lantern nº 50 (Marzo de 1994).

Los acontecimientos ocurridos en “Emerald Twilight” tienen relación con los sucedidos en “The Reign Of The Supermen”, a la vez relacionados con “Dead Of Superman”. Luego de que Superman fuera asesinado por Doomsday (luego se sabría que no fue tan así), llegaron cuatro tipos diciendo ser Superman resucitado: Steel, Superboy, Cyborg y Erradicador. Los cuatro comenzaron a tomar la justicia por sus manos, siendo Cyborg el que llegó más allá, llegando a aliarse con Mongul y destruyendo Coast City para construir su reino personal. Resulta que Coast City era la ciudad natal del Green Lantern Hal Jordan, ciudad donde vivían todos sus amigos, familiares y conocidos. Lugar donde descansaban los restos de su padre y donde vivió muchas cosas importantes de su niñez y de su infancia. Cuando apareció un quinto Superman (el que terminaría siendo el real), muchos de los que decían ser el verdadero, como Steel y Superboy, terminarían por unírsele, y junto con Green Lantern, parten a detener a Cyborg.

En el número “Superman: Man of Steel” nº 26 (Octubre de 1993), vemos al Green Lantern, Hal Jordan, llegar desde el espacio a su ciudad natal Coast City. Sin embargo, se da cuenta que su ciudad ya no se encuentra, y que sobre ella se ubica la ciudad construida por Cyborg. Al entrar a la ciudad comprende todo lo sucedido y comienza una lucha contra Mongul, lucha donde por primera vez se puede interpretar lo que pasaría más adelante. Luego de vencer a Mongul, se une a Supergirl, Superboy y Steel en la lucha con el Superman original para recuperar su sitial, contra Cyborg. Luego de vencer a Cyborg y de que Superman retomara su sitial perdido, comienza el luto. Hal Jordan comienza a cuestionarse el porqué no pudo salvar a su ciudad y comienza a considerar la posibilidad de reconstruir Coast City con su anillo, cosa que está prohibido por los Guardianes, debido a que un Green Lantern no debe usar el poder de un anillo para su propio beneficio.

Aquí es donde comienza “Emerald Twilight”, en el momento en que Hal Jordan, abatido y derrotado psicológicamente, comienza a utilizar el anillo para reconstruir ciertos parajes de Coast City, y a revivir personas que compartieron su vida, como su fallecido padre, o como Jennifer, su primer amor. Comienza a vivir en un mundo construido por él, cuando es violentamente interrumpido por la proyección de un Guardián que le comunica que va a ser castigado por lo ocurrido y que debe entregar su anillo, puesto que lo usó para su beneficio. Hal Jordan se pone en rebeldía y por primera vez se da cuenta que los Guardianes son seres egoístas porque no piensan en los Green Lanterns como personas, si no que como cosas que tienen que estar a disposición de ellos, y en vista de aquello, y debido a que los Guardianes en ningún momento mostraron algún signo de sentimiento por lo sucedido, Hal Jordan reniega de ellos y comienza un viaje hacia OA para tomar la carga de todos los Green Lanterns, y de ser necesario, acabar con los Guardianes.

En el camino se topa con muchos de sus amigos quiénes le advierten que deben detenerlo, sin embargo, Hal Jordan los derrota a todos, incluso llegando a matar a Kilowog, la persona que lo entrenó para ser un Green Lantern. Finalmente llega a OA, y después de derrotar a los Guardianes, toma toda la energía de los Green Lanterns, transformándose de esta manera en Parallax, un ente malévolo que toma el cuerpo de Hal Jordan. Esto traería consecuencias que más tarde se explicarían en “Zero Hour”. De esta manera los Green Lanterns desaparecen y Hal Jordan se transforma en un villano. Sin embargo, en todo este mambo, un anillo es enviado por Ganthet, el último Guardián sobreviviente, a la Tierra, donde es encontrado por Kyle Rayner, un diseñador gráfico (…) que se transformaría en el último de los Green Lantern. Sin saber utilizar este anillo, Rayner pasaría a ocupar el puesto perdido por Jordan, llegando a codearse con los seres más poderosos del Universo DC.

“Emerald Twilight” fue escrita por Ron Marz (quién lleva adelante una historia bastante entretenida, y a ratos, angustiosa) y dibujada por Bill Willingham, Fred Haynes y Darryl Banks, quiénes en general tienen bastante buena mano para el dibujo y no desentonan para nada con lo hecho anteriormente por otros dibujantes en “The Reign Of Supermen”. Sin embargo, no irradian la mística de otros como Jim Aparo, Jon Bogdanove o Jerry Ordway. Este tomo fue publicado por la Editorial Vid, para algunos una muy mala editorial en materia de cómics, para otros una editorial reguleque no más (en ningún caso, excelente), lo concreto es que en esa época (estamos hablando de 1994) era la única manera de poder adquirir cómics actualizados, considerando que Internet aún no existía, la Editorial Perfil había desaparecido sin aviso y la Editorial Zinco mandaba números de manera irregular desde España.

Del uno al siete le pongo un 6.5, promedio del 6.0 por la historia y del 7.0 por la importancia y trascendencia de este tomo.

2008-04-26T18:10:00.000-07:00

CAVALERA CONSPIRACY:

Y continúa la teleserie Cavalera. Esta vez los hermanos Igor y Max hacen las pases, vuelven a ser buenos hermanos y arman una banda llamada Cavalera Conspiracy (que originalmente se iba a llamar Inflikted, pero que por problemas legales deciden no utilizar aquel nombre). Personalmente considero que no es el mejor de los nombres para una banda que tiene por integrantes a dos de los más influyentes e importantes músicos del rock pesado. Casi diría que es un poco infantil. Pero bueno, lo que importa aquí es la música y creo que, a la larga, el nombre va a dar lo mismo y se va a posicionar como una banda bastante power.

Imagen de Sepultura cuando eran terrible pollitos.

Para aquellos que no sepan de la teleserie Cavalera, les cuento: Estos hermanitos, cuando tenían 16 o 17 años, y sin saber tocar ningún instrumento, forman junto a Andreas Kisser y Paulo Jr., una banda de thrash-death metal llamada Sepultura, donde la temática de las letras y la estética eran completamente satánicas. Luego, a medida que iban creciendo, les comenzó a ir bastante bien, debido a que en Europa y Estados Unidos llamaba la atención que una banda brasileña hiciera metal (recordemos que en esos lados todo lo que sea latino es exótico y bien consumido, y más aún si su manager era soviético… jaja). Cuando se radican en Estados Unidos, comienzan a hacer sus discos más importantes, entre los que se encuentra “Chaos A. D.”, un disco donde las letras no hablan de satanismo si no de guerras y plagas que azotan a la humanidad, un disco que además que redefiniría el sonido del metal (presagio de lo que más adelante llegaría con Fear Factory y Korn). Luego llegaría su disco más comercial, “Roots”, donde las letras ya pasan a ser distintas y donde se rescatan los sonidos más primitivos, de raíces indígenas.

Etapa en la que Sepultura estaba en la cúspide. Llegan a tocar a lugares antes inalcanzables, como la unión Soviética.

Naibomb era el proyecto alternativo que tenían los hermanos Cavalera, mientras tocaban con Sepultura, junto con Dino Cazares y otras "estrellas" del metal. Un presagio de lo que más tarde llegaría con Cavalera Conspiracy.

Aquí comienzan los problemas porque Max, y su señora Gloria, manager de entonces, comienzan a tomar decisiones que el resto de la banda condena. Max y Gloria son de la idea de estar siempre creando sonidos nuevos y de aliarse con gente como Chino Moreno (Deftones), Jonathan Davis (Korn) y Fred Durst (Limp Bizkit), ya que consideran que el metal, a esas alturas, está muerto. El resto de la banda es más de la idea de seguir componiendo temas de la vieja escuela, temas con lo que se hicieron conocidos. Esto trae roces en las relaciones y comienzan a distanciarse, sobretodo Max y su hermano Igor, ya que cada uno se encuentra en bandos contrarios. Todo colapsa cuando en un festival en Estocolmo, Max Cavalera se entera de la muerte de su hijastro en una de las favelas en Brasil, minutos antes de salir al escenario. Esto lo afecta y decide no salir a tocar, sin embargo el resto de la banda no está de acuerdo con esta decisión y deciden salir a tocar con o sin Max. Esto fue la gota que rebalsa el vaso y Max decide renunciar a la banda, junto con su señora Gloria, noticia que remece el ambiente metalero.

Etapa del disco "Arise". Los roces comienzan a llegar en la etapa entre los discos "Chaos A. d" y "Roots".

Los años siguientes son de creación para todos. Sepultura, sin Max y con un lamentable vocalista de raza negra (definitivamente dedíquense a componer hip-hop), saca al mercado una serie de discos que lo único que demuestran es la caída, cada vez más en picada, de la banda. Sin Max, los fans comienzan a desilusionarse y comienzan a abandonar a la banda, mientras que el resto de los integrantes trata de hacer lo mejor por sacar buenos discos. Sin embargo, la crítica y los fans los destrozan al catalogarlos de no ser ni siquiera la sombra de lo que alguna vez representó Sepultura. De hecho, a finales del 2005 no renuevan contrato con su sello, y por primera vez desde que eran jóvenes, deciden recomenzar desde abajo, tocando en lugares pequeños como pubs, dejando de lado los otroras monumentales estadios, escenarios que llenaban fácilmente con treinta mil personas. Mientras tanto, Max (ya sin nadie que pueda limitarlo) hace todo lo que no pudo hacer en Sepultura. Crea la banda Soulfly, donde los temas son una mezcla de todos los sonidos imaginables, desde hip-hop y R&B hasta el death metal y el grincore. Toca en festivales como el OzzFest o el Ring MTV. Las letras comienzan a tener temáticas religiosas y espirituales, creando un gran signo de interrogación en las personas que escuchaban a Sepultura y que acostumbraban verlo como un tipo satánico. Max explica su espiritualidad diciendo que no está contra Cristo ni contra los profetas, sino que contra las religiones, y compara a Jesús con Bob Marley y otros estandartes de la música, diciendo que Cristo era un verdadero punk de la época, siendo que iba contra todas las reglas. En el tiempo que pasó esto, nunca hubo un acercamiento entre los antiguos integrantes de Sepultura.

Etapa del "Chaos A. D.", el disco que les abriría las puertas del mainstream.

Así fue como, mientras Max construía su éxito con esfuerzo y trabajo, y Sepultura caía cada vez más bajo en el pozo de la mediocridad con discos cada vez más malos, Igor (hermano de Max y baterista de Sepultura) choquea con una noticia: Decide renunciar y alejarse de Sepultura por diferencias irreconciliables con la banda, motivo similar por el que se fue Max. Al parecer la sangre pudo más e Igor explica que su salida es porque ya no encuentra motivante tocar en una banda donde los integrantes lo hacen para ganar plata derechamente y no para dejar una huella en el mundo de la música. Esto molesta al resto de los integrantes, que ni siquiera le piden que recapacite sobre su decisión. Así es como, sin que nadie supiera, Igor comienza a contactarse secretamente con su hermano Max. Se reúnen y conversan sobre lo sucedido hace una década atrás, de lo que pudieron haber experimentado y de las experiencias que vivió cada uno por separado.

Una de las primeras imágenes de Soulfy. Aquí vemos la primera formación de la banda. Max Cavalera ya había renunciado a Sepultura, con quiénes, hasta el día de hoy y exceptuando a su hermano Igor, jamás ha vuelto a tener contacto.

De esta manera, no pasa ni un mes y ambos deciden volver a tocar juntos, armar una banda y rememorar los viejos tiempos. Max deja botada las grabaciones del sexto disco de Soulfly para comenzar a componer rápidamente los temas para la nueva banda. La noticia comienza como un rumor, y cuando finalmente los hermanos confirman estar juntos para tocar nuevamente, las expectativas comienzan a elevarse a niveles altísimos. Todo el mundo espera (e imaginan) como será el nuevo sonido de los Cavalera. ¿Será como el Sepultura de los ochenta, aquel duro y satánico?... ¿Será como el Sepultura de los noventa, aquel industrial y más comercial?... ¿Será como una mezcla entre el Sepultura sin Max y Soulfly, o sea, con un sonido más aggrometal con pequeñas pinceladas Hardcore?.... Bueno, el disco salió, lo compré, lo escuché y recién ahora podré comentar sobre el asunto en cuestión.

Formación de Sepultura sin Max, con la cual Sepultura comenzó a declinar.

Mientras que esta formación de Soulfly comenzó a empinar.

El primer disco de Cavalera Conspiracy (del mismo nombre) es una bomba. Comienza acelerado y de ahí no para hasta que termina el disco. El sonido parece ser más básico que todo lo creado anteriormente por ambos. Yo creo que se debe a la rapidez con la que crearon los temas y los grabaron. Además que se nota que Max e Igor lo están pasando bien, así que para qué apurar las cosas y crear temas tan existencialistas que buscan un lugar en la historia de la música. Obviamente, cada tema tiene un punteo (y los medios punteos… o sea, quedai vuelto loco), pero pareciera que los temas son menos elaborados. Esto convierte a Cavalera Conspiracy en una banda de sonido más Hardcore metal que metal más puro, ya que los temas son pesaditos, pero no saturados, como sí lo son por ejemplo los de Morbid Angel o Six Feet Under. El sonido recuerda un poco el “Arise” y las letras son cercanas al “Chaos A. D.”, porque habla de las guerras en Medio Oriente (clara alusión a la invasión de Estados Unidos a Irak), habla del pensamiento de los soldados a la hora de matar, habla sobre la necesidad de la violencia, habla de drogas, caos, descontrol y todas esas “cosas bonitas” a las que siempre nos tenía acostumbrado Max. Pasar de letras espirituales en Soulfly, a letras más pesimistas y apocalípticas en Cavalera Conspiracy, hace que me recuerde el Max de la época del “Arise” y “Chaos A. D.”, a pesar de que algo de eso había en “Dark Ages”, el último disco que Max alcanzó a hacer con Soulfly.

Una de las últimas formaciones de Soulfly, período en el cual Sepultura no renueva contrato con su sello y cae cada vez más bajo.

En la banda Max Cavalera sigue haciendo lo que sabe hacer. Su voz ya es característica y reconocible ya sea en Sepultura, Nailbomb, Soulfly o donde sea. A la guitarra le saca sonidos similares a una alarma, pero siempre en distintos tonos. Lo hizo en Sepultura y también en Soulfly. Y en este disco también lo hace, sobretodo en el tema Sanctuary. Y ese sonido de alarma que le saca a la guitarra siempre denota caos, desorden, como que algo se ha salido de control (como “Chaos A. D.”). Y esta percepción de alarma va acompañada de letras desalentadoras y desesperanzadoras. Sus letras llaman a no creer en la sociedad, en el sistema, en los emos (en clara alusión a la moda que todos conocemos), en los enemigos, etc. Y la persona que se autodenominaba profeta en los discos de Soulfly (a veces terrorista, pero sólo al principio), ahora se denomina como el salvador de la humanidad, al decir en una letra que es la cura al fuego del Apocalipsis. Este Max le gusta sentirse poderoso al parecer.

Formación actual de Sepultura, sin Igor quién ya había renunciado a la banda para luego reconciliarse con su hermano y formar Cavalera Conspiracy.

Igor Cavalera vendría a ser el otro pilar de la banda. Me tinca, no se porqué, que el cincuenta por ciento de los temas debió haber pasado por el visto bueno de Igor. Creo que en más de alguna ocasión Max llegó con un tema y le dijo a Igor: “Hagamos esto”, e Igor le dijo: “Weon, esto no es Soulfly, hagámoslo a mi modo”. Porque se nota demasiado la influencia de Igor en algunos temas. Esto está bien, porque claro, la banda es de ambos, y también es un detalle entretenido, porque ahora Max no puede armar y deshacer como lo hacía en Soulfly. Hay temas del disco donde claramente Igor era el que mandaba en los tiempos, porque hay momentos en que la batería es amo y señor de algunos tracks. Y cómo se nota que la batería era una de los puntos bajos de Soulfly, sin desmerecer a Joe Nuñez que igual es seco, pero que se nota que es de conservatorio, en cambio Igor, que aprendió a tocar solo, tiene otro aire. Es un monstruo, y en este disco recupera la mística que tenía en la antigua Sepultura, mística que los transformó en uno de los mejores bateros, o mejor dicho, en uno de los bateros más chacales de todos los tiempos.

Primer disco de Cavalera Conspiracy... filete, filete.

El resto de los integrantes tampoco destiñen en la banda. Marc Rizzo (quién viene de acompañar a Max de Soulfly) hace lo suyo con las guitarra rítmicas y con los punteos, similares a los que se hacían en Sepultura, lo que me hace pensar que en el fondo los compone Max. Joe Duplantier acompaña en el bajo, pero la verdad la verdad, siendo bien sinceros, el bajo importa un carajo al lado de dos monstruos como lo son Max e Igor, y la guitarra principal de Rizzo, quién también tiene su historia. No olvidemos que por largo tiempo acompañó a Dave Mustaine en sus andanzas de Megadeth, y que luego, al retirarse y dedicarse sólo a la producción de discos y al descubrimiento de bandas, sólo volvió a tomar la guitarra para grabar y tocar en vivo sólo porque Max Cavalera se lo pidió en persona. Su primera aparición fue en el “Prophecy” de Soulfly, y de ahí no lo abandonó más.

Primeras imágenes de los hermanos Cavalera reconciliados.

La gráfica del disco la encuentro bastante buena, muy acorde a la banda. Trae imágenes y elementos que recuerdan el abuso de los soldados estadounidenses a prisioneros irakies en el prisión de Abu Ghraib. Si bien la temática de la gráfica no es muy agradable o muy bonita en sí, sí lo es estéticamente si es que el tema no lo tomamos muy en serio. El logo de la banda, si bien me costaba digerirlo en un principio, finalmente me terminó por convencer, lo que a la vez me hizo dar cuenta de que está de moda voltear una tipografía al momento de crear un isotipo. Cecilia Bolocco hizo lo mismo con su línea de ropa. Un ejemplo bastante estúpido que me permití hacer porque el blog es mío y hago lo que quiero en él… jajajaja…

Formación de Cavalera Conspiracy que graba el disco y que actualmente se encuentra de gira.

Hierba mala nunca muere... y esto está recién comenzando.

En resumen, Cavalera Conspiracy es una banda Hardcore metal que recuerda mucho al Sepultura del “Arise” y del “Chaos A. D.”. Si bien, tampoco le llega a los talones, también es verdad que están recién comenzando. Y sinceramente, después de este primer disco, ¿Alguien realmente va a querer que se vuelva a reunir Sepultura cuando la mente y el corazón que la hacía funcionar se encuentran juntos en Cavalera Conspiracy?. A mí, por lo menos, me importa un carajo que se reúna Sepultarro. Si ya era feliz con Soulfly, ahora al menos puedo decir que puedo morir tranquilo con Cavalera Conspiracy. Del uno al siete, al disco le pongo un seis. Y me quedo feliz pensando que esto está recién comenzando.

2008-04-14T09:51:00.001-07:00

THE SPIRIT:

Hace poco comenzaron a difundirse por la “internerd”, imágenes de las grabaciones de la película “The Spirit”, basada en el cómic del mismo nombre, producida por Frank Miller, el mismo productor de “Sin City” y “300” (basadas en cómics de su autoría), además de ser guionista y dibujante en novelas gráficas como “The Return Of The Dark Night”, “Ronin”, y tantas otras que para qué citarlas si ya todos sabemos qué ha hecho y qué no. Y como seguramente la palabra “The Spirit” va a estar en boca de todos de aquí a un año más, quiero adelantarme a toda la fiebre que se aproxima y hablar un poco sobre este personaje, muy importante en la historia del noveno arte. Además que quiero adelantarme a todos esos periodistas o estudiosos que trabajan en diarios o medios especializados haciendo la misma weá que hago en este blog, a diferencia que a ellos les pagan por escribir artículos basados justamente en escritos como éste y en tantos otros blogs amigos.

Citaba en el párrafo anterior que la película de “The Spirit” está siendo producida por Frank Miller, un tipo muy respetado en Estados Unidos por sus trabajos como guionista y dibujante. Su estilo de dibujo se ha caracterizado en el último tiempo por ser muy oscuro y por jugar con los contrastes del blanco y negro de manera excepcional. Muchos lo han celebrado y más de algún premio especializado se ha llevado gracias a esto. Pero antes de Miller, hubo otra persona. Su mentor, su maestro, su gurú. Y no solo de Miller, si no que de muchos otros dioses del cómic como John Byrne, Todd McFarlane, etc. La persona a la que me refiero es Will Eisner, creador absoluto de su obra maestra: “The Spirit”.

Si Superman fue el personaje que inventó el género de los superhéroes y Batman aportó con la complejidad psicopática de sus enemigos, “The Spirit” fue el que le dio el espíritu al cómic. Para que se hagan una idea de lo importante que es este personaje en la historia del cómic, Will Eisner inspiró a muchas generaciones a que tomaran un papel ya fuera para dibujar o para escribir, llegando a ser catalogado el Orson Well de los cómics. Eisner fue un genio, un maestro, un tipo sin ningún tipo de comparación y referencia. Un creador y artista de tomo y lomo. En resumen: UN DIOS DE LOS DIOSES. Los cómics que él creó en “The Spirit” se caracterizaron por recursos nunca antes aplicados en el cómic, como por ejemplo la utilización de ángulos muy extraños, la aplicación y contrastes de la luz en viñetas de manera sublime, creación de viñetas sin cuadros e incluso, sin diálogos, algo impensado para la época, en un medio que se caracterizaba sólo por la utilización de planos medios y dibujos estáticos. Estamos hablando de 1940, año en que fue creado este personaje. Si bien los capítulos eran de pocas páginas (que se hacen muy pocas al leerlas), sus historias muchas veces eran contadas como si se tratara de un poema o de una hermosa canción.

La historia de “The Spirit” es la siguiente: Danny Colt era un policía muy responsable y muy dedicado a su trabajo. Por esas cosas del destino, y luego de una persecución para arrestar al Dr. Cobra (quién quería destruir Central City con una letal poción), la muerte le alcanza y se lo lleva, permitiendo que el cuerpo de policía de Central City tenga que dejar de contar con uno de sus policías en sus filas. Sin embargo, esta poción le permite Colt vencer a la muerte, resucitando como quién fuera Jesús en el tercer día. Vuelve de la muerte para luchar contra el crimen. Pero lamentablemente no puede seguir usando su nombre, porque claro, Danny Colt está oficialmente muerto. Entonces decide ponerse un antifaz (para que nadie sepa que es Danny Colt, porque se supone que está muerto) y un elegante traje de dos piezas para luchar contra el crimen como “The Spirit”, un espíritu sin nombre y sin pasado. Este detalle es muy importante porque, a diferencias de otros personajes de la época como Flash o Batman, The Spirit no tiene doble identidad. Es Spirit todo el rato, porque su alter ego está muerto.

A su lado tiene a un incansable compañero de aventuras: Ebony. Un niño (en realidad nunca supe si era un niño o un adulto inmaduro) de raza negra que cumplía con todos los requisitos que debía tener un negro de la época: Lenguaje chistoso, medio tropical, servicial y humorístico. Una caricaturización del afro americano, heredado de una larga tradición esclavista y racista que existe aún en estos tiempos en Estados Unidos, sobretodo en el sur. Ambos luchaban contra el crimen y ayudaban de paso al Comisario de la policía, el Comisario Dolan (algo así como el Comisario Gordon, pero más chistoso). Un jefe de policía que muchas veces creía imposible llevar a cabo un plan, siendo que finalmente era The Spirit quién lo ejecutaba por él, queriendo llevarse siempre los créditos. La hija del comisario Dolan, Ellen Dolan, era su amada novia. Muchas veces The Spirit luchaba para rescatarla de algún villano de turno o para salvarla de algún enamorado. Ellen es una mujer muy celosa, ya que Spirit siempre era tentado por muchas mujeres. Esto provocaba que ella inventara muchas veces que era raptada o que era merodeada por algún galán, justamente para provocar celos en The Spirit y para que luchara por su amor. Estos cuatro personajes son la base del cómic. De aquí se van desglosando muchos más, aportando cada uno con su cuota de humor a este cómic que comenzó en 1940 y que terminó en la década del cincuenta.

Will Eisner (quién nació en 1917) aparte de trabajar en The Spirit, también trabajó en diversas novelas gráficas como “Contrato Con Dios” (1978), “El Soñador” (1986) y “Viaje al Corazón de la Tormenta” (1991), entre otras, que lo catapultaron al estrellato comiquero. También fue profesor de arte y trabajó para el Ejército de Estados Unidos, haciendo historias didácticas sobre el uso de las armas y su mantención, además de historias de entretención para que los soldados se distrajeran en el frente de batalla. Fue muy amigo de Bob Kane, uno de los creadores de Batman, con quién además fue compañero de Universidad. Sin embargo, a pesar de que algunos digan que “The Spirit” vendría a ser el primo lejano de Batman (dado justamente por la cercanía entre ambos y por su estética oscura), claramente Will Eisner era mejor dibujante que Kane y le daba a sus personajes una profundidad que en Batman recién se llegaría a ver muchas décadas más tarde. De hecho, tan importante es Will Eisner para el cómic, que en Estados Unidos todos los años se reparte un premio para los más sobresalientes del noveno arte (algo así como el Oscar de los cómics) premio que lleva su nombre y que alguna vez alcanzó a entregar en persona, antes de su fallecimiento el 3 de Enero de 2005.

2008-03-30T15:49:00.000-07:00

MIRAGEMAN.
(o la esperanza del cine chileno):

Mirageman es un ejemplo del cambio generacional que vive nuestra sociedad. Su director, Ernesto Díaz, no debe tener más de 26 o 27 años. Esto demuestra que la generación que actualmente tiene entre 23 a 28 años, somos los llamados a controlar la sociedad de aquí a 6 o 7 años más. Nosotros, los que comenzamos recién a insertarnos en una realidad nacional, los que estamos recién comenzando a sembrar para cosechar a futuro. Los que hicimos de nuestros hobbies nuestra profesión, los que hicimos del lenguaje del cómic y del cine un lenguaje que nos da de comer, los que estamos metidos de alguna manera en el mundo de las empresas, del diseño y la publicidad. La sociedad, tarde o temprano, terminará descansando en nuestras manos y en nuestras decisiones. Tendremos la responsabilidad de influir en ella y de manejarla a nuestro antojo. Somos los llamados a cambiar la sociedad o a renovarla de alguna manera. Es natural, tarde o temprano las cosas terminarán por caer por su propio peso. Somos los hijos de los que vivieron en dictadura. Somos los que entendemos que la discusión del SI o del NO, la verdad, no nos interesa. Los que creamos el Wii, los Facebooks, los “Canal Copanos”, los insides de Cristal y Escudo Somos los que entendemos que el cine chileno, siendo reflexivo y de discurso como lo ha sido hasta ahora, es una lata. Que pretendiendo ser “cine arte” para parecer intelectual, o “poblacional” para mostrar nuestra realidad no va a llegar a ningún lado. Somos los que entendemos que para que el cine chileno surja, debe ser comercial. Que debe apostar por productos que incentive a la gente a ir al cine a distraerse y no a asustarse con la mala calidad del cine nacional. Somos los que producimos para el cine los “Promedio Rojo”, los “Sangre Eterna”, los “31 Minutos” y… los “Mirageman”.

Ernesto Díaz, el director de “Mirageman” (y salido del DuocUC… bendito seas, yeah, sure) entiende que para ganar lucas en el cine chileno hay que ofrecer un producto atractivo, no tan grave y entretenido. Mirageman cumple con esos tres requisitos. Es una película que a ratos te hace reír a carcajadas, pero en otras te deja muy serio y reflexivo. Y es así porque Díaz aprendió la lección con “Kiltro”, una película que le fue mal en taquilla y crítica justamente porque se tomó su papel muy en serio. En cambio Mirageman es más relajada, lo que hace que el espectador se relaje y termine por digerir todo lo que ofrece el film.

“Mirageman” fue creado por su director, Ernesto Díaz, y por su protagonista, Marko Zaror. Ambos se conocieron en Los Ángeles, Estados Unidos, cuando Díaz fue a probar suerte dirigiendo cortometrajes y fue recibido en la casa que arrendaba Zaror, quién también se encontraba probando suerte en esas tierras trabajando como doble en películas de acción llegando incluso a ser el doble de The Rock (esto fue confirmado por CQC cuando en un capítulo le llevaron la foto de Zaror a The Rock en el estreno de una de sus estrepitosas películas y éste lo reconoció de inmediato e incluso le mandó saludos por cámara). Pero como a ambos no le fue muy bien decidieron volver a Chile y practicar lo aprendido en USA. Lo primero fue justamente el mencionado “Kiltro”. Película de artes marciales que no fue muy entendida en Chile y que por lo mismo le fue más o menos no más. De hecho, recién hoy están entrando lucas pero por conceptos de ventas de DVDs en Japón y USA. Y como buenos perseverantes que son, no se quedaron ahí y decidieron crear a este personaje criollo llamado Mirageman, con el que creo que le pegaron el palo al gato porque de esta franquicia puede salir una serie, cómic, juguetes, etc.

Según yo, esta película se divide en dos partes. La primera parte es la entretenida, la simpática. Donde Mirageman quiere hacerse un nombre pero los medios de comunicación lo agarran pal palanqueo. Por lo tanto, el lenguaje audiovisual es absurdo y muy chistoso. Lleno de conceptos sacados de las seriales de superhéroes de los años 60 y 70´s como Batman o Wonder Woman. De hecho, el traje de Mirageman, y específicamente la máscara, es un homenaje a la serie de Spiderman de los años setenta. Y la chaqueta verde olivo es un homenaje a Travis Brickle, el taxista protagonista de “Taxi Driver”. De ahí el link de pelear por la justicia (Spiderman) y limpiar las calles de pedófilos (Taxi Driver). Pero la segunda parte es todo lo contrario. Es más oscura, densa e introspectiva. Aquí Mirageman aplica métodos muy extremos para que lo tomen en cuenta. Y vaya que lo logra. Podemos decir que en este tramo entran conceptos del cómic de finales del 80 y principios del 90. Aquí pasamos de un chistoso Spiderman al Return Of The Dark Night de Frank Miller o al Spawn de Todd MacFarlane.

La historia cuenta que Maco (Marko Zaror), mientras trotaba por la calle, es testigo de un asalto a una casa. Luego de reducir a los asaltantes y de salvar a una mujer de ser violada, decide concentrar toda su energía en tratar de ayudar a la gente y a combatir la delincuencia. Para esto se fabrica un traje y sale a golpear a cualquiera que hable flaite y que ande cogoteando por Paseo Ahumada. O sea, se transforma en Mirageman. Resulta que la mujer a quién salvó de ser violada es periodista. Carol Valdivieso es su nombre (Maria Elena Sweet), una mujer que es capaz de hacer cualquier cosa por tener rating y quién finalmente termina por transformarse en la verdadera villana de la película (buena idea, un golpe para todos aquellos que empezaban a pensar que esta periodista vendría a ser algo así como Lois Lane). Esto se suma al hecho de que Maco tiene un hermano menor que sufre problemas mentales por un trauma vivido hace tiempo atrás. En fin, digamos que estos hermanos tienen un pasado oscuro que mejor dejo que lo averigüen ustedes cuando vean la película. El asunto es que este hermano menor es muy importante para la motivación de Mirageman.

Lo que me gustó de la historia es que Maco no esboza más de tres palabras en toda la película. Es decir, el tipo no habla. Es mudo. Se dedica sólo a pegar patadas. Y eso está bien. O sea, el tipo no actúa, seamos sinceros. Pero se luce haciendo lo que sabe hacer: coreografías y secuencias de artes marciales bastantes entretenidas y atractivas al ojo del espectador. Y lo increíble es que, a pesar de no hablar, este tipo igual te cautiva, porque como no habla, y más encima le pasan cosas malas todo el rato, tú como que dices: Puta el weon funao y más encima mas bueno que el yogurt. Jaja… Le pasan cosas de puro bueno que es no más. Y es increíble porque me imagino que si llegara a hablar, terminaría por matar toda la inocencia que irradia el personaje.

Tema aparte se merece Pseudo-Robin, un tipo que lo único que quiere es ser partner de Mirageman. El típico personaje secundario que al final termina por robarse la película.

Si tuviera que ponerle una nota del 1 al 7, yo le pongo un 7. O sea, no es una película que venga a cambiar los cánones del cine, pero considerando el mediocre nivel del cine chileno, yo creo (y espero) que Mirageman sea la base del futuro cine chileno, aquel que ofrezca muchas alternativas para todos los gustos y perfiles que componen nuestro país y que no se cierre en el típico cine de denuncia, cine arte o el cine ordinario que lo único que muestra son teta y poto. Y hay quiénes no queremos ver eso en pantalla. Hay quiénes esperamos ver cosas más creativas y originales. Cosas como Mirageman.

2008-03-05T06:05:00.000-08:00

LAND OF DEAD

Muchos sabemos la importancia que ha tenido George Romero en el cine. De no haber sido por su deforme creatividad y por las bases que sentó en el cine de terror, el mainstream jamás hubiera tomado conceptos del género zombie. Si hemos visto y/o escuchado hablar de películas como Resident Evil o 28 Hours Later, ha sido exclusivamente porque hace 40 años atrás, el Sr. Romero se le ocurrió hacer una película llamada “Night Of Living Dead”, una Biblia para todos los cinéfilos y amantes del cine zombie y todas sus derivaciones (gore, suspense, snuff, etc.). Desde entonces, el Sr. Romero siempre ha coqueteado con el cine hollywoodense. Si bien nunca se ha declarado abiertamente contra el mainstream, siempre ha tratado de conservar en sus películas algunos detalles que las hacen ver indie o alternativas al resto. Esto habla de que a pesar de que sus películas sean distribuidas por Sony Pictures u otra empresa, de alguna manera, meter actores desconocidos habla de que aún quiere conservar una parte de su esencia underground que lo hizo de culto desde 1968.

Y a pesar de todos los años que han pasado y de todos los reconocimientos que se la ha hecho a Romero, este caballero (anciano casi a estas alturas), y al contrario de lo que uno piensa que puede hacer una eminencia como él, como por ejemplo retirarse y vivir de su fama, ha hecho todo lo contrario. Ha seguido dirigiendo y produciendo películas de género zombie. Es más, él ES el género zombie. El día que él muera, el género zombie se muere junto con él, porque no se ha dedicado sólo a seguir haciendo películas con más de lo mismo. Todo lo contrario. Ha propuesto qué es lo que va a pasar con los zombies a futuro. Ha teorizado sobre la evolución del zombie como género y como especie. Y esto sólo ha servido para que Romero marque la pauta sobre el cine de terror. Con esto queda demostrado que Romero está a años luz del resto y que su creatividad es, lejos, la más influyente e importante del cine de terror.

Un ejemplo de esto último se refleja en una de sus últimas películas llamada “Land Of Dead” (aprovechando que en Estados Unidos se va a estrenar pronto “Diary Of Dead”). El contexto en que se estrenó esta película es muy particular. El año fue el 2005. Curiosamente (y entre comillas), ese fue un año zombie. Muchas películas se estrenaron relacionadas con este género y de manera muy comercial nunca antes vista. Por primera vez, en un cine se podía ver en cartelera un zombie comiendo palomitas a la vez. Y así como las multitiendas se ponen de acuerdo para lanzar las temporadas de ropa, entiéndase Primavera/Verano – Otoño/Invierno, las compañías de cine también se pusieron de acuerdo para lanzar al mercado películas de zombies, para ver si así imponían la moda y aprovechaban de ganarse un par de lucas con el merchandising que las rodeaba.

Una de las películas que se estrenó ese año, recuerdo que fue “Dawn Of The Dead”, una excelente película (que recuerdo que la exhibí en un ciclo de cine zombie que realicé y donde la gente gritaba con las luces apagadas…. Uf!... manjar para los ojos) que curiosamente era un remake de una película de George Romero. Ahí veíamos a los zombies en un mall, haciendo un paralelo entre su torpe forma de actuar y nosotros. O sea, nosotros somos ellos cuando vamos al mall. Somos unos zombies mirando liquidaciones y comprando comida rápida. Creo que al año siguiente se estrena “Shawn Of The Dead”, otra película británica excelentee, parodiando al género zombie, y no creo que me equivoque si digo que el año anterior o ese mismo se estrenó alguna de Resident Evil.

El asunto es que, entre tanta película zombie que se estrenó ese año, como era posible que no apareciera el Papá, pue. Ese año, el Sr. Romero estrena una película que dio un paso más adelante que todas las otras que se estrenaron , donde queda demostrado que el género zombie no avanza si Romero no estrena una nueva película. Romero estrena su película “Land Of The Dead”, donde nos muestra que su vejez le da más sabiduría, debido al pedazo de película que se manda. Y está bien, hay muchos que no la han visto completa porque la encuentran lenta y fome. Pero vamos… los que apreciamos a Romero les decimos: No esperen tanta acción y sangre en sus películas. Para eso vean cine gore. Lo importante en Romero es el valor intelectual que entrega. Sus películas son lentas pero seguras. No para un consumidor de pop corn, si no que aptas para personas que siempre guardan un libro o un cómic bajo la almohada. Personas más analíticas… Más introvertidas.

“Land Of The Dead” está ambientada muchos años después de sus otras películas. En ella vemos que los humanos han perdido la esperanza de ganar su guerra contra los zombies. El virus se ha expandido tanto, que se podría decir que en el mundo hay más zombies que humanos normales. Y es por esto que los humanos han tenido que atrincherarse. Viven en colonias resguardadas por soldados quienes vigilan que los zombies no se acerquen a esas colonias. Y dentro de estas colonias existen desigualdades enormes entre ricos y pobres. La clase más adinerada viven en los núcleos de estas colonias, en enormes edificios obviamente más seguros por vivir en el centro, alejados de todo mal. Sin embargo, la clase baja vive en los alrededores, buscando comida en la basura o cazando zombies para cambiarlos por armas y alcohol. De alguna manera, esta película es una abierta crítica al gobierno de Estados Unidos y a su política exterior que llevaba en esos años. Porque tenemos a estas colonias (el mundo libre) y a los zombies (terroristas como irakies y afganos). Uno de los dueños de estas colonias es Kaufman (o sea, George Bush, incluso viste siempre de terno y tiene el pelo blanco peinado hacia el lado) interpretado por Dennis Hopper. Este tipo, por su situación económica y por sus influencias, decide todo lo que pasa en esa colonia (era que no, Don Bush). Riley, el protagonista (que en este caso sería el estadounidense promedio que clama por que no se pierda el genuino espíritu estadounidense), es un tipo tranquilo que de pronto se ve envuelto en una situación que lo pone contra Kaufman, el cabrón que manda en toda la colonia. Este tipo lo manda a la cárcel, pero luego le propone sacarlo si le ayuda a encontrar a un tipo que le robó un prototipo de arma muy avanzada. Él sale en su búsqueda acompañado por Slick (interpretada por una exquisita Asia Argento, hija de adivinen quién po… aplíquense cinéfilos). En todo este entuerto reencuentran con los zombies (o sea, terroristas de Medio Oriente), quiénes, al estar tanto tiempo viviendo solos (o muriendo, no sé como será para ellos) comienzan a desarrollar un tipo de inteligencia bastante básica, pero que les sirve para comenzar a defenderse.

En otras palabras, los zombies evolucionan y se ponen inteligentes. Comienzan a crear estrategias de ataque contra los humanos y comienzan a desarrollar tipos de armas y a aprovechar elementos caseros como herramientas para matar humanos (oh!... Bin Laden, evolucionaste de la piedra a un avion con un millón de litros de gasolina). De esta manera, al matar humanos utilizando herramientas, su condición innata y natural de morder humanos deja de tener sentido, por lo que se vuelven más sofisticados. Comienzan a pensar y esto es lo más importante: ¡¡Entienden que alguna vez vivieron y tuvieron vidas tal como los humanos que ahora mismo atacan!!...

Esta película es importante para el género zombie, no por la calidad actoral (que es nulo) o por el impacto mediático (que no lo tuvo, dicho sea de paso). Es importante porque Romero se desmarca del resto y propone la idea de que los zombies evolucionan. Y claro, si es tan natural. Aunque el ser zombie está fuera de las leyes de la naturaleza. Y esto es lo que más se rescata. Que con esta película, Romero diga: “A ver… momentito. Están haciendo muchas películas de zombies pero que son todas iguales. Ya, tomen, ahí tienen algo para que piensen y copien en un par de años más”. Y así fue po. El año pasado se estrenó Residen Evil 3, donde salen unos pájaros zombies que evolucionan y piensan, haciendo estrategias de ataque igual que en Land Of Dead.

En general la película me gusta bastante. Pero en realidad porque sé que la hizo George Romero y porque cacho más menos de que tratan sus otras películas. Pero para una persona que no sabe mucho de esto, lo más seguro es que se aburra y no la vea, porque esta película es bastante lenta y hay que digerirla un poco.

Del uno al siete, le pongo un 6.0, esperando a ver qué pasa con “Diary Of Dead” que se estrena este año.

2008-02-21T08:01:00.000-08:00

CLOVERFIELD

Cine B a una escala nunca antes vista.

“Cloverfield” es una película redondita porque no promete mucho en su marketeo. Esto es un gran plus, porque de esta manera, la gente no se arma ningún tipo de expectativa al momento de ver la cinta, lo que trae como consecuencia que las personas no sepan con lo que se van a encontrar, por lo que la sorpresa puede ser mayúscula. “Cloverfield” es una película realizada en formato documental, que a todo esto puede llegar a ser fácilmente el documental con más recursos en la historia del cine. Es una mezcla perfecta entre “The Blair Witch Project” y “Godzilla”. Con “The Blair Witch Project” se parecen por los códigos y por la forma de narración. Ambas simulan ser películas caseras grabadas en primera persona, cuyos protagonistas son víctimas de las circunstancias, que terminan en una situación que jamás esperaron encontrarse. Con ”Godzilla” se parecen por la trama. En ambas podemos ver a New York siendo atacada por un monstruo gigante, que a la vez se trata de neutralizar con un feroz y nunca antes visto ataque del glorioso Ejercito estadounidense (Dios los bendiga por ser tan buenos hombres).

Lo mejor de esta película es que, a pesar de los efectos especiales y de la historia muy fantástica, los protagonistas no importan. Los actores no importan, el monstruo gigante no importa, las explicaciones no importan, en fin. Nada importa, porque por primera vez siento que las actuaciones y la historia poseen un valor mucho mayor que los efectos especiales o que las explicaciones de porqué esto o esto otro que en nada van a mitigar el suspenso. La película hubiese sido distinta si los protagonistas hubiesen sido Will Smith o Angelina Jolie. Y eso se agradece. Que los protagonistas sean personas comunes y corrientes, envueltas en una situación que termina por inquietarte. Al principio la película es bastante común, nada de lo que se muestra te sorprende. Pero después de la hora, la angustia comienza a abrazarte y al final te rindes y dices: OK… Estoy comenzando a sentir lo que sienten los protagonistas y estoy dispuesto a entregarme emocionalmente para cagarme de miedo y tener un paro cardíaco igual que los protagonistas.

Lo entretenido de la cinta es que simula ser documental, pero un documental con muchísimos recursos, ya que los efectos especiales utilizados aquí no son nada de despreciables. En este sentido encuentro que “Cloverfield” tiene un enorme y nada de despreciable parecido con “28 Weeks Later”, ya que en ambas vemos una ciudad en estado de sitio, controlada por el Ejército estadounidense, y en ambas vemos un plan por hacer desaparecer la ciudad completa, como una manera de sacrificar muchas vidas pero asegurándose que de esta manera pueden acabar con el mal mayor. La diferencia entre ambas es que en “28 Weeks Later” te preparan desde el principio para lo que va a pasar más adelante. En cambio en “Cloverfield” no te preparan para nada. Te encuentras con todo de golpe.

Para finalizar, este tipo de películas demuestra que la herida del 11 de Septiembre aún no sana para los gringos. Y el mainstream lo sabe y lo aprovecha. Y al igual que en “La Guerra De Los Mundos” de Steven Spielberg, en “Cloverfield” podemos muchos, pero muchísimos códigos y símbolos muy familiares que nos recuerdan la caída de las Torres Gemelas, como por ejemplo el polvo de cuando caen los edificios, la destrucción de símbolos de New York como el Empire State o la Estatua de la Libertad y los comentarios de la gente que al principio piensan que son víctimas de un atentado terrorista.

Porque no sabía con lo que me iba a encontrar, porque siento que la historia es más importante que los efectos especiales y porque siento que mi visita al cine fue más entretenida que en otras oportunidades (como cierto musical de un director medio dark que no quiero citar o cierta película animada de una familia de piel amarilla que tampoco quiero citar), a esta película le pongo un 6.7. Eso quiere decir, dinero bien gastado.

2008-01-23T06:57:00.000-08:00

LA MÁS CRUEL DE LAS BROMAS...

HEATH LEDGER
(1979 - 2008)

YA ESTÁS EN NUESTROS ÑOÑOS CORAZONES....

2008-01-16T06:09:00.000-08:00

EL "ALIENS V/S. PREDATOR" QUE QUERIAMOS VER REALMENTE.

Se viene Aliens vs Predator 2... A ver si los productores toman esto como referencia....

2008-01-14T04:24:00.001-08:00

EL CAZADOR DE AVENTURAS:

Cuando me preguntan cuál de los cómics trasandinos que he leído me ha gustado más, siempre contesto sin pensarlo dos veces: El Cazador de Aventuras (o también conocido como “El Caza”). Con esta respuesta no quiero decir que “El Caza” sea el mejor cómic argentino de la historia, no. Simplemente quiero decir que es uno de los que más me ha gustado. Obviamente ha habido cómics argentinos mucho más importantes y mucho mejores que “El Caza”. Por ejemplo, “Gilgamesh”, el hombre inmortal. O “Nippur de Lagash”, el solitario aventurero de otras tierras. O “Mi Novia Y Yo”, una excelente comedia, donde se muestra la relación entre un tipo, su novia y su suegro. Y para qué hablar de Mafalda, Patoruzito, etc, etc, etc.

Pero sin negar la importancia y la herencia de todos estos cómics, a mí me gusta “El Caza”, porque precisamente no entra en ninguna de estas categorías. “El Caza” es hijo de nuestra sociedad post-modernista. Es hijo de lo que nos muestran los medios de comunicación todos los días. Es hijo de los colapsos políticos y económicos de Argentina. Es hijo de la violencia, hijo de la ironía, de la irreverencia, del racismo, la xenofobia. Es hijo de la sociedad que heredamos de nuestros padres. Es hijo de todo lo malo que nos rodea. Y a pesar de que toda esta descripción que suena tan fuerte e impactante, el humor sin límites del Caza transforma todos estos conceptos en algo muy chistoso y muy empatico. De pronto te ríes del racismo que presenta el cómic. Te ríes de la desgracia ajena. Y aunque sabes que eso está mal, al final terminas por aceptarlo y te ríes junto al Caza de todo lo incorrecto.

Pero antes que El Caza representara todo lo malo y vil de la sociedad, en sus inicios el personaje poco y nada tenía que ver con El Caza que conocemos hoy. De hecho, el cómic se divide en cuatro etapas, donde podemos apreciar el desarrollo que va teniendo el cómic desde sus inicios hasta las últimas publicaciones que alcanzaron a ver la luz.

ETAPA 1 (1990 – 1991): En 1990, El Cazador ve la luz por primera vez. Creado por Jorge Pereira, quién se encargaba del guión y de los dibujos, El Cazador que nos presentan no tiene nada que ver con el que conocemos hoy. En un principio, el alter ego del Caza era Robert Howard, un científico de la NASA que después de una tragedia en la que muere su familia, se transforma en un superhéroe que lucha contra el mal. Su traje era similar al del Capitán América: tenía una estrella en la frente y el tipo de narración de los cómics tenía una clara influencia al cómic estadounidense que se hacía en esa época. Claramente Frank Miller y su obra “The Dark Night Returns” era una de las influencias más reconocibles en el cómic. Su primera aparición fue en un fanzine llamado “Arkham”, y luego comenzó a editarse en otras publicaciones como “Reo” y “Cómic Magazine”. Finalmente, el creador decide que era la oportunidad de sacar a la venta un cómic totalmente dedicado al personaje.

ETAPA 2 (1992 – 1994): Publicado por Ediciones La Urraca, en este período el Cazador comienza a tener los primeros cambios. La estrella que tenía en su frente desaparece, dando paso a una cruz invertida, un claro símbolo del satanismo. Comienza a verse que el personaje se adorna con medallas con forma de la Cruz de Hierro, símbolo máximo con el que condecoraban a los héroes de guerra nazis en la Segunda Guerra Mundial. Además, el cambio más fuerte es que el personaje ya no es Robert Howard, si no que de la noche a la mañana el personaje es argentino, lleno de modismos y acentos de ese país, sin que se explicara nada al respecto. Comienzan a introducirse los primeros conceptos que lo hacen conocido, como por ejemplo referencias al rock (de pronto las paredes se ven rayados con graffitis alusivos a bandas de rock de la época), referencias al cine B (comienzan a aparecer zombies en algunos números), referencias a la TV argentina (sale el Caza pegándole a personajes que tienen extraña similitud con Tinelli) y referencias al sexo, fútbol y al racismo (salen muros rayados con la esvástica nazi). Poco a poco el personaje comienza a ponerse irreverente, grosero y estúpido. Los cómics aún se mantienen en blanco y negro y la periodicidad es bien inestable. Esto no juega tanto en contra, porque los creadores se ríen de ellos mismos y siempre ponen bromas al respecto. Jorge comienza a hacerse acompañar de otros artistas como Ariel Olivetti, Claudio Ramírez y Mauro Cascioli. Finalmente la serie termina en 1994, pero al contrario de lo que uno podría pensar, la serie no concluye aquí.

ETAPA 3 (1995 – 1999): Y aquí comienza mi etapa favorita del Caza. Llega al máximo desarrollo (o decadencia, depende de cómo se le quiera mirar). En esta etapa el Cazador toca fondo, donde cada número se supera a sí mismo y donde nunca se podría llegar a pensar que el cómic llegara a tal nivel de decadencia. Lo más espectacular es la calidad del cómic, ya que comienza a editarse en papel couché y pintado digitalmente. Mientras la DC y la Marvel trataban de hacer lo mismo en Estados Unidos para contrarrestar a la avalancha que tenían como competencia llamada Image, en la misma época, en Argentina, existía un cómic que en calidad de edición estaba par a par con la Image, en incluso mejor. La edición era de lujo, y esto era un mérito para un cómic medianamente conocido, mientras que en Estados Unidos dos grandes como la DC y la Marvel se quebraban la cabeza tratando de aprender de la tecnología de aquélla época. En esta etapa, el Cazador sigue con su cruz invertida, pero ya no tiene ninguna causa por la cual luchar. El persona se va tornando en cada número más estúpido, llegando a un punto en que el personaje no piensa, sólo reacciona. Todo lo hace a través de golpes y claramente se ve que el personaje no piensa para nada. En esta etapa todo está patas pa´rriba, porque todo se mezcla. Ahora las bromas son sin piedad y nadie se salva: Políticos, superhéroes, futbolistas, en fin, todo el mundo es víctima de la irreverencia del cómic. A Maradona se le muestra como un drogadicto cuyas hijas, que no superan los 6 años, salen tomando ron y jalando coca. A Walt Disney se le muestra como un zombie que revive de su criogenización para matar y comer niños. A Menem lo muestran como un inútil completo. De hecho, varios números fueron censurados en su época, llegando a tal punto que a veces los propios editores decidían ponerles una bolsita que decía censurado y advertía que el cómic era para mayores de 18 años. Los dibujos dejan de ser realistas y cada vez son más caricaturizados. El personaje en cada número se va volviendo más torpe y con esto van aumentando las ventas del cómic, llegando a personas que no eran usuales lectores de cómics. Al final de la serie, El Caza ya no se trata de nada, simplemente se trata de reírse de la TV y la farándula trasandina. Y de aquí sale la pregunta típica: Las ventas aumentaron cuando el cómic se volvió estúpido. Esto quiere decir que ¿La gente rescata lo decadente del cómic? ¿O sea que no existe una apreciación o valorización real del Noveno Arte en las personas?. Finalmente la serie se desgasta y deja de editarse en 1999.

ETAPA 4 (2000 – 2001): La etapa más pobre del Caza. Volvió prometiendo novedades, pero la renovación no se nota por ningún lado. Es más de lo mismo y el personaje va cayendo más al fondo. Ahora comienzan a salir nuevos personajes presionados por la contingencia del momento: Bin Laden y Bush se repiten el plato en muchas páginas. La serie es derechamente FOME y se llega a la conclusión de que lo mejor del personaje ya pasó. Además la devaluación argentina hizo muy difícil la publicación del cómic. La serie se termina de editar sin pena ni gloria, para que finalmente los lectores nos quedemos con la mejor imagen del Caza, aquél la de un tipo irreverente y estúpido, pero a la vez con un discurso y una crítica inteligente a la sociedad argentina, y en general a la sociedad actual.

Que el Caza descanse en paz.

2008-01-07T05:07:00.001-08:00

JAY & THE SILENT BOB STRIKE BACK:

Kevin Smith es un tipo que podría perfectamente entrar en la categoría de ñoño siguiendo la estirpe compuesta por otros de la misma rama como el español Alex De La Iglesia o el chileno Nicolás López. Es un tipo de ideas frescas pero a la vez frikies que de vez en cuando se hace conocido por su trabajo en el cine y en los cómics. De hecho, es un invitado recurrente a las numerosas convenciones de cómics o de cualquier cosa que se desarrolle en Estados Unidos y siempre es un tipo que tiene la última palabra en el circuito del noveno arte. El tipo es tan respetado y conocido en el ambiente de la komida chatarra que numerosas veces ha hecho cameos en películas pochocleras (como en la última película animada de las Tortugas Ninjas, donde hace una breve aparición en un café) o ha protagonizado documentales, como aquél donde sale entrevistando a Stan Lee como por una hora y media, donde ambos salen conversando de la Marvel y de sus personajes.

En el cine, Kevin Smith ha dirigido, escrito y producido películas de tinte seudo-ñoño debido a sus temáticas. Una de sus creaciones es una pareja de amigos que se conocen de muy pequeños llamados Jay y Silent Bob. De hecho, Kevin Smith actúa como Bob, un tipo de muy bajo perfil que no habla nada pero que sin embargo lo dice todo a través de sus gestos, respaldando en todo lo que dice su garabatero amigo Jay, un tipo delgado y alto que vende marihuana y que se dedica a traficar lo que sea. Ambos protagonizan una serie de películas que a la vez están relacionadas entre sí y que juntas componen un universo de personajes compuesto por vendedores de minimarket, dibujantes de cómics, lesbianas, drogadictos, traficantes, etc. En este caso me referiré a una de las películas que componen este bizarro pero simpático universo llamado “Jay & The Silent Bob Strike Back”.

La historia es básicamente la siguiente: Jay y Bob (los protagonistas) tiene un amigo en común que se dedica a escribir y dibujar cómics llamado Holden (personaje caracterizado en muchas películas por Ben Affleck, lo que le da una coherencia respetable a todas las cintas). Este tipo crea un cómic llamado “Bluntman & Chronic” inspirado justamente en Jay & Bob y que edita de manera independiente, junto con otro tipo llamado Banky, que es el hazmerreír de todo el mundo, porque es el entintador de estos cómics, y digo que es el hazmerreír porque todo el mundo lo molesta porque prácticamente su función es calcar los trazos de Holden, o sea, no tiene ninguna influencia creativa ni ningún control sobre los personajes, en otras palabras, le besa el culo a Holden… jajajaa. (esta relación se ve reflejada en la película “Persiguiendo a Amy”, otra película ambientada en el mismo universo pero protagonizada esta vez justamente por esta dupla que son Holden & Bunky).

La cosa es que un día, Jay & Bob se enteran, a través de Bunky, que el cómic Bluntman & Chronic, el mismo cómic inspirado en ellos, fue comprado por la Miramax (y la citan textual, lo que yo creo que es una especie de chiste interno que no entiendo) y que será filmada y comercializada en todo el mundo. Esto irrita a Jay & Bob, porque ambos quieren parte de las ganancias, mal que mal ellos inspiraron el cómic. Curiosamente, Bunky les dice que la persona que vendió los derechos del cómic fue Holden, el dibujante y guionista (y que curiosamente, sospeché desde el principio que lo dijo sólo para joder a Holden, ya que le gusta hacerle la vida imposible, como queda demostrado en “persiguiendo a Amy”), por lo que la pareja lo visita para aclarar lo que sucede. Sin embargo, Holden les dice que el verdadero gestor de todo es Bunky (era que no), por lo que al no tener una respuesta clara, Jay & Bob deciden viajar hasta Hollywood para exigir parte de su dinero de la película.

De esta manera comienzan un viaje… no, una ODISEA para llegar a Hollywood, ya que en el camino pasan muchas cosas hilarantes como por ejemplo, se ve un intento de sexo oral a una monja o Scobby Doo con Shagy fumando marihuana, o parodias y citas frkies a otras películas como Star Wars, El Fugitivo, El Planeta de los Simios, ET, Batman, etc, etc. En este viaje hacen cameos una cantidad nada de despreciable de actores, considerando que es una película de culto, como por ejemplo Ben Affleck (que sale haciendo doble papel, uno como su personaje Holden y más adelante sale interpretándose a sí mismo como Ben Affleck), Matt Damon, Will Ferrel (The Anchorman), Carrie Fisher (Princesa Leia en Star Wars), Mark Hamill (Luke Skywalker, también de Star Wars), Chris Rock (Letal Weapon 4), Sean William Scott (Dukes Of Hazzard), Jason Biggs (American Pie), James Van Der Beek (Dawson´s Creeks), e incluso salen directores haciendo cameos como por ejemplo Wes Craven (un director de películas de terror) y Gus Van Sant (el principal exponente de que la generación Y sea alcohólica, violenta y sin rumbo).

La película es muy entretenida, hace reír, pero sólo es recomendable para ñoños, por que está inundada de datos frikies que no todo el mundo entendería, además que los personajes son el tipo de amigos con los que sales los fines de semanas pero que jamás dejaría que tus padres conocieran porque si no se espantan y les da un soponcio… jajajaa, ya que son muy estúpidos y subidos de tono. En general está muy bien dirigida, es ágil y no aburre para nada. De hecho, es tan ágil que a veces llega a marear.

Del uno al siete le pongo un siete… Pero sólo recomendable para aquellos que hacen de la cultura pop su estilo de vida.

2007-12-29T15:31:00.001-08:00

LA NOTICIA ÑOÑA DEL DÍA:

¿Quién me explica esto?.

2007-12-06T13:25:00.000-08:00

PRONTO:
LOMASKATE.

2007-11-30T04:31:00.000-08:00

NIGHT OF LIVING DEAD:

Esta vez, si me lo permiten, me referiré a una de mis corrientes cinematográficas favoritas del cine: el género de horror, o de zombies, para ser más específico. Íntimamente ligado al cine B (o cine Z, según otros), las películas de zombies han llegado a crear escuela desde su primera cinta realizada en 1968, por un desconocido y joven director llamado George Romero. La película a la que me refiero es “Night Of The Living Dead”, una verdadera obra maestra del cine, ya que plantaría las bases de todo lo que se haría a futuro, ya sea en los clichés como en los efectos especiales o en la dirección. Por primera vez se mostraba, y en blanco y negro más encima (muy terrorífico), a unos muertos que volvían de sus tumbas para alimentarse de cerebros y de carne fresca. En aquélla época, la persona que iba al cine debía tener nervios de acero para soportar dos horas de entretención apocalíptica y vetada por la Iglesia y la religión cristiana en general.

Tuvieron que pasar 40 años para que este género se hiciera más o menos rentable para las masas y el mainstream, hasta que finalmente a principios del siglo XXI se estrenaran películas de zombies en cines donde antes jamás se pensaría que las pasarían, y curiosamente fueron películas inspiradas nuevamente en obras realizadas por George Romero. Y cuando recién el mainstream se daba cuenta de la mina de oro que tenían en sus manos, el mismo George Romero se les escapaba y quedaba a años luz de su influencia, cuando estrena más o menos por la misma fecha “Land OF The Dead”, película donde plantea, además de una crítica muy directa al gobierno de Bush y a su política exterior (haciendo una analogía bastante lógica por lo demás), que los zombies evolucionan y comienzan a generar conciencia y a tener discernimiento, concepto que seguramente el cine comercial hollywoodense tardará otros cuarenta años en tratarlo en sus películas.

El asunto es que entre estos dos puntos, separados por cuarenta años de historia, hubo un punto intermedio. Y ese punto intermedio (es mi opinión personal) fue en 1990, con la realización de un remake de “Night Of The Living Dead”. Y digo que es intermedio porque, en esta película participan personas de la vieja escuela del género del horror y personas de la nueva escuela. Y digo que es intermedio también, porque por primera vez hay una inversión, hecha en serio, por una de las compañías de cine grandes como es la Columbia Pictures, por lo que por primera vez podemos apreciar una película de este género realizada en alta resolución y calidad. Esta película fue producida por George Romero (la vieja escuela), el mismo que dirigió la primera película original, pero esta vez el remake fue dirigido por Tom Savini (la nueva escuela), un experto en efectos especiales que ha hecho la mayoría de los efectos que hemos visto en las películas de terror. O sea, el tipo es un maestro de culto, acompañando a un Dios como lo es George Romero.

La trama de la película es exactamente igual a la original (de hecho, la secuencia con la que empieza la cinta es pero igual igual), pero lo único que cambia es el final. Vemos a un mundo asediado por zombies desde el primer minuto de la película, y si uno es amante del género, te metes en la trama y te vas interiorizando tanto que terminas por contagiarte con el clima realmente apocalíptico que abunda en la cinta. La protagonista es una actriz llamada Patricia Tallman, que me gustó bastante porque tiene un bajo perfil, y eso va acorde con la intención de la película que es hacerla más real y más autentica. Si hubieran puesto a una musa típica del cine B o de terror, de grandes senos y con analogías sexuales sadomasoquistas, la cosa no hubiera funcionado. Tony Todd, un conocido en el ambiente del terror y del suspenso (el que hacía el papel de Candyman, y que una vez salió en un capítulo de X-Files, incluso en The Rock, con Cage y Connery) actúa de manera magistral, haciendo el papel de un tipo de raza negra, que siendo un discriminado pasa a ser discriminador, al tener que enfrentarse con zombies. Para él no le es difícil sobrevivir en un mundo así, porque si ya tuvo que vivir en un mundo dominado por gente de raza blanca, no debe ser muy complicado sobrevivir en un mundo de zombies, que en teoría son más lerdos que los blancos… en teoría.

El asunto es que la película plantea que los seres humanos no somos tan distintos de los zombies. Como especie somos tan sádicos como ellos, o peor. Y esto se demuestra en una parte de la película que es cuando los seres vivos comienzan a contraatacar y a eliminar a los zombies. De hecho, los comienzan a cazar vivos y los comienzan a encadenar y a torturar. Incluso hay una escena en la que los seres vivos encierran a dos zombies y los empiezan a hacer pelear, en lo que la protagonista, mirando a un horizonte llenos de sauces con zombies ahorcados, reflexiona diciendo: - ¿Quiénes son realmente los verdaderos monstruos?... ¿Los seres humanos?... ¿O los muertos vivientes?. Snif!... esta niña me hace llorar… jajajaa…

En fin, más que interesante película que toda persona amante del cine debe ver aunque sea por cultura general aunque recomiendo ver antes la primera para que se hagan una idea del contexto general). Del uno al siete le pongo un 6.8.

2007-11-20T10:51:00.000-08:00

RAMILLETE DE FLORES ÑOÑAS EN LOS SIMPSON´S:

Para aquellos ñoños que ya nos desilusionamos definitivamente de Los Simpson´s y que ya no vemos las temporadas actuales ya sea por lo fomes que son o por el cambio de las voces en el doblaje, les anuncio que aún queda una cosa por ver, antes de abandonar definitivamente nuestra esperanza por ver una ver una mejor serie.

En Estados Unidos se estrenó el pasado 18 de Noviembre un capítulo donde podemos ver a tres de los autores más importantes del cómic underground, y por ende, del cómic en general (no olvidemos que el mainstream no se demora nada en rescatar a estos tipos desconocidos para hacerlos famosos y facturar millones de dólares). Los tres autores a los que me refiero son ALAN MOORE (uf... una masa, escritor y co-creador de "Killing Joke", "Promethea", "Watchmen", "V For Vendetta", etc, etc, etc), ART SPIEGELMAN (creador de la novela gráfica "Maus") y DANIEL CLOWES (creador de "Ghost World", cómic que tendría una adaptación al cine teniendo como una de las protagonistas a Scarlett Johanssen, cuando aún no era considerada la mujer más sexy del mundo... patrañas de rankings).

En este capítulo; además de hacer muy chistosa referencia al odio que Alan Moore le tiene al mainstream, donde Moore se ríe de sí mismo; también vemos a los tres autores haciendole frente al gordo que vende cómics...

De todas maneras, este capítulo no quiere decir que la serie mejore en algo.

2007-11-19T07:22:00.001-08:00

KRAZY KAT:

Ha habido veces en que analistas, críticos y pensadores han planteado que el cómic, como arte, es una corriente menor y que no tiene mucha importancia e influencia en la cultura. Desde su punta de vista, está bien… dejemos a estos intelectualillos desarrollar teorías discutibles. Pero si algún día nos aburrimos de ellos y nos retan a un duelo para demostrar que el noveno arte sí es una corriente de mucho valor, yo creo que escogería a dos cómics para tirarlos al ring a pelear con estos miserables. Uno de ellos sería “Little Nemo In The Slumberland” y el otro sería, pero lejos, “Krazy Kat”.

“Krazy Kat” es un cómic totalmente surrealista, donde las viñetas nunca se repiten. Es decir, que si en un cuadro sale una casa y un árbol, en la otra viñeta el árbol desaparece y sale un río con un árbol, a pesar de contextualizarlo en el mismo lugar físico. Y es que la principal fortaleza de este cómic es precisamente el surrealismo. Los diálogos poseen una riqueza literaria que sólo se aprecia en su idioma. Porque el creador hace mucho juegos de palabras y transforma la fonética de tal forma que quedan diálogos sarcásticos e irónicos. Es por esto que a “Krazy Kat” hay que disfrutarlo en su idioma inglés original, porque al tratar de traducir los textos, es muy complicado poder mantener la gracia y la astucia de los diálogos.

El creador de este cómic se llamó George Herriman, y la primera aparición de los protagonistas de “Krazy Kat” ocurrió en 1910, y paradójicamente esta aparición se dio en otro cómic. En 1910, Herriman trabajaba para el New York Times haciendo una tira llamada “The Family Upstairs”, donde una familia hacía de las suyas. A medida que pasaban los números, a Herriman se le ocurrió poner bajo las tablas de la casa donde vivía la familia protagonista de esta tira a un ratón con un gato, quiénes tenían diálogos que no tenían nada que ver con la historia. Estos diálogos fueron las primeras muestras de los diálogos que se darían después. Y a medida que iban pasando los números, este ratoncito y este gatito que estaban bajo la casa comenzaron a tener mayor protagonismo, llegando a tener tanta popularidad que Herriman finalmente decidió sacarlos definitivamente de esa tira y crearles una propia. Desde entonces la tira agarró vuelo y llegó a tener tanta importancia que comenzaron a publicarse tomos recopilatorios, e incluso, unos cortos animados en 1916. El cómic termina de editarse en 1944, debido al fallecimiento de Herriman, quién obviamente era el alma del cómic. Nunca nadie ha vuelto a tomar el cómic para continuarlo porque la riqueza de los diálogos y los textos solamente podía salir de la mente de su propio creador.

Los protagonistas de este cómic son un gato llamado Krazy y un ratón llamado Kat… jajaja, nah, mentira. El ratón se llama Ignatz Mouse. También hay un perro policía llamado Offisa Pupo (ahí hay un ejemplo del juego de palabra que les comentaba recién, ya que el nombre del perro es un derivado de “officer”, que es oficial, y “pup”, que es mascota). Las historias consistían en que el gato seguía al ratón y el perro seguía al gato. Hasta ahí todo bien, no es nada que sobresalga a lo que se hacía en esa época. Sin embargo, aquí es donde empieza todo lo surrealista del cuento. Resulta que Ignatz (el ratón) siempre tiene un ladrillo a mano. Y siempre que puede, le tira un ladrillo a la cabeza a Krazy (el gato) y lo deja pa´la cagá. Sin embargo, y a pesar de los golpes que recibe Krazy, el gato siente un apego a Ignatz que raya en lo psicópata. Más encima, Krazy es asexuado, por lo que si nos ponemos a analizar la relación entre ambos, podemos llegar a la conclusión de que el gato es un homosexual que tiene una obsesión maniática por el ratón. El ratón es hombrecito, sin embargo siempre quiere llamar la atención del gato, porque le tira ladrillos como una manera de atraerlo. Krazy, obviamente, siente un amor no correspondido y sadomasoquista al querer recibir siempre los ladrillazos de Ignatz.

Ofissa Pup (el perro policía) siempre quiere proteger a Krazy de Ignatz. O sea, a diferencia de series como Tom & Jerry, donde el perro persigue al gato, aquí el perro persigue al ratón, porque no le gusta que Ignatz abuse de Krazy de esa manera. Es por eso que siempre busca detener a Ignatz de alguna manera. Esta relación nos hace pensar que… ¿Offisa Pup anda prendido de Krazy?... jajaja… bueno, todo muy raro. Imagínense que en 1910 este tipo de tiras llamaba la atención. El tipo de relación que se da es muy loco. Esto, sumado a los diálogos y textos que eran juegos de palabras, y sumado además a los cuadros que nunca son iguales, nos da como resultado un cómic muy surrealista y respetado hasta el día de hoy.

Krazy Kat fue uno de los primeros cómics que llamaron la atención de intelectuales de Estados Unidos y de Europa. Fue además unos de los primeros en dar el salto de una trama cómica a un contenido surrealista y onírico. Además posee el respeto y admiración de muchos artistas, como Bill Watterson, creador de Calvin & Hobbes.

Krazy Kat es un cómic recomendable sólo para personas que de alguna forma ya llevan un tiempo leyendo cómics, ya que una persona común y corriente no va a entender un carajo de que se trata el cómic. Del 1 al 7, termino por condecorarlo con un 7.0… y con honores.

Los tres primeros videos corresponden a los cortometrajes animados producidos en 1916.

Y este video corresponde a la serie producida en 1931, o sea, quince años después. Como pueden apreciar, en esta serie se nota demasiado la influencia de las animaciones de Walt Disney, y el concepto principal de Krazy Kat se va a las pailas, dando paso a un gato más tierno y más infantil.

2007-11-12T07:51:00.001-08:00

TRANSFORMERS:

Cuando años atrás supe que se iba a hacer una película sobre los Transformers, una sensación de indiferencia me invadió totalmente. Lo que pasa es que nunca fui un fan de esos robots. De hecho, los odiaba un poco y mi único acercamiento a ellos fue por las “Beast Wars” que daban en el HBO hacen como diez años atrás. Y aunque esa serie era de animales en vez de autos, los verdaderos Transformers nunca me llegaron mucho porque, además de no tener mucha memoria de lo que pasaba en los 80´s (era muy niño en esa época), las tuercas nunca fueron de mi interés. Si me preguntan la diferencia entre un auto y una camioneta, yo respondo: “emmm… que una tiene un nombre diferente a la otra”… cuak!!!. El asunto es que la película nunca la fui a ver al cine, botaba todos los posters que me llegaban a la casa con la revista del cable y cada vez que mostraban el trailer en la tv la cambiaba de canal. Hasta que llegó a mis manos en DVD… Sin mucha expectativa puse el disco en el reproductor y me dejé llevar por dos horas y media de komidachatarra que finalmente terminaron por entretenerme bastante. Sin embargo… emmm…

A ver. Hay que considerar que nada consistente se puede sacar de esta serie. O sea, la idea de que unos aliens lleguen a la Tierra a transformarse en autos es un poco incoherente y bastante rayado. Pero me fue fácil dejar ese prejuicio de lado, porque de todas las cosas que leo y veo, resulta que la mayor parte de ellas ¡¡SON INCOHERENTES Y RAYADAS!!... es cosa de ver este blog. Así que dicho esto, me tiré al sillón y prendí los woofers de mi pieza para hacerla estallar con los efectos especiales y la música. Y debo reconocer que me entretuve bastante, sobre todo en las primeras dos horas de película, ya que la media hora final es un poco agotador.

La película trata de una lucha que hay entre dos bandos llamados Autobots y Decepticons. Los primeros son los “buenos” y los segundos son los “malos”. Esta premisa, bastante básica por lo demás, es primordial al momento de las peleas, porque los Autobots buscan destruir El Cubo, una fuente de poder tan grande que puede destruir todo el Universo, al contrario de los Decepticons que buscan el El Cubo para adueñarse del Universo. En medio de esta pelea de perros huachos se encuentra Sam Witwicky, un tipo cuyo abuelo es la clave para encontrar EL Cubo, que se encuntra perdida en algún lugar de La Tierra. Es por esto que ambos bandos llegan a nuestro planeta, porque ambos saben que ese Cubo se encuentra acá y el primero que lo halle será el vencedor.

La historia es bastante simplona y forzada. Pero esto no importa, porque la gente no ve la película por su historia, si no que por sus efectos. El director Michael Bay termina por confirmar su estilo de dirección, que es apoteosica y llena de simbolismos, lo que visualmente es agradable, pero corriendo el riesgo de dejar el contenido de lado. La producción es buena, porque claro… Spielberg está a cargo. No creo que pueda escribir mucho sobre esto, porque ya se ha dicho todo sobre Steven. Las actuaciones, que no son grandes interpretaciones, están en la media, lo que la salva de ser una película de cine B. Shia Labeouf, quién hace el papel de Sam, fue un descubrimiento. Me reí bastante con las estupideces que balbuceaba en cada momento, y también debo reconocer que me entretuve bastante con la niña esta llamada Megan Fox, quién hizo la escena del capó de la que todos hablan, pero que sinceramente no encuentro una escena así como para babearse. Pero sí para distraerse un rato. También sale el suegro de Brad Pitt y padre de Angelina Jolie, John Voight, quién hace el papel del Secretario de Defensa de los Estados Unidos, y salen muchos personajes más que ni vale la pena nombrarlos porque pasan desapercibidos, ya que insisto… ¡¡¡LOS EFECTOS ESPECIALES SON LOS VERDADEROS PROTAGONISTAS!!...

La película me entretuvo, pero debo reconocer que me agotó un poco. Yo, como no sé mucho de Transformers, no sabía diferenciar entre Autobots y Decepticons, así que en la media hora final, en la gran pelea, no entendía un carajo porque como no sabía quién era quién, lo único que veía era explosiones y robots volando. Así que estaba bastante confundido, y el esfuerzo que hacía por diferenciar quién era quién me agotaba y terminaba pidiendo que terminara la película luego. Sin embargo, igual la secuencia fue un golazo de media cancha por la calidad de los efectos.

Del uno al siete, le pongo unnn… 6.5. Sólo por los efectos especiales… una vez más… Ah!.. y por la dirección y producción que está más que respetable. Si el 7 no lo tuvo quizás fue por el guión forzado.

2007-11-08T04:19:00.001-08:00

LO IMPORTANTE EN LA VIDA ES SER SUUUUUUUUPER ORIGINAL:

No sé ustedes, pero a veces me parece ver repetidas algunas cosas en la vida. Quién sabe... puede que hasta este mismísimo post se haya repetido por ahí también.

2007-11-06T04:20:00.000-08:00

THE DEATH OF SUPERMAN:

Hace poco tiempo atrás salió en Estados Unidos, y en DVD, la película “The Death Of Superman”. La trama de esta cinta animada (que sigue un poco la línea gráfica que Bruce Timm diseñó para los personajes de “Batman: The Animated Series”, en 1992) está basada en la serie de cómics books editados y salidos bajo el sello de la DC hace quince años atrás. Y como esta película está en boca de todos (por lo menos en boca de ñoños), quise retomar un poco la fuente de inspiración de esta película de la Warner Bros.

Cuenta la leyenda que en una reunión del staff de la DC Cómics, por allá por 1992, Mike Carlin, editor en aquella época de los 4 cómics books de Superman, junto con sus dibujantes y guionistas subordinados respectivos, decidieron tomar una decisión que cambiaría la historia de los cómics para siempre. En un intento por tratar de subir las ventas de sus ediciones (debido a la fuerte irrupción de la Image con su caballito de batalla que era Spawn) llegaron a un consenso que alteraría la normalidad en la vida del superhéroe por excelencia. El Hombre de Acero, hasta entonces invencible e icono del estilo de vida estadounidense, sería asesinado a manos de un personaje llamado Doomsday.

La idea era una bomba. Matar al personaje de cómics más importante de la historia era una decisión osada que atraería no sólo la atención de los comiqueros si no que de la comunidad en general. Era el momento de coronar una continuidad argumental excepcional, donde las historias eran muy entretenidas (cuyas historias además los lectores pudimos leer cuando niños con las ediciones argentinas de la Perfil y las españolas de la Zinco), pero que lamentablemente las ventas no eran exorbitantes como sí lo eran los cómics de Batman, o de las competencias Image o Marvel. A partir de Octubre de ese año ´92, todo el universo DC giraría en torno a lo que sucedía en la vida de Clark Kent/Superman, al igual que en sagas cósmicas como “Crisis In The Infinite Earths” o “Millenium”. Pero a diferencia de esas series, esta no se centraba en personajes ínter dimensionales poderosísimos, si no que sólo se centraba en un superhéroe singular, que a pesar de sus poderes, no influía en el cosmos DC más allá de sus acciones terrenales.

Las series involucradas en esta saga serían: “Superman”, que en ese tiempo estaba escrita y dibujada por un siempre correcto Dan Jurgens; “Adventures Of Superman”, a cargo de un clásico Jerry Ordway y Tom Grumett; “Action Cómics”, la revista más antigua que existe en el mercado que en ese año estaba a cargo de Roger Stern, Bob McLeold y Jackson Guice; y “Superman: The Man Of Steel”, escrita por Louise Simonson y un excelente dibujante (no del gusto de todos) Jon Bogdanove, quién se hiciera conocido por dibujar notablemente a un oscuro Batman (uno de los mejores según mi humilde punto de vista) y que dibujaba a un Superman muy extraño, ya que su estilo de dibujo lo cambió cuando pasó de una serie a otra, quizás para que no lo relacionaran con el hombre murciélago. Estos nombres pasaron a la historia por escribir y dibujar la muerte de Superman, muerte que comenzaría en “Superman: The Man Of Steel” # 70, cuando hace su primera aparición Doomsday, el verdugo del Hombre de Acero.

Todo comienza con la fuga de Doomsday de una prisión. Sin saber el origen de este personaje (aunque después se explicaría un origen bastante extraño), Doomsday comienza a buscar a Superman para asesinarlo, sin motivo o razón aparente. En su camino deja una estela de destrucción pocas veces vista, llegando incluso a encontrarse con la Justice League (pero la Liga payasa, aquella de Maxwell Lord). Después de derrotar a la Liga (donde Booster Gold bautiza a la bestia como Doomsday al pronunciar la frase “It´s Like Doomsday Is Here”, que significa: “Es como si llegara el Juicio Final”), este monstruo desconocido llega a Metrópolis para enfrentar a Superman. Los dos comienzan una pelea que duraría tres números (Adventures Of Superman # 497, Action Cómics # 684 y Superman: The Man Of Steel # 19), terminando finalmente con la derrota de Doomsday (Superman # 75) pero con un costo demasiado alto: La muerte de Superman. El Hombre de Acero se tuvo que sacrificar para que Doomsday terminara derrotado.

Este triste pero a la vez célebre número fue uno de los más vendidos en la historia, llegando a tener numerosas reediciones alcanzando una cifra de ¡¡¡Seis millones de copias vendidas!!!... Además, los medios de comunicación, que inflaban mucho todo esto, hicieron que muchas personas que nunca tomaron un cómic, compraran este número, transformándose en un verdadero golpe mediático y de merchandising. De hecho, muchas publicaciones dedicaban artículos enteros a este hecho, tratando de analizar semióticamente esta muerte y buscándole algún significado más profundo, casi como que eso reflejaba el colapso del estilo de vida estadounidense.

Después de “Death Of Superman”, llegarían las continuaciones, siendo todas muy buenas… excelentísimas, de hecho, creo que la DC nunca volverá a igualar la calidad tanto argumental como artística de aquella época, ya que pusieron la vara muy alta con “Funeral For A Friend” (donde vemos al Universo DC de luto por la muerte de Superman), “The Return Of Superman?” (donde vemos la relación post-mortem de Clark con su padre terrestre Jonathan Kent) y la guinda de la torta, la serie que vendría a coronar con espinas esta saga única en la historia, “The Reign Of The Supermen”, donde cuatro supermanes llegan a Metrópolis diciendo ser el verdadero Superman. Esta serie es la mejor de todas (incluso superando a la muerte del Hombre del Mañana), y de hecho, trataré de dedicarle algún artículo más adelante, porque de esta serie saldrían Parallax, el nuevo Green Lantern, Steel, el nuevo Superboy y muchos personajes más, serie que desembocaría más tarde en la “Zero Hour”.

Por lo entretenida que es, por la importancia y por las personas que participaron en ella, a esta Muerte de SUPERMAN le pongo un 6.3… Si tienes suerte, el libro lo podrás encontrar carreteado y todo por 20 lucas, libro que cuando recién salió no costaba mas de $ 1.500…

LA SINOPSIS CORRESPONDE AL FILM ANIMADO, Y POSEE ALGUNAS DIFERENCIAS CON EL CÓMIC.

2007-10-31T09:28:00.000-07:00

FEAR AND LOATHING IN LAS VEGAS:

Terry Gilliam es un director que para la escena hollywoodense es demasiado indie. Una vez dirigió “12 Monkeys” (12 Monos), una película que en lo personal me gusta muchísimo porque nos muestra un futuro decadente y apocalíptico pero realizado con muy pocos recursos. Aparte que sus trabajos son como las típicas películas que en taquilla no pasa nada, pero al tiempo se vuelven de culto y terminan por quedar inscritas en la historia de la cinematografía. Me gusta mucho su planteamiento sobre la decadencia del ser humano, presente en todas sus películas (incluyendo “Brazil”) y técnicamente maneja los planos muy locos. Enfatiza los primeros planos pero con la cámara volteada, comunicando una enfermedad mental en sus personajes que al final terminan por identificarnos plenamente. Este señor Gilliam fue el responsable de realizar una de las mejores películas de la historia, descendiente directo del periodismo gonzo y de guerrilla. Me refiero a “Fear and Loathing In Las Vegas”, una película que transforma a la decadencia y a la anarquía visual en una belleza sinfónica sin parangón.

“Fear And Loathing In Las Vegas” es una película basada en una novela del mismo nombre escrita por el escritor Hunter Thompson, un periodista creador de la corriente literaria llamada “gonzo”, donde el leitmotiv de todo trabajo es el caos y las drogas. El libro está basado en hechos reales, y trata sobre un viaje que realiza Thompson (bajo el seudónimo de Raoul Duke) a Las Vegas, para escribir un artículo sobre el sueño americano. Viaja acompañado de su abogado Oscar Zeta Acosta (bajo el seudónimo de Dr. Gonzo), la única persona que puede equilibrar la locura de Thompson. Juntos pasan por una odisea surrealista lleno de drogas y abusos de sustancias ilegales. Originalmente el libro salió en dos capítulos publicados con la revista “Rolling Stones” en 1971, libro que no tarda en ser destacado por todos los medios especializados. 27 años después, en 1998, Gilliam realizaría su versión cinematográfica, llegando a ser más conocido que el libro debido a las actuaciones de Johnny Deep, Benicio Del Toro y Cristina Ricci, entre otros.

En la película vemos a un impecable, pero I M P E C A B L E Johnny Deep haciendo el papel de Duke, acompañado de un sublime, pero S U B L I M E Benicio Del Toro haciendo el papel de su abogado Dr. Gonzo. Juntos viajan en una camioneta a Las Vegas sólo acompañados de un maletín lleno de marihuana, éter, morfina, cervezas, wisky, peyote, etc, etc, etc. O sea, un coctail de sustancias que nadie sería capaz de aguantar. Una vez que llegan a Las Vegas comienzan una travesía NOTABLE, donde las drogas surten efectos como por tres días. Gilliam utiliza planos y una gama de colores para describir la locura reinante en Las Vegas de una manera única. Las aventuras por las que pasan los protagonistas son para reírse a destajo, pero a la vez no sabes si reírte o sentir lástima por ellos. Una vez que están drogados, comienzan a tener visiones, pero creanme que son visiones tan surrealistas, que ni siquiera uno jamás llegaría a imaginarse situaciones donde vemos a un dinosaurio atendiendo un bar con forma de carrusel o a un militar manejando un boggie en una competencia de motocross.

Las voladas que se mandan en la película son geniales y creo que hasta uno mismo queda bien drogado de tan sólo ver las puras imágenes que pasan como por dos horas más menos. Hay planos que a uno lo terminan mareando y te llegan a provocar los mismos síntomas que la más fuerte de las drogas. Desde todo punto de vista, esta película es una oda a las drogas, donde no la condenan, pero tampoco la estimulan. Sin embargo, ves que la pasan tan bien (o mal, no sé… depende del punto de vista) y llegan a ver tanta cosa que a veces te dan ganas de jalarte algo para ver que pasa… jajajaj…

Una película llena de imágenes surrealistas, vómitos y, sobretodo, con muchas, muchísimas cáscaras de naranjas dando vueltas por ahí, “Fear and Loathing In Las Vegas” es una película notable… Si tuviera que ponerle una nota del 1.0 al 7.0, lejos, pero lejos, le pongo un 10… No, qué 10… un 1.000.000.000.-

Un clásico del cine postmodernista… O del anti-cine.

2007-10-28T13:21:00.000-07:00

SONS OF BUTCHER:

Dependiendo del día, pero nunca antes de la 1 de la mañana, en MTV pasan una serie desconocida en nuestras tierras, pero que en Norteamérica está dando que hablar desde hace mucho. Se trata de una serie canadiense que mezcla animación en flash con imágenes reales, que en este caso son los rostros de sus protagonistas: Tres tipos que de día llevan adelante un negocio carnicero y de noche tocan heavy metal. Hace tiempo atrás, al subir una reseña de “Tenacious D”, explicaba que a estas alturas el rock está más que muerto y sepultado. Sin embargo, aún queda un segmento de roqueros románticos que vivieron la etapa de los 80´s y 90´s que consumen todo lo que salga al mercado relacionado con el heavy metal como una forma de mantener vivo ese espíritu rebelde, aunque tengan trabajos de oficina y estén sometidos a un estricto horario de trabajo, junto con todo lo que eso conlleva, entiéndase jefes idiotas, la esposa jodida, el hijo hinchapelotas, etc, etc.

Bueno, “Sons Of Butcher” es una serie dirigida a ese segmento y que mantiene ese espíritu rebelde del rock´n roll, mezclado con un humor sarcástico e irónico, como está de moda hoy en día. Sus protagonistas son tres canadienses llamados Ricky Butcher, Soul Butcher y Doug Butcher que están a cargo de una carnicería ubicada en las afueras de Steeltown, un barrio ubicado en Ontario, pero una vez que terminan su trabajo, se dedican a tocar en una banda de heavy metal. Esta serie es novedosa por el tipo de animación que posee, o por lo menos por la mezcla que hacen, y se nota un trabajo serio y arduo, ya que los rostros que graban son reales y lo mezclan con animación, y para eso deben coordinar los diálogos con la animación de los cuerpos. La temática es bastante simple e invita a desconectarse un rato de la realidad, aunque sea por media hora y a las 2 de la madrugada. El humor es simplista, subido de tono y bastante estúpido, pero es lo que la caracteriza, porque después de todo el rock es así, o no?. Personalmente me río mucho con esta serie, porque escapa un poco a todo lo que he visto antes en animación.

Lo curioso de todo esto, es que los personajes principales y la banda de rock ¡¡EXISTEN EN LA VIDA REAL!!... “Sons Of Butcher” es una banda que en Canadá llevan editados cuatro discos, y es tal su fama (o relativa fama) que decidieron sacar esta serie de animación para apoyar todo el merchandising que hay detrás. De hecho, si uno busca en Google puede encontrar fotos de los tipos reales de carne y hueso. Además, la serie animada va apoyada por un soundtrack de su propia autoría, sacada de sus dos primeros discos. Lo bueno de esta banda, según lo que he podido leer en algunas de sus páginas, es que a pesar de gozar de una relativa fama en Canadá, y en general, en Norteamérica, siguen siendo los mismos de hace años atrás, y no dejan de tocar en lugares chicos como pubs o bares. Es decir, son tipos comunes y corrientes que tratan de llevar una vida lejos de toda la parafernalia que caracteriza a la farándula gringa.

Así que recomendable la serie. Lo bueno es que en MTV la alternan con otras series animadas como South Park o Alejo y Valentina, lo que para algunos nostálgicos como yo nos hace recordar (snif!... que tiempos) aquel, a estas alturas denominada mítico y legendario, espacio denominado MTV Oditties, una sección que daban hacen más de 10 años en el canal de música, por ahí por 1996 o 97, donde daban series como The Head (excelente… el del alien metido en la cabeza de un pendejo), The Maxx (el mejor de todos… un personaje muy onírico con historias surrealistas), Aeon Flux (exquisita… me hacía violar la imaginación hasta que salió esa pobre película con personajes reales, puf!!!, argh!!) y Beavis & Butthead (¿Hay algo más que agregar de esa serie que no se haya dicho antes?).

Del uno al siete, le pongo unnnn….. a ver… un 6.0… si siguen así, pueden llegar a ser de culto y quedar inscritos en la historia de la cultura chatarra para siempre.

2007-10-11T09:20:00.000-07:00

28 WEEKS LATER

“28 Weeks Later” es la segunda parte de una película llamada “28 Days Later” (dirigida por Danny Boyle, el mismo de “Trainspotting”), una película de zombies pero que no se trata de zombies. A ver, la trama es que en Inglaterra comienza a expandirse un virus letal, desconocido hasta ahora y sin cura, donde las personas infectadas tienen una especie de adrenalina elevada al millón, y comienzan a morder personas, infectando de esta manera al resto de la población. En este sentido se puede decir que son zombies porque las personas infectadas tienen un comportamiento errático, pero a la vez no son zombies, porque no son personas muertas que vuelven a la vida y tampoco se alimentan de sesos y carne. En definitiva, son unas weás raras. El asunto es que este virus se propaga por toda Inglaterra, provocando una crisis sanitaria nunca antes vista en la Historia.

Si en la primera película los hechos ocurrían 28 horas después de que se propagara el virus, en la segunda película podemos ver los sucesos que ocurren 28 semanas después de todo esto. Inglaterra ha sido sitiada y se encuentra bajo el control de la OTAN (por lo tanto, de Estados Unidos, obviamente). El virus ha sido controlado y la población británica puede volver a su país bajo un estricto control militar, donde hasta el más pequeño de los alfileres está bajo vigilancia en vista de que el virus puede tener un brote. Para variar, las analogías entre la película y la realidad abundan por doquier (ni mencionar el detalle de Estados Unidos sitiando Inglaterra, o sea, una ex colonia inglesa ahora intercambiando papeles con sus antiguos invasores).

El comienzo de la película es I N F A R T A N T E . Hacía tiempo que no veía un comienzo tan adrenalínico. Intenso y saturado de imágenes de terror, vemos como un grupo de infectados muerde a una mujer que más tarde desarrolla una especie de inmunidad al virus, debido a que, a pesar de haber sido mordida, el virus no tiene ningún efecto sobre ella. Su marido, llamado Don (interpretado por Robert Carlyle, el borracho peleador de Trainspotting, el stripper obrero de “Full Monty” y el líder amado/odiado Hitler, o sea, un actor al que siempre será un agrado ver) sale ileso de este ataque y a las semanas después es recibido por las Fuerzas Armadas estadounidenses, quiénes lo reciben en Londres y le dan una nueva vida. Ante la seguridad que ofrece esta ciudad sitiada, Don pide que sus hijos exiliados vuelvan a Inglaterra a recomenzar sus vidas sin su madre. Sin embargo, después de la llegada de sus hijos, descubren que la madre realmente está viva y la llevan a la ciudad para someterla a exámenes. Grave error, puesto que la ingresan a Londres pasando por seguridad sin que nadie sepa que la inmunidad que esta mujer tiene con el virus no quiere decir necesariamente que no lo llegue a propagar, por lo que comienza un rebrote del virus por toda la ciudad, quedando la cagada misma y usando esto como excusa para comenzar la barbarie donde la sangre, las balas, las muertes y el terror comienzan sin parar desde aquí hasta el final de la película.

Lo bueno de la película es que no es necesario ver la primera para disfrutar de ésta, así que las personas que desconfíen de verla porque a lo mejor no van a entender nada deben confiar que se van a entretener muchísimo. “28 Weeks Later” es dirigida por el español Juan Carlos Fresnadillo (hincha del Real Madrid me tinca, porque en la película el pendejo rubio sale con la camiseta madridista) quién, a diferencia de la primera película, le inyecta una velocidad y una energía increíble. La primera es más lenta porque el director trató de hacer una cinta de autor, pero la segunda es más pochoclera y más intensa. Eso sí, ambas conservan ese ambiente apocalíptico que a veces llega a inquietar. Transmiten esa sensación de que no hay ninguna esperanza por la cual aferrarse a la vida. Además, lo que me agradó de esta cinta es que Fresnadillo le inyecta un aire europeo exquisito, considerando que es una película pensada en proyectarse en Estados Unidos. Y eso se agradece porque, si bien salen estadounidenses en la película, finalmente te queda la sensación de haber visto una película totalmente europea, aunque esté ambientada en Inglaterra. Por eso se agradece la decisión de hacer recaer la dirección en un europeo español. Además, para variar, en la producción está metida Canal + (era que no.. jajajaa).

La música me agradó bastante. No sé cuales son las bandas que participaron, pero a falta de música instrumental, buenas son las bandas brit-pop. En todo caso, no se asusten, suenan brit-pop, pero los acordes son terribles. Hay momentos que la música suena tan apocalíptica que llegas a pensar que sin ella a lo mejor la película no podría llegar a funcionar de la misma manera. El final lo encontré genial (aunque algunos no lo entendieron y otros lo encontraron rebuscado… Por Dios, entiendo a los que lo encontraron rebuscado, pero los que no lo entendieron ¿Qué les pasa? ¿Tienen un maní en el cerebro o qué?... ¿hay que ser más explícito?.. Ufff…). También leí unos rumores que dicen que habrá una tercera parte llamada “28 Months Later”, donde esta vez veremos los sucesos que pasan 28 meses después, pero esta vez la historia se trasladaría a Francia, París específicamente. (Ups, creo que filtré un poco el final de la película)…

En resumen, una película entretenida y mejor que muchas chilenas que andan dando vueltas… PUAAJJJ…

Del uno al siete… le pongo un…. 6.8.

2007-10-08T16:29:00.001-07:00

NO SE USTEDES... PERO ULTIMAMENTE AL HOMBRE ARAÑA LO ESTOY EMPEZANDO A ENCONTRAR MUY EXTRAÑO.

Spiderman 3 fue una decepción tan grande que diría que me entretuve más viendo este video que la peli... Y eso ya es mucho decir.

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2007-09-21T08:57:00.000-07:00

TMNT II: THE SECRET OF OOZE:

Ahora seguimos con la segunda patita. Al año siguiente de que se estrenara la primera película con actores reales de las Tortugas Ninjas, en 1991 vendría una segunda parte. Ahora la producción estaba en manos de profesionales (si se puede decir de alguna manera) ya que Media Asia y otras productoras medias rancias ya no estaban metidas en el baile. Era nada más y nada menos que la 20th. Century Fox la encargada de llevar esta vez a las tortugas a la gran pantalla, junto con New Line Cinema, empresa que por esos años estaba recién empezando a dar sus primeros pasos en la industria cinematográfica. Ahora la película tiene un aire hollywoodense debido a que se notan las lucas que invirtieron en ella, ya que pasaron de ser producidas por unas empresas desconocidas a dos gigantes de la industria estadounidense como lo son la Fox y la New Line Cinema. De hecho, hasta Bart Simpson hace un cameo en la película, cortesía de la Fox. Claro que sale en un vaso, pero un vaso que misteriosamente tiene un primer plano y un acercamiento frontal. Mmmm… como nos querían exponer los de la Fox, eh?. A pesar de que hay mucho dinero para la producción, eso contrasta bastante con la historia. Mucho lujo pero poco contenido. Ya explicaré porqué.

Bueno, la historia: Es la continuación directa de la primera parte. Las tortugas vienen de vencer a Foot, la organización criminal de Shredder, y ahora viven con April en su departamento (esta vez protagonizada por Paige Turco, que a mí por lo menos, me gustó más que la actriz que la representó en la primera parte). Sin embargo, se descubre que Shredder sobrevive al camión de basura (hay que ver la primera para entender) y regresa en gloria y majestad para vengarse de las tortugas. Para esto roba un contenedor de Ooze, un líquido radioactivo que originó la existencia de las Tortugas y de Splinter, y los vierte sobre un lobo y otra tortuga, creando unos fenómenos monstruosos con la intención de hacer desaparecer para siempre a las tortugas. Hace su aparición Keno, un chino reculiao que no aporta en nada a la historia y lo único que hace es entorpecer en todo a las tortugas. Se hecha de menos a Casey Jones, el tipo de la máscara de jockey, que salía en la primera, pero que en la segunda ni si quiera se le nombra y tampoco se explica que pasó con él.

Esta segunda parte conserva elementos de la primera, como las personalidades de las tortugas. Raphael sigue siendo un rebelde y el resto de las tortugas siguen tan dicharacheras como siempre. Sin embargo se insertan cosas que la hacen un poco… emmm… bodrio. Me explico, hay cosas estúpidas que pasan a insultar un poco el intelecto de la persona que ve la cinta. Está bien, es una película de ficción, pero en la primera existía, a pesar de cosas sumamente ficticias e increíbles, un tratamiento de la historia que hacía que la respetaras y la creyeras. Pero claro, será porque esta película está más enfocada a un segmento infantil. Hay escenas para olvidar derechamente como por ejemplo, cuando se baila el rap del ninja, en la disco. Uff… bueno… Como decía, esta segunda parte mantiene elementos de la primera, pero también es un presagio del bodrio que vendría después: Tortugas Ninjas III, un fracaso de taquilla y de guión… donde vemos a las tortugas viajar al Japón de la época de los samuráis. Prefiero no recordarla en realidad, muy mala. De hecho, ni siquiera la voy a comentar en komidachatarra. Así que si ven esta segunda tendrán esa sensación de que ven una película entretenida a ratos, pero un poco latera e inverosímil a veces.

Del uno al siete le pongo un 5,5. Un poco inferior que la primera. Pero más salvable que la tercera.

COWABUNGA!!!

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http://komidachatarra.blogspot.com/2007_04_01_archive.html

2007-09-21T08:34:00.000-07:00

CACHÉ:

Creo que son poquísimas las películas que han generado opiniones tan divididas como lo ha hecho esta película francesa de suspenso y terror psicológico llamada “Caché”. Hay algunos que la consideran una obra de arte, un clásico del cine europeo actual y un referente de la cinematografía francesa. Hay otros que la consideran como un simple capricho del director, una estafa y una innecesaria exposición a la película francesa más aburrida de la historia. Pero algo provoca esta película que de todas formas todos terminan hablando sobre ella igualmente. “Caché” es una película dirigida por Michael Haneke, un director que ha ganado muchos premios con sus trabajos. De hecho, “Caché” ganó premios por Mejor Director, Premio de la Crítica y Premio de Jurado Ecuménico en el Festival de Cannes y también ganó como Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor en el European Film Awards. Haneke fue el director de la película “La Pianiste” (o “La Profesora de Piano”, en castellano), una película donde muestra la vida de una profesora cuarentona que de día trabaja haciendo clases muy estrictas pero en sus ratos libres disfruta de sexo sadomasoquista, cabinas vouyeristas y una serie de experiencias relacionadas con el sexo duro.

Bueno, “Caché” es una película que explora otra faceta del cine: el suspenso. Georges es un periodista muy respetado que tiene un programa de televisión donde hablan de cultura (algo así como “La Belleza Nueva” de Warnken). Es casado con Anne y tienen un hijo llamado Pierrot. Todo comienza a ponerse raro cuando Georges comienza a recibir videos que muestran la fachada de su casa envueltos en dibujos muy extraños. Luego los videos comienzan a ponerse más específicos al mostrar la casa donde se crío Georges. Obviamente el matrimonio se pone muy inquieto ya que se sienten vigilados todo el día, por lo que Georges comienza a investigar, metiéndose en un rompecabezas que jamás llegará a completar. Por lo menos explícitamente.

La película nunca explica claramente quién es el responsable de los videos. Sin embargo, hay detalles que hay que revisar con lupa (como por ejemplo, la secuencia con la que termina la película, donde una cámara estática muestra una salida de colegio) para uno mismo terminar por completar el rompecabezas que el director dejó incompleto. Esto es porque sólo el director sabe el final, pero deja que el espectador también saque sus propias conclusiones. Y es por esto las opiniones tan divididas entre las personas que vieron “Caché”. Algunos consideran este juego del director sublime, pero otros lo consideran una pérdida de tiempo increíble y una excusa para comprar el DVD y pasarse horas sacando el rollo (como yo… cuak!!).

La película está muy bien dirigida, tiene una ausencia total de música (quizás como una especie de declaración de principios del director) y nos muestra una sociedad francesa de tal manera que dan ganas de agarrar las pilchas e irse a vivir a Europa. Como toda película europea, tiene un aire y un gustillo exquisito, que hace que Europa tenga una característica que a estas alturas sea verdadero tesoro que la diferencia del cine de Estados Unidos.

Así que “Caché” es una película sólo para aquellos que gustan de conocer cosas interesantes (no necesariamente buenas) y para aquellos que busquen acción tipo “Duro de Matar”… bueno, yo les digo que esta película los hará dormir un poco... porque no es para verla al pie del asiento, pero sí para pensarla y analizarla.

Del uno al 7?... emmm.. un 6,8.

2007-09-16T10:07:00.000-07:00

THE KID

Esta película la encontré hace poco en un quiosco y la compré para rememorar aquellas películas de Chaplin que veían en mi casa cuando yo era un pendejo de 4 años. Obviamente, el que no supiera leer no era impedimento para disfrutar de estas películas, ya que eran mudas. Podía entender todo a través de los gestos y las actuaciones. Las tardes de veranos eran acompañadas de una taza de té y unas galletitas, muy inglés todo en honor al actor de comedia por excelencia, inglés precisamente: Charles Chaplin. Lamentablemente la versión que compré es de la empresa chilena VMC, una empresa que se dedica a asesinar películas clásicas al poner su logotipo al comienzo y al final de las películas, lo que de alguna manera falta el respeto a la propiedad intelectual de la cinta y al consumidor que compra el DVD esperando un buen producto.

“The Kid” es una película realizada en 1921, cuando Chaplin ya había fundado la United Artist, y fue hecha en los estudios de grabaciones personales de Charles, la misma que creó en 1918, tras llegar a un acuerdo financiero con la First National, empresa para la cual trabajaba en esos años. La historia es, como todas las películas de Chaplin, un drama con un tinte de tragedia, donde la comedia esboza sus pinceladas en situaciones realizadas dentro de un contexto, que es la historia principal. En palabras simples, las películas de Chaplin son trágicas, pero uno se ríe de situaciones dentro de la historia. Por lo tanto, yo me atrevería a decir que Chaplin no es un actor cómico, es más bien un actor trágico que hace rutinas cómicas. “The Kid” comienza con una mujer abandonando a su hijo recién nacido. Por cosas de la vida, este niño huérfano va a parar a las manos de Chaplin, quién lo recibe, ama y cría como si fuera suyo. Cinco años más tarde, la mujer que abandonó a su hijo es una reconocida actriz, millonaria y famosa, que comienza una búsqueda intensa para encontrar a su hijo. Hijo que por las cosas de la vida, se lo topa continuamente en la casa de Chaplin, sin saber que es su hijo obviamente porque el chico está más grande. En esta película, Chaplin toma elementos de su propia infancia, que fue bastante cruda en los suburbios de Londres, donde creció en la pobreza. Además, la película la realiza luego de perder a su primer hijo recién nacido. Conmueven muchas escenas clásicas como aquella cuando del orfanato van a buscar al niño a la casa de Chaplin, enfrentándose éste con la policía y con los tutores del orfanato. También las escenas donde vemos a Chaplin criar al niño y, como no, aquella donde escapan de la policía. Película corta, como lo eran en aquella época, pero intensa. Recomendable para todos aquellos que comienzan a estudiar y a conocer el lenguaje del cine.

El guión, la dirección y la actuación principal, obviamente fueron realizadas por Charles Chaplin (en la música, por esta vez, no estuvo a cargo. Chaplin comenzaría a componer sus propios temas para sus películas cuando el cine sonoro debuta en 1927). El papel de la mujer que abandona al niño es interpretado por Edna Purviance, una actriz muy bella de esa época, que fue siempre protegida de Chaplin. De hecho, participó en muchas de sus películas e incluso llegaron a tener un romance. Este terminaría abruptamente cuando Chaplin se casa por primera vez, pero su relación de amistad y de admiración mutua continuaría por siempre. De hecho, cuando Purviance se retira de la actuación, Chaplin le sigue pagando su sueldo de actriz como una manera de agradecerle la dedicación que tuvo para sus películas. John, el niño que sale en la cinta, icono hasta de las leyes de trabajo de menores (que salió a flote cuando todos cuestionaban el trabajo de Cristel), fue interpretado por Jackie Coogan, el mismo que años más tarde crecería, interpretaría y a la vez inmortalizaría el papel de Uncle Fester en The Adams Family (o si lo prefieren en “chilensis”, el papel del Tío Lucas, el peladito de los Locos Adams).

Así que como ven, “The Kid” es una película referente del cine por donde se le mire. Recomendable para todo el mundo. Del uno al siete?.. emmm… Un 7,0… Lejos… No, no… un 10000000000.

2007-09-08T12:41:00.000-07:00

VIDOCQ:

Inglaterra tiene un investigador privado muy conocido llamado Sherlock Holmes, un policía poseedor de una imagen intachable y un lenguaje elegante. O sea, un policía de categoría. Pero Francia tiene a su contraparte muy Hardcore punk. Un policía que primero que nada, tiene un vocabulario soez, de malos modales y que nada tiene de elegante. Menos de intachable. ¿Su nombre?: Vidocq.

“Vidocq” es una película francesa basada en un cómic que a la vez está inspirada en una historia real sobre un delincuente muy buscado en la Francia del siglo XIX que luego se reforma y pasa a trabajar para la policía francesa, llegando incluso a crear su propia policía privada. Esta es la gran diferencia con Sherlock: Si bien ambos son detectives muy capaces, Vidocq viene del mismo infierno. Fue un delincuente, estuvo en prisión muchos años, maneja el lenguaje del robo muy bien. Es un excelente maestro del disfraz y tiene una gran ventaja sobre su colega inglés: él sabe donde encontrar a los maleantes y sabe como se comportan, porque él fue uno de ellos. Teniendo una base histórica e inspirada en un personaje real, el cómic de Vidocq comienza ser editado en los años ´70 en Europa, pero recién en el 2001 llega a tener su propia adaptación cinematográfica. Y como una manera de recibir el siglo XXI de buena manera y como Dios manda, la cinta es un espectáculo de efectos especiales y de secuencias que nada envidian a las producciones hollywoodenses, y que aún así mantiene un aire europeo exquisito.

Esta película es producida por Canal + (era que no… están metidos hasta en la sopa en lo que a producciones europeas se refiere) y su director es Pitof… Lamentablemente, con esta película este director llama la atención de las productoras estadounidenses y no pasó ni un segundo antes que le ofrecieran hacer una cinta en Estados Unidos. Y digo lamentablemente porque al aceptar la propuesta gringa, su primera película en Estados Unidos fue… Catwoman. Así es, Pitof dirigió esa insufrible película de Gatúbela protagonizada por Halle Berry, y desde entonces que no he vuelto a saber nada de este director… Jajajajaja… Digamos que se sepultó a sí mismo, porque la película fue un desperdicio de dinero increíble para hacer una película que hasta la persona más retrasada se aburriría por completo.

Pero bueno… El tema que nos convoca es Vidocq. El papel del policía reformado es interpretado por Gerard Depardieu, que si bien ha tenido algunos tropiezos en lo que adaptaciones de cómics se refiere como Asterix & Obelix, en Vidocq lo vemos en buena forma. Será porque no le pesa trabajar en una película no muy conocida basada en un cómic que tampoco es muy popular. En todo caso, Depardieu es un maestro, y cuando se ausenta en algunas partes de la película, se nota, porque la cinta va perdiendo categoría e interés. Así que Depardieu es un buen gancho para obligarse a ver esta película.

La trama es muy simple, pero heredera de todas esas novelas de misterio que se editaban en Inglaterra en el siglo XIX o dignas de Ágata Christi, donde las novelas comenzaban con un asesinato o con un hecho que obligaba al detective de turno o al lector comenzar a averiguar quién era el culpable. Un Scooby Doo de la antigua literatura. En este caso, Vidocq debe averiguar quién es el responsable del asesinato de tres personas de mucha influencia del París de 1830, una ciudad asediada por los prusianos y convulsionada por una futura revolución. Se sabe que el asesino porta una máscara que oculta un terrible secreto, y la tarea del detective es dar con su identidad y eliminarlo completamente. La película me entretuvo bastante y me gustó porque diversos motivos:

- No aparenta ser más de lo que es. Es una película conciente de que, por ser de raíz europea, no va a llegar a tener un reconocimiento mundial, por lo tanto, cumple con lo que tiene que cumplir: entretener.

- Los efectos especiales son muy buenos. Nunca tanto cono las películas gringas, pero tiene un gustito europeo, donde se nota esfuerzo y dedicación que encanta. La edición no ayuda mucho porque a veces te confundes un poco, pero para ser una película francesa… nah, está bien.

- Fue una de las primeras películas en hacerse en formato digital. Por lo mismo se ahorraron mucho dinero. O quizás lo ocuparon para pagarle a Depardieu. (Cuak!!). El asunto es que por ser digital, las actuaciones se palpan como si estuvieras viendo una obra de teatro.

- Posee muchos clichés de películas de cómics. Hay escenas en que me pareciera estar viendo a Spawn. Y está bien, digamos que es un lenguaje universal que no tiene porqué ser exclusivo de un personaje solamente. Spawn también le robó elementos a Batman, que a su vez le robó elementos a The Phantom, que a su vez le robó elementos a Tarzán, que a su vez le robó elementos al Libro de la Selva, que a su vez… bueno, me entienden, no?.

En definitiva… Una película entretenida porque es corta (no dura más de hora y media), saturadísima de elementos ya sea de gráfica o de efectos especiales (como lo era el arte en general a principios de la década del 2000) y por la actuación de Depardieu. Ah!... y porque siempre va a ser bueno conocer a personajes interesantes como Vidocq.

¿Del uno al siete?... emmm… un 6.4.

2007-08-31T19:45:00.000-07:00

HOT FUZZ

Esta película del 2007 es una comedia negra perteneciente al género de las “bud movies”, donde el humor inglés, aquel humor ambiguo, estúpido e hilarante a la vez, es el principal protagonista. Los creadores de este film son los mismos que hicieron “Shaun f The Dead” (en Chile se conoció como “El Atardecer De Los Muertos”), y obviamente esta es la clase de películas que nunca veremos en nuestros cines, solo en DVD bajada de algún antrucho de internet o importada por algún videoclub como Blockbuster… con suerte si no lo dejan en carpeta después de Spiderman, Los Simpsons y todas esas pelis comerciales.

La pareja que protagonizan “Hot Fuzz” son Simon Pegg y Nick Frost. Ambos han realizado un montón de películas en Inglaterra donde a estas alturas ya son tan famosos como el té o como la Reina Isabel. Pero afuera no lo conocen nadie y es por esto que este tipo de películas son realizadas para un mercado externo, ya que si bien la película tiene acento y humor negro completamente inglés, los clichés que poseen son propios del cine estadounidense, por lo tanto no es difícil entretenerse viendo sus películas.

“Hot Fuzz” comienza mostrándonos la vida de Michael Angel, el mejor y más eficiente policía que ha existido en la historia de la humanidad. Posee un currículo intachable, y posee un porcentaje muy alto de arrestos. Ha ganado miles de medallas al mérito y es un héroe muy conocido en Londres. Sin embargo, sus compañeros, que son todos una pila de flojos y holgazanes, no quieren que se les compare con el oficial Angel, y por esto es destituido por su superior a Sanford, la peor ciudad de Inglaterra. Sanford es una ciudad campestre donde no pasa nada, y el mayor delito es que algún campesino pase a cortar la mazorca del vecino. Como ven, Sanford es un pueblo muerto, aburrido donde no pasa absolutamente nada. En este pueblo conoce a su compañero Danny Butterman, con quién entablará una relación de amistad única. Danny es un policía amante de las cervezas y del cine de acción como “Bad Boys”, “Break Point” y “Letal Weapon”… O sea, es un hijo de puta!!... jajajaa… un tipo que no tiene vida, pero que con Angel comenzará a conocer nuevas aventuras. Todo se enreda cuando en la ciudad comienzan a conocerse una serie de asesinatos selectivos sin que nadie sepa quién es el asesino en serie. La labor de esta pareja de policías es averiguar quién es el culpable y pudrirlo en la cárcel. Sin embargo, la sorpresa al final de la película es pero… uyyyyy… mejor ni lo digo…

La película posee secuencias de acción entretenidas, sacadas del cine de “bad cops” gringos, y también tiene escenas gore sacadas de películas de terror como “Scream”… “Hot Fuzz” es una película bien hecha y muy bien dirigida… Ágil, rápida y muy graciosa, esta película posee un humor inglés agudo y refinado, que sabe cumplir su función de entretención y no aspira a ser más de lo que sabe que es.

¿Del uno al siete?... mmm… un 6,1.

2007-08-23T18:45:00.000-07:00

BATMAN: THE FAN FILMS.

Yo no soy muy adepto a los fanfilms… De hecho, el único que me ha volado la cabeza es aquél que a estas alturas es considerado como un verdadero clásico de culto: Dead End, donde Batman se enfrenta a Predator (o Depredador, como se le conoce en Spanglish)… Pero ese es una excepción a la regla, porque el director maneja el lenguaje audiovisual de manera MAGISTRAL…

Desde entonces no me ha gustado ningún fanfilm… Pero la foto de abajo pertenece a uno que me ha llamado la atención, aunque no necesariamente me haya gustado del todo… Digamos que lo encontré interesante. Este fanfilm se llama “Legends”, y es un corto que tiene elementos de sagas importantes como Knightfall, A Death In The Family y The Killing Joke, etc. Así que a los ñoños amantes de Batman, le resultarán familiares muchas imágenes y códigos utilizados en este fanfilm. Aparte que en esta cinta sale una Poison Ivy más exquisita, que dan ganas de sacarle todas sus hojitas de parrón… cuak!!... jajajaja… Y un Bane que con los tatuajes parece actor de cine porno… cuak!!... jajaja

También hay otro fanfilm muy recomendable llamado “Arkham Asylum”, que como el nombre lo dice, está inspirada en la novela gráfica del mismo nombre realizado por Grant Morrison y Dave McKean, donde Batman entra en un colapso debido a una fuga masiva de villanos del Asilo de Arkham.

Para los que no saben lo que es un fanfilm, les explico que son cortometrajes realizados por alumnos de cine o comunicación audiovisual, o bien simplemente personas adeptas a los cómics y al cine, que toman una cámara, contratan a un par de actores semiprofesionales y se arman una buena ambientación donde llevan a la pantalla historias basadas en personajes de cómics-books, obviamente sin el consentimiento de las editoriales poseedoras de los derechos de los personajes (aunque igual les da lo mismo, ya que ayudan a difundir los personajes). De esta forma, los fanfilms se dividen en dos tipos: Los cortometrajes, que son historias de no más de 20 minutos donde se desarrolla una trama inspirada en una novela gráfica, y los Trailers o Sinopsis, que son avances de películas que jamás se realizarán y menos llegarán a un cine. En esta última podemos encontrar sinopsis de supuestas películas de Green Arrow, Batgirl, y Superman acompañado de Batman. En fin, un deleite para los que quieran ver versiones tipo B de sus personajes favoritos.Y es en estos fanfilms donde yo le explicaba el otro día, Don Zero_Naive, que podrá encontrar a actores haciendo el papel del Joker de manera magistral. Si bien, a lo mejor ninguno de ellos supera a su Joker favorito interpretado por Jack Nicholson, sí son otras versiones del personaje que están al límite de la locura y de la insanidad mental, que te da una sensación de miedo que no te hará salir a la calle por un buen rato….

ARKHAM ASYLUM (doblado al español)

LEGENDS

DEAD END

2007-08-13T12:37:00.001-07:00

THE SIMPSON´S MOVIE:

Dejé pasar un poco de tiempo para ir a ver la película más esperada de los últimos veinte años. Y la verdad es que quedé con gusto a poco. ¿Porqué?... Por los siguientes motivos:

- Demasiado corta… Dura como hora veinte… 87 minutos creo… por ahí anda. Sentí que entré a la sala, me senté y le levanté al tiro. Fue como una asomadita a la sala de cine. Sentado duré menos que el recorrido que hace la micro a mi casa. Pero bueno… hay que entender que para una serie que ha perdido profundidad con los años, dos horas de duración quizás hubiese sido muy exagerado.

- Respecto a lo último que mencioné, esta película viene a confirmar lo que se ha convertido la serie en los últimos años. Comenzó siendo una serie aguda, sarcástica que mostraba una visión aguda de lo que era la sociedad estadounidense. Pero terminó transformándose en una serie de situaciones. Ahora la historia pasa a segundo plano, lo importante son las situaciones cómicas que se dan en el transcurso de ella. Y en la película pasa lo mismo. Es un desfile de situaciones seguidas una por otra. Siento que ha perdido su sustancia.

- Lo otro que quiero comentar es cómo me gustaría que alguien le diera un tirón de orejas a los productores de la película. Para nadie es un secreto que muchas veces en una sinopsis o trailer se muestra la historia completa. De esta manera, podemos decidir si vemos una película a través de su avance, porque en ellos se muestra la historia en treinta segundos. Y con la cinta de Los Simpson´s pasa lo mismo. No me reí casi nada porque todas las situaciones o gags YA LAS HABÍA VISTO EN LOS TRAILERS Y SINOPSIS ya sea en internet, televisión o en el cine. Y más encima como la película es corta, entonces se puede decir que antes de pagar mi entrada ya había visto casi el 80% de la película.

- Otro punto que no me sorprendió fue el hecho de que esta película es una mezcla de muchos capítulos. La llegada del cerdito a la casa me recordó el capítulo cuando Homero adoptaba a un mono para que hiciera las tareas domésticas luego de ver a un ciego guiado por su perro. El apego que Bart comienza a sentir por Flanders me recordó ese capítulo en el que Bart y Lisa pasan a vivir con los Flanders, donde luego pasan a estar a un segundo de ser bautizados cuando el agua bendita cae sobre Homero (¿lo recuerdan?). Y así… enumerarlas todas me tomaría este espacio dividido por mil.

- Los efectos en 2-D de la película me parecen extraordinarios… pero esperen. Siento que ya los había visto antes en cierta serie futurista de cierta persona que también creó a Los Simpson´s, donde el protagonista tiene el pelo naranjo y tiene un amigo robot, una amiga cíclope y un sobrino más viejo que él… ¿Futurama creo que se llama?.

- Y finalmente, y lo que siento que me dejó más trastocado, fue el hecho de sentir reír a la gente. Es que eran gente normal, personas que conocieron a los Simpson´s viendo Canal 13 después de Video Loco… ¡¡GENTE NORMAL!!... ¿Saben qué?... No puedo evitar sentirme invadido, violentado y expuesto. Es que últimamente la gente disfruta de lo ñoño. Es que es como normal que lo ñoño, lo que antes tenía CERO importancia para la opinión pública, ahora tenga toda la atención de todos. Antes, para mí, ver Los Simpson´s era una delicia. Leer un cómic de Batman o ver un capítulo de Las Tortugas Ninjas era increíble, porque sentía que a nadie más le interesaba salvo a mí. Pero resulta que ahora esto se ha prostituido. Salen películas de cómics, videojuegos, series y tanta cosa con la que uno se crío y lo hizo a uno único e inigualable, que ahora ver a un tipo ABC1 y con pinta de oficinista o de jefe de hogar disfrutar de una obra ñoña me perturba. Las cosas que nos hacían felices ahora es de todos… Si la gente normal ahora se cambió al consumo de cosas ñoñas para distraerse, ¿Será que ahora tendré que comenzar a ver teleseries o ver Rojo para volver a sentirme ñoño, ya que ese espacio quedó vacante ante tal fuga de cerebros?... No sé si me entendieron el último punto.

Al final quedé tan picado con la película que los quiero cagar contando lo que sale al final de la película. Al final de los créditos sale Maggie y finalmente dice su primera palabra… ¿Sorprendido?... Bueno, te cuento lo que dice: S E C U E L A … Lo dije y qué… Me cago en todos, sobretodo en los que estaban a cargo de esta película.

2007-07-18T11:50:00.000-07:00

MARVEL ZOMBIES.

Desde un tiempo hasta ahora, a los gringos se les ocurrió comenzar a sacar al mercado cómics donde vemos a los personajes de siempre pero en versión ZOMBIES....

Podemos leer a los superhéroes comiendose los cerebros entre ellos, sin afectar necesariamente la continuidad en el universo Marvel formal...

Y las portadas son una delicia porque son homenajes a grandes portadas, que marcaron un hito en su época.... Es sólo cosa de comparar... Aprovechen porque me dí la media paja pa juntarlos uno por uno...

Qué me dicen.....

2007-07-03T12:31:00.000-07:00

300:

Basado en un cómic de Frank Miller (el mismo de “Sin City”), que a la vez está basado en otra película sesentera llamada “Los 300 Guerreros”, “300” es una película que cuenta la historia de Leonidas, un rey espartano que junto a un puñado de soldados espartanos salen a defender a su país de una invasión persa liderada por el emperador Xerxes. Si bien todas estas obras están basadas en una historia real, hay detalles que no son ciertos y que me gustaría dejar claras, porque como amante y estudioso de la Historia que me gusta ser, considero que es entretenido descubrir que cosas pasaron de verdad y qué cosas no pasaron de verdad. Además, a los griegos siempre les he tenido mucho respeto y admiración, porque ellos prácticamente crearon la civilización occidental y nos heredaron conceptos como la democracia, la justicia, apreciación del arte, las matemáticas, la filosofía, uf!... Tantas cosas que comenzaron a ser adoptadas desde el Imperio Romano en adelante y que hasta el día de hoy seguimos aplicando en nuestra sociedad, claro que de mala manera.
Dicho esto, quiero contextualizar la película.
Los hechos que inspiraron “300” ocurrieron en la década del 480 A.C., durante la Segunda Guerra Médica. Pero para entender un poco el porqué de esta segunda guerra, hay que remontarse más atrás, a la Primera Guerra Médica, ocurrida entre el año 510 A. C. y el 490 A.C.

Afiche de la película que todos conocen.

LA PRIMERA GUERRA MÉDICA: Comienza debido a que en Mileto (una ciudad griega bajo dominio persa) llegaron unos aristócratas expulsados de Naxos (una ciudad griega que no estaba bajo dominio persa) pidiendo ayuda militar a Aristágoras, gobernante de Mileto, para reconquistar su poder. Aristágoras le pide ayuda a Darío, rey del imperio persa, a través de su tío Histieo, quién accede a la ayuda y manda a su ejército persa a atacar Naxos. Sin embargo, la expedición persa es un fracaso, quedando Aristágoras en una delicada situación frente a Darío. Para protegerse de la cólera del rey persa, Aristágoras hace un llamado a las ciudades griegas para que se rebelaran contra los persas. Sin embargo, fue Atenas la única ciudad en prestar ayuda a Aristágoras, a pesar de encontrarse en ese momento en una costosa guerra contra su vecina Egina. La guerra fue un fracaso para los griegos, y una vez terminada y perdida la guerra, Darío no perdona a Atenas por ayudar a los sublevados y obliga a Atenas a aliarse con los persas. Esto no fue complicado, porque entre los atenienses había personas que veían con buenos ojos esta alianza para conseguir sus propósitos políticos y económicos.

Otro afiche de la cinta que todos conocen.

LA SEGUNDA GUERRA MÉDICA: Años después de los hechos sucedidos, Darío fallece, dejando a su hijo Xerxes como heredero del imperio persa (aquí los nombres comienzan a serles familiares a los que leyeron y vieron 300). Cediendo a las presiones de su entorno, Xerxes lanza una terrible expedición contra los griegos, y si bien en la película los muestra como un ejercito que hace temblar el piso cuando marcha, hay citas de Heródoto que dicen que fueron 1.800.000 persas los que entraron a Grecia, aunque en realidad sólo fueron centenares de miles de soldados, lo que no deja de ser en todo caso. 1.200 barcos persas, muy fáciles para maniobrar y tripulados por fenicios, persas y griegos de Asia, transportaron al impresionante ejército al otro lado del Helesponto. El miedo se adueñó de las ciudades griegas, que comenzaron a caer una por una. Así fue como, ante una amenaza mayor, treinta ciudades griegas se reunieron y acordaron unirse contra los persas, en una alianza nunca antes vista en Grecia. Es así como Esparta entra en escena (al fin… jajajaa). Los espartanos estaban dudosos de entrar a esta alianza, porque dudaban del triunfo griego. Sin embargo, los espartanos (quiénes tenían un estado militar que personalmente admiro mucho) tenían fama de ser un pueblo aguerrido debido a su formación. Famosa era la “Criptia”, una prueba por la que tenían que pasar todos los niños espartanos cuando llegaban a los siete años, y que consistía en una prueba de dos años donde tenían que vivir en el campo como animales salvajes y volver después de duras pruebas de sobrevivencia. Debido a su fama de guerreros, se les asigna el mando de las operaciones terrestres.

Imagen del cómic en la que se basó la película.

Es así como los espartanos deciden defenderse en el sur de Tesalia, en el desfiladero de Termópilas. Fue allí donde Leónidas, el rey espartano, se instala con 7.000 hombres, pero una traición permitió a los persas rodear el desfiladero y sorprender a Leónidas por detrás. Este ordenó regresar al grueso de las tropas, pero se queda acompañado de 300 hombres, con quiénes se sacrifica dando su vida por Esparta.

Portada de un número del cómic original.

Al final, el imperio persa entra con todo hacia el sur y saquea cuánta ciudad encuentran. Sin embargo, se dan cuenta que todo es una trampa hecha por los atenienses, quiénes permiten entrar a los persas a Grecia con un propósito: El plan de Atenas era alejar al ejército persa de su flota. Aprovechando esta lejanía, la flota marítima ateniense (famosa por su poderío en esa época) ataca a sus enemigos persas, hundiendo todas sus barcazas. Así, el ejército persa que estaba en tierra no tenía ningún medio de abastecimiento, por lo que tarde o temprano tendrían que caer ya fuese por la fuerza o por el hambre y el cansancio.
Así fue como los persas terminaron por rendirse frente a los griegos. Todos ganaron: Atenas terminó consolidando su poderío marítimo en el mar y Esparta haría lo mismo pero en tierra. Ambas se convertirían en potencias en cada escena, potencias que más tarde se encontrarían y terminarían por decidir que ciudad sería la única potencia de Grecia.

Otra postal del cómic.

MITOS Y VERDADES DE LA PELICULA:

En la última película hay detalles que son ciertos y otros que no lo son… quiero partir por los falsos.

MITOS:
- En la película se muestra constantemente a los persas tratar de convencer a los espartanos de que se rindan, a cambio de dejarlos como la única potencia griega bajo la protección del rey Xerxes. En la vida real esto nunca ocurrió, debido a que los espartanos jamás tuvieron ningún contacto con los persas salvo cuando se encontraban en el campo de batalla. Los encargados de negociar los términos de la guerra eran los atenienses, quiénes eran los que tenían audiciones con los mensajeros persas para discutir los términos de rendición, términos que los atenienses nunca aceptaron.

- En relación al primer punto, los persas salen con una actitud conciliadora, quiénes muchas veces dejaban de atacar a los espartanos para convencerlos de la rendición. En la vida real, los persas no tuvieron ni un ápice de consideración con los griegos, ya que los persas comienzan su expedición convencidos del total exterminio griego. O sea, nunca cesaron en su brutal ataque para convencer al enemigo a través del diálogo, todo lo contrario.

- El imperio persa sale como un ejército invasor terrible, más malos que el natre y a los espartanos como nobles que defienden su libertad. En la vida real, ambos eran pueblos terribles. Los persas lo eran y los espartanos no se quedaban atrás debido a su formación y educación guerrera, que los hacían acreedor de características increíbles. Miraban a su contraparte ateniense ninguneandolos como unos homosexuales y delicados filósofos. Más tarde, después de las Guerras Médicas, ambas filosofía se encontrarían cara a cara.

- En la película se muestra al ejército persa avanzar siempre de frente. Nunca se ve alguna estrategia para eliminar a los espartanos. De hecho, las batallas siempre son en un punto y siempre los ejércitos chocan de frente. En la vida real esto no fue así. Los persas rodearían a los espartanos en el desfiladero donde se encontraban y atacarían desde atrás. Sin embargo, en la película, las peleas son siempre de frente.

- Hay una escena en la que Leónidas ordena que parte de su ejército se retire a Esparta. La razón que da es porque se encontraban heridos y cansados para enfrentar una nueva ola de persas que se les venía encima. En la vida real, Leónidas no ordena el retiro por el cansancio, si no porque se ve obligado frente a una terrible derrota que tuvo en las Termópilas. Frente a esta derrota, entiende que la muerte de muchos es innecesaria y decide quedarse y sacrificarse con 300 de sus soldados. En la película jamás se habla de esta derrota, de hecho, nunca se muestra a los espartanos perder una batalla, y se explica la retirada por otros motivos.

- Los mutantes o bichos raros que salen en la película está claro que nunca existieron, sólo salieron de la imaginería chatarra para el impacto visual. Jamás hubieron verdugos con manos de cangrejo o fornidos ogros encadenados y llenos de ira como el que llevan al campo de batalla el ejército de los inmortales.

- Muchas veces en la película se habla de democracia, de libertad y de la defensa de los derechos. Eso sólo son discursos que Leónidas esboza al aire y que son meras ideas estadounidenses, paralelos entre este hecho histórico y la invasión a Irak que lleva a cabo la OTAN y Estados Unidos. En la vida real, si bien muchas ciudades griegas eran democráticas, Esparta era un estado militar, por lo que la democracia era relativa, así que su lucha fue por cualquier cosa, menos por democracia, libertad o defensa de los derechos. Así que esto es lo más alejado de la realidad y sólo responde a un guiño que se le hace a los estadounidenses patriotas que invirtieron sus lucas en la película.

Carátula de la edición en DVD de la película en la que se inspiró el cómic (ya nadie entiende un carajo.. jajaj)

Afiche de la película que originó todo.

VERDADES, PERO…..
- La Historia nos dice que Xerxes, rey del imperio persa, sí estuvo presente en el campo de batalla. Muchas veces presenció y fue testigo de las victorias de su ejército, así como también de las derrotas. En ese sentido la película está bien cuando nos muestra a Xerxes en una colina presenciando los triunfos de Leónidas. PERO… en la vida real jamás bajó de la colina para hablar con Leónidas, como sale en la cinta. Nunca puso su vida en riesgo en el campo de batalla y jamás se expuso a ser asesinado o dañado de alguna manera por el enemigo. Así que, la película tiene algo de verdad y algo de mentira en este punto.

- La Historia nos dice que en el ejército espartano hubo un traidor que fue al ejército persa a contarle los puntos débiles de los griegos. De hecho, la emboscada que le tiende los persas a los espartanos en el desfiladero de Termópilas fue precisamente gracias a esta traición. Así que la película esta bien cuando nos muestra a un postulante del ejército espartano ir donde Xerxes a revelarle sus secretos. PERO… La traición jamás vino de un tipo que por su malformación fue renegado por Esparta. De hecho, este tipo fue sólo un agregado de la película para enaltecer la perfección espartana en su físico y en su fuerza y contraponerlo con estos conceptos.

- En la cinta vemos al Senado espartano dividido en personas que apoyan la defensa contra los persas y otros que apoyan la idea de someterse al imperio persa. De hecho, la reina espartana tiene que acceder a algo indecoroso para pedir ayuda del Senado. Esto es verdad, PERO… lo de la reina es falso, y lo anterior pasó pero en otro Senado… en el ateniense. En Atenas habían intereses creados con todo esto, por lo que la cinta tiene razón en este punto pero el contexto está mal. El Senado espartano jamás dudó de su decisión de defenderse de los persas.

- Leónidas llegó a defender a Esparta con 7.000 hombres. Y cuando ordena que se retire la mayor parte del ejército, se queda con 300 hombres. Esto es verdad, PERO… la película da a entender que los 300 soldados son desde el principio, cuando salen de Esparta y luego se reúnen con soldados de otras ciudades. Esto es falso, porque los 300 se conocen al final de la campaña, no cuando salen de Esparta. Y los 6.700 hombres restantes no eran tan inútiles como los muestra la película. Eran soldados valientes y sirvieron muy bien a Leónidas. No eran tan lelos como salen en la cinta.

Afiche de la mejor película de todas: LA VIDA REAL.

Así eran los espartanos realmente... Y no me refiero a que sean de piedra, eh?.

VERDADES:
- Es verdad que una tormenta aniquila a casi la mitad de la flota marítima persa. Lo que sale en la cinta, antes de las batallas entre espartanos y persas es correcto. La invasión se llevó a cabo en invierno, por lo que el clima jugaba a favor de los griegos

- Es verdad lo de la educación de los niños espartanos. “La Criptia” consistía en hacer que los niños, al cumplir siete años, se fueran de Esparta por dos años a vivir en el campo y a sobrevivir de animales y otros alimentos. Si regresaba vivo, entonces era bautizado como un espartano más. Si no regresaba era porque no era merecedor de tal cargo.

- Es verdad que existió Leónidas, Esparta y todo lo que sale en la película, excepto los datos que salen aclarados arriba.

Esto salió maratónico, pero es que… bueno, siempre me ha gustado la Historia y como es un tema que me apasiona, siempre me largo a hablar y escribir sin medir lo mucho que llego a exponer. Al final, todo se resume a que “300” es una película entretenida y que del 1 al 7 le pongo un…. 6.4.

Un grabado de las Guerras Médicas.

TRAILER DE "300".

TRAILER DE "tHE 300 SPARTANS"... LA QUE INSPIRÓ TODO.

2007-06-25T17:03:00.000-07:00

ASTRO CITY:

Todos los ñoños saben cuál es la historia de la Image Cómics. En 1992, un grupo de artistas guionistas y dibujantes, cansados del mainstream comiquero estadounidense donde ellos hacían los cómics pero la mayor parte de las ventas iban para las arcas de las grandes editoriales y no para sus bolsillos, renuncian a sus trabajos en la Marvel y la DC y deciden fundar la Image Cómics. Desde entonces, todo cambió. Cada artista podía trabajar en su creación y el dinero de las ventas iba para él y no para la editorial, ya que éste era sólo un sello. Además, esta editorial innovó en la introducción de la tecnología y el valor agregado, en el sentido de que la Image comenzó a sacar cómics en papel couché satinado y con colores digitales, gracias al Photoshop que comenzaba a dar sus primeros pasos en el noveno arte. Hoy en día todas las editoriales sacan sus trabajos al mercado con estas características, por lo que se puede decir que la Image fue pionera en su época.
Así es como Todd McFarlane crea Spawn, Jim Lee crea a los WildC.A.T.S., Sam Keith crea The Maxx y Kurt Busiek crea a su magistral obra llamada Astro City, obra a la que me referiré en el siguiente escrito.

Astro City es una ciudad ubicada en algún lugar de Estados Unidos, muy similar a las ciudades cosmopolitas que hemos visto en la vida real como New York, Québec o París, y como las que hemos visto en los cómics como Metrópolis, Gotham o la misma Springfield. Llena de edificios y rascacielos, Astro City es una ciudad muy moderna que tiene una particularidad: Está habitada por ciudadanos normales y superhéroes. Y obviamente estos superhéroes combaten a villanos y amenazas extraterrestres todos los días, transformándose esto en una rutina para los habitantes, quiénes ven una pelea por la ventana pero casi ni se inmutan porque para ellos ya es de lo más normal. Los trajes de estos superhéroes son muy ridículos y sus nombres también, llegando a ser burdas caricaturizaciones y parodias de los personajes más conocidos como Superman o Batman, pero esto no importa, porque la importancia de este cómic no radica en los nombres o trajes de los superhéroes. La importancia radica en como son narradas las historias, ya que cada capítulo esta hecha desde el punto de vista de un ciudadano común y corriente. Son vagabundos o vecinos recién llegados a la ciudad los que cuentan las historias de Astro City, donde los superhéroes son vistos desde abajo, donde las personas no podrán ver más allá de lo que alcanzan a ver por una ventana o en el cielo. Quizás, muchas veces nunca llegarán a entender o comprender el motivo de alguna pelea superheroica, porque su situación de ciudadanos normales les impide llegar a saber más allá. Y por esto este cómic es tan especial, porque son ciudadanos normales, con empleos común y corrientes los verdaderos protagonistas de esta serie, personas que tienen una vida muy rutinaria y quizás aburrida como es levantarse todos los días a la misma hora para trasladarse a su trabajo pero que en el camino se topan con algún villano o superhéroe, pero tratan de llevarlo bien porque si salen vivos, la vida tiene que continuar y tienen que seguir trabajando para el pan de cada día, transformándose todo esto en algo tan normal como ir de compras a un supermercado.

Este cómic tuvo dos etapas (por lo menos las que yo conozco) y ambas fueron publicadas en español por la World Cómics (de la Planeta-DeAgostini). La primera etapa fue hecha en 1995, y fue serializada en seis capítulos. La segunda parte fue creada a partir de 1996, pero a diferencia de la primera, esta fue una serie regular que alcanzó a sacar un par de números bajo el sello de Homage Cómics. Ambas etapas fueron escritas por su creador Kurt Busiek, ayudado por su amigo dibujante Alex Ross (Dios, ídolo, master, pongan su nombre en Google) quién trabajó sólo en las portadas, al contrario de lo ocurrido años antes, donde ambos trabajaron en una serie llamada Marvels (hecha para la Marvel Cómics) donde Ross trabajó en todas las viñetas. Así que Ross aportó sólo en la creación de portadas, ya que el dibujante oficial es Brent E. Anderson, quién hizo un trabajo algo mediocre, la verdad. Sus dibujos no son lo mejor que uno puede esperar, pero en gustos no hay nada escrito, a mí por lo menos no me calentó mucho. Eso sí, el dibujo no es lo importante de esta serie, sino que el guión, la historia que echa a andar Busiek, eso es lo importante de esta serie. Pero imagínense, si Ross hubiera aceptado trabajar con Busiek en todas las viñetas y páginas, qué pedazo de cómic sería por el amor de Jehová… Hubiera sido muy chocante, pero lamentablemente tenemos a Anderson (oh, pobre tipo, lo estoy haciendo añicos… jajajaa)…
Del 1 al 7… le pongo nota 7…. Nota máxima, lejos…. Y nunca la doy así que cachénse de qué les estoy hablando.

2007-06-03T09:57:00.000-07:00

LA LIGA:

El programa La Liga (transmitido por Mega) es un programa que tiene un formato extranjero producido por Cuatro Cabezas, una productora argentina que ha traspasado sus fronteras y ha encontrado en Chile una segunda mina de oro. En un medio impresionable, como el chileno, donde de cada diez programas buenos que sale en Argentina, con suerte sale la mitad de uno acá en nuestro país, esta productora trasandina (donde claramente el nombre es una analogía a algo muy obvio que está demás explicar aquí) llama demasiado la atención porque simplemente son los mejores en lo que hacen. Manejan el lenguaje de la comunicación audiovisual demasiado bien. Saben manejar los tiempos y tienen bajo la manga una innumerable cantidad de trucos de edición que provoca la envidia pero a la vez el anhelo de casi cualquier comunicador audiovisual. Si bien en Chile los canales muchas veces han permitido que productoras externas produzcan y hagan programas como por ejemplo Patiperros, Los Venegas, los del Bicentenario de Canal 13, etc, muchos de ellos desaparecen con el tiempo (y con el rating) y otros se mantienen a duras penas. Es por eso que son otras las productoras, pero no externas si no extranjeras, las que a veces llegan a haciendo programas como Duro de Domar o La Liga, programas que tienen su símil trasandino y que llegan como programas innovadores cuando no lo son tanto. ¿Porqué?... porque la televisión chilena es mala. Lo único que hemos exportado son las teleseries de TVN y Rojo, que lo dan en Paraguay y Ecuador. Ah!, y Sábados Gigantes… grandes programas, cierto?.

Es por esto que Cuatro Cabezas es una productora fresca para el medio local. De hecho, el primer programa que produjeron en Chile fue CQC, un programa que venía de hacerse en Argentina, España, Italia, Israel y Estados Unidos, y que aquí tuvo su momento de fama debido a su manera deslenguada y arrolladora de mostrar la actualidad nacional e internacional en un medio donde lo más sarcástico que se había hecho hasta entonces era Chile Tuday (con los Larraín y Felipe Izquierdo). Eso sí… la versión criolla es mucho más light que la original, ya que los noteros tienen un grado de humor un tanto condescendiente con los políticos, actores o cualquier personaje que esté a la palestra de la actualidad noticiosa. Las veces que he visto CQC en su formato original (ahora en Telefe, los Miércoles a las 22:00 hrs.) los noteros argentinos llegan a dar cátedra de cómo hay que ser deslenguado y sarcástico. Estos tipos son unos monstruos que muchas veces han llegado a ser golpeados e incluso demandados por políticos debido a su manera de enfrentarlos sin la más mínima piedad y respeto. Eso sí, hay que reconocer que en el manejo de las cámaras se ve una evidente superioridad en la edición chilena, puesto que cuando los animadores están hablando, la cámara hace paneos, zooms y muchos movimientos, en cambio, en la edición trasandina, la cámara está simplemente quieta cuando Pergolini y compañía presentan las notas. Por lo tanto, en dirección, CQC Chile es más arriesgado. No así en las notas, donde es CQC Argentina la que se arriesga más.

Pero el programa al que me quiero referir ahora es uno llamado La Liga. En Argentina, este es un programa duro, penetrante (oiga!... mal pensados) y muy difícil de digerir. Pero a la vez fascinante y muy ágil. Tocan temas muy sensibles para los trasandinos (por ejemplo, una vez ví un capítulo donde abordaban el tema de las papeleras que se construyeron al norte de Argentina, en la frontera con Uruguay. Tema sensible porque los argentinos, después de unas disputas con los uruguayos, se fueron a la Corte Internacional de La Haya, donde el caso lo ganó Uruguay, terminando por construir las papeleras, dando un golpe bastante duro al ego argentino). Si bien la versión chilena también es algo light (yo creo que es por el acento… cuac!) no se queda atrás al momento de mostrar una realidad deprimente La diferencia es que la versión chilena toca temas más universales como la cárcel, la muerte, la locura o la tenencia de armas en los barrios marginales, y no tanto temas nacionales pero contingentes como la versión argentina. Eso sí, cumple su función principal a creces que es la de entretener… pero insisto: Esto se cumple gracias a la edición, que es bastante parecida a la de las notas del CQC, pero enfocado a un área más humana y más personal. Sus conductores son cuatro: Blanca Lewin (que cumple un rol importante al dar su visión femenina y más sensible de los temas), Rafael Cavada (que es el cabrón, el huacho pelao que las hace todas, o sea, el arrastra chotas), Pablo Mackenna (que después de haber renunciado a CQC espanta sus fantasmas personales con este programa, y claro… con los pitutos que tiene entre sus amistades al interior de Cuatro Cabezas, era que no que iba a quedar sin pega) y un cuarto conductor que es tan malo que ni siquiera vale la pena nombrar (me sé su nombre por siaca, no vayan a pensar que no lo voy a nombrar porque no me lo sé). Estos cuatro personajes muestran una realidad de manera distinta, donde mezclan el periodismo con el reality show y alguno que otro monologo actoral. Sus notas tocan realidades duras y crudas, que a veces uno sabe que existe, pero no siempre está conciente de su cruda existencia y de cómo afecta a tantas personas… Y a la vez se entera de cosas como por ejemplo que las personas que trabajan en los cementerios desenterrando muertos sin reclamar por años quedan impregnados de un olor a putrefacción que dura días y que no se puede sacar con una ducha.

Si bien algunos son temas muy manoseados, como por ejemplos, la cárcel, la novedad del programa no va por el tema tratado, si no por cómo es tratado. Si por ejemplo Informe Especial tiene un reportaje donde entrevistan a un par de reos, La Liga se adentra a la cárcel, los conductores pasan la noche adentro y juegan a la pelota de igual a igual con los reos, con todos los riesgos que esto implica: las peleas, los riesgos de contraer enfermedades a través de cortes punzantes o simplemente el riesgo de que sufrir alguna violación o algo. El programa juega con eso, y las notas están editadas como la mejor de las películas de Hitchcok… O como The Blair Witch Project.
Por lo tanto La Liga no es un mal programa. Tampoco es una joyita, pero como decía la novedad está en la edición. ¿porqué?... Porque en Chile la televisión tiene una herencia de estilo que viene de Martes 13 o El Festival de la Una. En cambio, en Argentina, la televisión es más auténtica y más radical. Y cuando un programa trasandino se aplica en nuestro medio, arrasa con todo. Por lo menos, por un tiempo, hasta que llega otro programa rompeesquemas… pero basado también en uno argentino.

2007-06-02T10:04:00.000-07:00

Esta semana, y en el transcurso de un resfrío y una fiebre que me llegó hasta la médula, me aislé y me encerré como un vil paciente psiquiátrico y dejé la televisión de lado por la lectura… Leí, pero cómics. O sea, puras mierdas!!!... jajajaa… pesqué cuatro sagas al azar de mi biblioteca pop y esto fue lo que encontré:

a) BATMAN: RITO INICIATICO, Serie de cuatro partes (1990, DC Cómics):

“Para dejar a un Robin como legado, primero sus padres tienen que morir”. Esto lo dijo Tim Drake en esta saga que es ya un clásico porque muestran los primeros pasos que comienza a dar Tim antes de convertirse en el tercer Robin. Y con la frase se refiere a sus antecesores Dick Grayson y Jason Todd, cuyos padres fallecieron antes de que ambos se transformaran en el primer y segundo Robin respectivamente, teniendo cada uno un final distinto que a estas alturas todo el mundo ñoño (como yo) conoce. Y la frase la dice al saber que sus padres son secuestrados por personas vudú en Haití. Al saber esto, Bruce Wayne se pone su capucha de Batman y viaja al Caribe para rescatar a los padres de Tim, pero algo pasa, algo trágico que no quiero decir porque me parte el alma, snif!. Rito Iniciatico es una serie de cuatro partes escrito por Alan Grant (uf, pero que genio, tiembla Shakespeare… jaja) y dibujado por Norm Breyfogle (otro grande, uno de mis dibujantes favoritos), y esta serie data de 1990, pero sus repercusiones duran hasta hoy.

b) BATMAN: EL REGRESO DE HUSH, Serie de seis partes (2004, DC Cómics):

Esta serie es más contemporánea y es la continuación de “Hush”, un historia creada para que el dibujante Jim Lee se luciera y para que todos dijeran “puta el weon bakán”, y bla, bla, bla. La segunda parte tiene más repercusiones primero porque toca algunos puntos de la novela gráfica “Killing Joke” , aquél libro insuperable que escribiera Alan Moore y dibujara Briand Bolland, por allá por 1987, y segundo, porque planta las bases de una serie que moverá el piso a todos los seguidores de Batman. Me refiero a “Under the Hood”. Esta vez la historia se centra en la venganza de Hush contra Riddler, luego que éste lo incluyera en un plan para aniquilar a Batman en la primera parte. Pero Riddler, temiendo por su vida, pide ayuda al Joker para que lo proteja a cambio de una información valiosa que le permitirá entender un poco más sobre su origen (aquí está la relación con “Killing Joke”, aunque cambian muchos detalles importantes y borran otros con el codo). Todo explota porque Riddler quiere vivir, el Joker quiere demostrar que es el amo de Gotham, Hush quiere venganza y Batman está entremedio de todo. “El Regreso de Hush” está escrito por Lieberman y dibujada por el argentino Barrionuevo, lo que es un alivio para la pupila después de ver a Jim Lee en 12 extenuantes capítulos de la primera parte llamada “Hush”.

c) MARVEL KNIGHTS SPIDERMAN, Serie de doce partes (2004 - 2005, Marvel Cómics):

Marvel Knights es una denominación que se le dio a una serie de cómics donde las historias eran más realistas y apegadas a la actualidad gringa. La que leí corresponde a lo publicado con Spiderman y traída a Chile por la subsidiaria chilena de la Editorial Panini (bodrio de editorial). Esta historia es similar a “Hush” de Batman, en el sentido de que a Spiderman comienzan a atormentarlo sin que Peter Parker tenga alguna pista de quién pueda ser hasta los últimos capítulos. También coinciden por la galería de personajes que desfilan en las páginas, ya que tanto en “Hush” como en “Marvel Knights Spiderman” vemos a todos o la gran mayoría de los personajes, ya sean villanos, superhéroes o seres queridos, que rodean a estos personajes. Una historia entretenida, como lo son los de Marvel. Todo comienza cuando secuestran a Tía May, por lo que Spiderman comienza una investigación para saber quién es el culpable. Esta historia está escrita por Mark Millar y dibujado y entintado por los hermanos Dodson, Terry y Rachel. Eso sí, si la compran después de ver la película, pueden llevarse algunas sorpresas, debido a que la continuidad en los cómics está más avanzada que en las películas, y por ende, hay detalles que en la película recién comienzan, pero que en los cómics ya están cocinados hace bastante rato, como por ejemplo el matrimonio entre Peter Parker y Mary Ja… ungh, calla, Yerko… calla!. O sea, a los nuevos les costará un poco entender algunas cosas.

d) ASTONISHING X-MEN, Serie de doce partes (2004 – 2005, Marvel Cómics):

Mucha agua ha pasado bajo el puente en lo que mutantes se refiere. Han muerto personajes, han regresado otros, han nacido nuevos y se han sacado tantas series, sagas y tanta cosa con la letra X, que casi era imposible poder seguir las series de mutantes. Recordemos que en USA, aparte de X-Men, también salían las series X-Factor, New X-Men, X-Calibur, X-Force, Wolverine, y un sinfín de series que hacían muy difícil captar lectores nuevos, porque el que lo hacía no entendía un carajo. Astonishing X-Men es un replanteamiento de la serie, donde todo comienza de cero pero respetando la continuidad que ha tenido la serie por más de treinta años. Por lo tanto, al lector que es nuevo no se le hace difícil leer esta serie, pero si quiere entender más en profundidad algunos puntos (como la muerte de Jean Gra… ungh, calla, Yerko… calla!), tendrá que conseguirse material antiguo y leerlo. En esta serie, vemos a los X-Men sin el Profesor Xavier, pero manteniendo el liderazgo Ciclops, quién esta vez tiene una relación con ¡Emma Frost!... pero donde nada es lo que parece. Sigue the Beast, Wolverine, Kitty Pride y el regreso de alguien que pensaban que estaba muerto pero que los hará caer de culo. Además enfrentan una situación donde la cura para el gen mutante se encuentra disponible y donde todos querrán sacar provecho de esto. Todo finaliza con una batalla increíble contra la sala de entrenamiento. Si, leíste bien. La sala de entrenamiento, aquella que siempre leías en los cómics y veías en los monitos (y en la peli) adopta forma humana y enfrenta a los X-Men, planteando un nuevo tipo de discriminación: La discriminación hacia la inteligencia artificial. Imperdible.

Y bueno… no hay nada mejor que un buen delirio, buen un virus y un buen par de cómics. La mezcla perfecta. Y aunque me molesten porque leo “historietas” (para niños, según algunos… pff, sacoweas), yo los dejo. Total, a mi gusta que mi adicción entre por la vista. A otros les gusta que le entre por la nariz, a otros por las venas. Allá ellos. Todos tenemos una adicción, Sólo que la mía viene en papel couché y con olor a tinta. Adiós, papiones.